Acuarela: Sondra Freckelton: Planificación Para La Expresión

2023 Autor: Amelia Goldman | [email protected]. Última modificación: 2023-05-24 12:45

Sondra Freckelton es ampliamente reconocida por sus acuarelas bien planificadas, reflexivas y elaboradas por expertos que desarrolla utilizando principios que amplían la expresión artística; y es apreciada por ayudar a otros a aprender esos principios mientras adquiere una comprensión concreta de la pintura de acuarela.

por M. Stephen Doherty

Paleta holandesa 1998, acuarela, 28 x 27. Colección del artista.

Cuando la artista neoyorquina Sondra Freckelton lleva a los estudiantes a través de una serie de ejercicios diseñados para ayudarlos a comprender cómo hacer que sus pinturas sean más dinámicas y atractivas para los espectadores, se sorprenden. Y cuando ella demuestra cómo trabajar con acuarela transparente para obtener el máximo beneficio del medio, se sorprenden de lo lógicos y apropiados que son sus métodos, especialmente si han tomado otros talleres durante los cuales se les enseñó a pintar, pero no por qué. Al final del taller, los estudiantes a menudo comentan que han aprendido a componer y ejecutar acuarelas por primera vez.

Algunos de los ejercicios que realizan los estudiantes de Freckelton están diseñados para ayudarlos a comprender cómo seleccionar y aplicar colores, mientras que otros tienen como objetivo hacer que reconozcan las formas en que los materiales pueden usarse para transmitir la razón por la que seleccionaron un tema determinado. Por ejemplo, ella muestra cómo pintar una manzana o una ciruela simples al superponer tonos de los tres colores primarios para lograr el color en el papel en lugar de mezclar el color en la paleta. Freckelton explica que debido a que este es un medio transparente, los artistas pueden obtener un tono más rico para pintar objetos luminosos o vivos con un color logrado donde todos los colores utilizados son evidentes; y luego quizás contrastando eso al mezclar los colores en la paleta para sujetos que no emiten luz, como tela o madera. Luego, los estudiantes hacen sus propios intentos de aplicar capas de color transparente sobre una forma ovalada dibujada en un trozo de papel blanco, siempre conscientes de cómo interactúan los colores y se construyen hacia la ilusión de un objeto tridimensional.

Fin de verano 1995, acuarela, 39½ x 36. Colección privada.

Ayudar a los estudiantes a comprender cómo transmitir las razones por las que seleccionaron una materia es un desafío mayor porque a la mayoría de los acuarelistas se les enseña a pintar simplemente lo que observan, no a centrarse en las razones por las que se sintieron atraídos por una materia. En un ejercicio, Freckelton les pide a los estudiantes que diseñen formas abstractas que transmitan emociones fuertes como el miedo, la paz, la ira o la alegría. Una vez que seleccionan un tema, ella recomienda que los estudiantes se escriban una postal con un mensaje que les gustaría que recibiera un espectador de su pintura. Después de completar la pintura, los estudiantes comparan las dos formas de comunicación para determinar si corresponden.

“Los acuarelistas principiantes deben pensar en elegir un tema, darse cuenta de por qué lo eligieron y determinar los factores más importantes e interesantes; más tarde ese proceso se vuelve natural ", dice Freckelton al resumir su consejo. “Hacer arte es más que simplemente registrar hechos. El pintor debe exagerar cuestiones importantes y disminuir o dejar de lado detalles poco importantes u oscuros. El ojo selectivo debe ser desarrollado.

"Después de años de hacer arte, me di cuenta de que cuanto más económico podía ser al pintar un tema, más cerca estaría de su esencia", continúa Freckelton. “También entendí que al exagerar las características importantes y minimizar los factores que no mejoraban la forma, la luz, el ritmo o el movimiento, enfatizaría el concepto principal que me motivó a pintar la imagen. Al mismo tiempo, pude llegar a una imagen que tenía más vida.

Acianos y Zinnias 1979, acuarela, 28½ x 29. Colección privada.

"El siguiente paso es el más difícil pero más útil", explica el artista. “Ese paso es usar elementos de composición para reforzar sus ideas y transmitir su visión a una audiencia. Hay elementos estándar de diseño (línea, forma, volumen, tono), pero hay otros problemas a considerar al presentar un punto de vista particular. Esos incluyen el formato de la pintura (cuadrado, horizontal, vertical); el punto de vista del artista (arriba, abajo o incluso con el tema); proporción de espacios y colores; y las formas que llevan a los espectadores hacia adentro, alrededor y fuera del espacio pictórico. Estas son las consideraciones que pueden elevar una pintura de ser un embalse peatonal a una emocionante obra de arte ".

Freckelton a menudo recomienda que los artistas hagan bocetos rápidos en miniatura de sus pinturas previstas para que puedan evaluar algunas de estas consideraciones de composición antes de comenzar a pintar. "La mente debería comenzar a trabajar mucho antes de que el cepillo golpee el papel", recomienda. Una de las consideraciones clave es la ubicación del centro de interés, y otra es el establecimiento de un punto de entrada desde el cual el espectador es llevado a la imagen. "Hay una razón por la cual el centro geográfico del documento se llama 'punto muerto'", comenta. “Es porque una pintura en la que el sujeto se encuentra en ese lugar no tendrá vida. Siempre tendrá una imagen más atractiva cuando el centro de interés esté ubicado a un lado u otro de acuerdo con las intenciones del artista.

"Del mismo modo, si una imagen carece de un punto de entrada, a menudo una forma diagonal que se eleva desde la parte inferior de la página, los espectadores sentirán que se están entrometiendo en una escena privada en lugar de ser invitados a la imagen", agrega Freckelton. "Y si hay un lugar de entrada, también debe haber un punto de salida, generalmente una diagonal que atrape al espectador fuera y fuera de la imagen".

Fin de otoño 1996, acuarela, 37 x 38. Colección el artista.

Freckelton y su esposo, el artista Jack Beal, a menudo divierten a sus estudiantes al referirse a este uso de planos de entrada y salida como la invención de una "composición de cubierta". Con eso se refieren al plano del espacio en el que el espectador ingresa a una pintura. puede considerarse como un trapecio que está articulado a trapecios del espacio de forma similar a través del cual saldrán. En términos más simples, es como un campo de hierba que se encuentra con el cielo a lo largo del horizonte, con el campo que aparece como la mitad inferior de la cubierta, el horizonte es la bisagra y el cielo es la mitad superior de la concha. "Por tonto que parezca, y nuestros antiguos alumnos nos envían almejas reales y pinturas de almejas todo el tiempo, pensar en una concha recuerda a los artistas que consideren el espacio dentro de sus pinturas", explica Beal. “Demasiados artistas pintan una vista directa de los objetos que se sientan en un estante plano, o presentan modelos en un escenario estrecho. El resultado es que las pinturas no tienen la profundidad que se podría imaginar pintando los mismos sujetos desde un ángulo o altura diferentes ".

Además de estas consideraciones, Freckelton usa un boceto en miniatura para determinar si los objetos en un bodegón se extenderán más allá de los límites del papel o serán confinados por ellos, si los elementos en una imagen pueden actuar como áreas de interés secundarias o terciarias, si Las formas y los patrones se pueden repetir para dar ritmo a la composición, y si los elementos se pueden exagerar en escala o dirección para agregar anticipación y energía a la imagen. Por ejemplo, en muchas de sus pinturas de naturaleza muerta, Freckelton se inclinará

una mesa hacia adelante para que los objetos que descansan sobre ella estén listos para rodar y caer en el regazo del espectador; o ampliará la escala de una flor para hacerla más importante que las otras o para reforzar la ilusión del espacio y la distancia.

Peonías en un tazón iridiscente 2000, acuarela, 23¾ x 30. Colección el artista.

El espacio abierto o negativo es tan importante para el plan de Freckelton como el espacio positivo. Ella cree que la forma y el valor de una pared de fondo pueden ser tan importantes para el éxito de una pintura como los detalles pintados en los objetos frente a ella. “Así como una gran pieza musical ofrece una variedad de sonidos fuertes y suaves, y una gran presentación de baile combina lo atlético con lo elegante, así una gran pintura debe ofrecer áreas de emoción y descanso. Es una cuestión de proporción: de patrones, formas y colores ".

Algunos acuarelistas creen que todo este trabajo preparatorio sofoca la creatividad porque convierte la pintura en un proceso de ejecución de un plan establecido en lugar de explorar la evolución de la imagen. "Es todo lo contrario", responde Freckelton. “El plan también evoluciona y cambia a medida que observa y descubre más elementos que mejoran su concepto original. Una vez que sepa por qué está pintando un tema, cómo va a componer una imagen, y tenga una idea general de la secuencia de la aplicación de pintura que usará, estará libre de falsos comienzos y correcciones frustrantes y luego podrá responder a la forma La pintura besa el papel. Sin algún tipo de plan, lucharás con todos los aspectos del proceso de pintura”.

Pelota y jarra 1989, acuarela, 54 x 45. Colección del artista.