Pintura Al óleo: Travis Schlaht: Siguiendo La Inspiración

2023 Autor: Amelia Goldman | [email protected]. Última modificación: 2023-06-01 22:28

El pintor neoyorquino Travis Schlaht busca y encuentra belleza atractiva en muchos rincones de la vida. Luego, usando una paleta moderada pero poderosa, la refleja en el lienzo.

por James A. Metcalfe

Barra II

2005, óleo sobre lino, 26 x 36.

Todas las ilustraciones de este artículo son privadas

recolección a menos que se indique lo contrario.

Travis Schlaht tiene una filosofía simple pero definida sobre la pintura: "Un artista debe inspirar", declara el nativo de California. “No suscribo la idea de que un artista debe desafiar o sorprender al espectador o señalar la fealdad a través de la sátira. Los artistas siempre pueden inspirar, si no es por nada más que ilustrar cuán visualmente hermosa puede ser la vida”. Para lograr esto, Schlaht, quien admite estar fuertemente influenciado por los pintores del siglo XIX, simplemente pinta las escenas y los objetos que considera hermosos y hermosos. convincente.

Al considerar temas de naturaleza muerta, el artista selecciona objetos por los que se siente atraído estéticamente o se siente de alguna manera conectado. "Podría ser debido a la textura, color, forma de un objeto, o la forma en que la luz se refleja o viaja a través de él que me invita a pintarlo", dice el artista. En el Bar II, por ejemplo, Schlaht quería capturar aspectos diferentes pero armoniosos de la configuración. "Cada botella tenía su propio atractivo estético", explica. “La forma y el color del líquido en cada uno se vieron directamente afectados por lo que había detrás, y eso me pareció visualmente fascinante. Debo ver algo interesante si espero hacer una pintura interesante”.

Camión rojo

2004, óleo sobre lino, 8 x 10.

Schlaht cree que lo que distingue a los artistas son sus respuestas personales a objetos, lugares e individuos. "No es importante cómo se completa una pintura o quién la pintó, sino más bien si una imagen en particular puede o no resonar con el espectador", enfatiza. "Diez personas pueden estudiar y pintar el mismo tema, pero las pinturas variarán enormemente dependiendo de las respuestas emocionales de los artistas a su tema". Y aunque Schlaht siente que es importante evocar una respuesta del espectador, nunca quiere exigir qué esa respuesta debería ser. “Si un espectador no puede determinar qué objeto he pintado, entonces probablemente haya fallado. Pero cómo se sienten los espectadores al respecto depende de ellos. Mi única esperanza es que tengan una respuesta honesta al tema, así como a la forma en que está pintado ".

Schlaht asegura una respuesta honesta a sus pinturas comenzando con un enfoque honesto. Hablando de su trabajo de paisaje al aire libre, el artista dice: “Se trata de tratar de capturar la plenitud de donde estoy. Paso horas mirando y explorando lo que está frente a mí, sin mencionar la absorción de la miríada de sonidos y olores exclusivos de ese lugar específico”. Dado que Schlaht pinta solo de la vida, también está familiarizado con los obstáculos que presenta la pintura al aire libre. Al igual que muchos artistas, encuentra que "el desafío más formidable es tratar de capturar la atmósfera, la profundidad, la escala y la grandeza mientras se mantiene el color y la perspectiva lineal, al mismo tiempo que se lucha contra los elementos", dice, y agrega, "y hacer todo esto en menos de cuatro horas, antes de que la luz cambie por completo.

Entrada de la isla de los ciervos

2005, óleo sobre lino, 17 x 24.

"Dado que el aire disminuye el valor y los rangos de color", explica, "cuanto más aire y atmósfera hay entre usted y el sujeto, menos cromático se vuelve el color y más pequeño el rango de valores (las luces se vuelven menos claras y las oscuras se vuelven menos oscuras). En Deer Isle Inlet, por ejemplo, traté de lograr una atmósfera con color haciendo que los árboles en el fondo lejano fueran menos cromáticos y los árboles en la ladera menos verdes, lo que resultó en que esos árboles tuvieran un rango de valores tan pequeño que los árboles individuales son indistinguible. También tenga en cuenta los bordes, o la falta de ellos, donde la ladera se encuentra con el cielo. Son mucho más suaves y menos definidos que las rocas al costado del acantilado en primer plano”.

Schlaht también trató de representar un fuerte sentido de la atmósfera en Red Truck. "El camión en primer plano tiene un alto croma y un amplio rango de valores", explica, "mientras que el árbol en el fondo está pintado en tonos apagados de verde y tiene un rango de valores estrecho". Al pintar este contraste, Schlaht llamó la atención. a su tema y evocó la sensación de un lugar particular en un momento particular. "No me puse específicamente para pintar el estado de ánimo", sostiene el artista. "Pero pintar el efecto de la atmósfera en sí mismo creará un estado de ánimo". Él cree que la forma en que un espectador reacciona a un sujeto o efecto de luz también determinará el estado de ánimo de una pintura. "El estado de ánimo es algo gracioso", dice. “No puedo, ni quiero controlar el estado de ánimo del espectador. En Bread and Butter, por ejemplo, algunos espectadores pueden mirar el mouse y tener una respuesta negativa. Para ellos, el ratón podría representar suciedad y decadencia o la intrusión de la naturaleza en la forma de vida del hombre. Otros pueden verlo como una imagen optimista en la que las necesidades del pequeño [el ratón] finalmente se satisfacen en abundancia. Creo una imagen; la interpretación del espectador crea el ambiente ".

Materiales de Schlaht

Schlaht cree que estar familiarizado con sus materiales es esencial. "Me permite concentrarme más efectivamente en la apariencia de la pintura", dice. Su lienzo preferido es el lino para retratos de Claessens. "No es demasiado suave ni el grosor del tejido distrae demasiado", dice. En términos de pintura, los factores más importantes que considera son la consistencia y si la pintura es lo suficientemente maleable para que él renuncie a usar un medio. Sus pinturas preferidas, dependiendo del color particular, son las de Old Holland, Schmincke-Mussini, Rembrandt y Gamblin. Utiliza principalmente cepillos sintéticos suaves de Winsor & Newton. Prefiere la trementina destilada inglesa a los diluyentes no tóxicos e inodoros debido a su fuerza y rapidez de evaporación.

Granero blanco

2005, óleo sobre lino, 8 x 10.

Cortesía de John Pence Gallery, San Francisco, California.

Independientemente del tema, la verdadera pasión de Schlaht es el acto de pintar. El artista pasa fácilmente hasta 14 horas al día pintando en su estudio y, a menudo, primero resuelve todos los problemas de dibujo en papel. "Paso mucho tiempo estableciendo el diseño de una pintura", dice. “Cuando finalmente esté satisfecho con la composición, comenzaré el dibujo, por lo general con el número quemado en un lienzo tonificado. Sin embargo, cuando trabaje en una figura, primero haré un dibujo en grafito y luego transferiré ese dibujo al lienzo.

"Mientras trabajo en el dibujo, pongo las cosas en el lugar correcto y obtengo las proporciones correctas de la persona u objeto", continúa el artista. “Por ejemplo, en Valentine no me preocupa dibujar cada parte del ojo del sujeto; Me preocupa más capturar las distancias y las relaciones entre los ojos, la nariz y la boca. El dibujo es crucial porque después de comenzar, una pintura rara vez se desvía de su aspecto original ".

Pan y mantequilla

2005, óleo sobre lino, 11 x 15.

Cortesía de John Pence Gallery, San Francisco, California.

La mayoría de las veces, Schlaht pintará un objeto hasta completarlo, generalmente el más interesante o el que tenga el mayor rango de valores, y luego relacionará todo lo demás en la pintura con ese objeto original. Sin embargo, se da espacio para ser flexible, y no se opone necesariamente a mover o agregar un elemento si resulta en una mejor composición. Y aunque se considera fiel a su tema, admite que no es "servilmente verdadero". "No soy capaz de pintar cada detalle, y a menudo estoy más interesado en la evocación de una pincelada que en lo que soy". representando todos los matices de un objeto”, admite.

En términos de su elección de color, Schlaht usa tonos restringidos para asegurarse de que cuando usa un color intenso tenga un impacto significativo. “Yo uso el color puro solo para acentos; para el resto de la pintura generalmente uso tonos apagados”, explica. Dos de las botellas en la barra II, por ejemplo, tienen tapas de cera de color rojo vivo. “Para mantener la cera de un rojo intenso, utilicé rojo puro solo en la parte más brillante de la parte superior. El valor medio se mezcló en rojo con un pequeño número quemado para disminuir su valor. Si solo hubiera usado el blanco para dar la mejor forma, la cera se vería rosada y se desvanecería”, dice.

Esperando

2004, óleo sobre lino, 14 x 22.

Su paleta consta de aproximadamente 24 colores. “No es que piense que es importante tener tantos colores; es justo lo que he acumulado”, dice Schlaht. Le resulta útil usar los mismos colores en el mismo orden cada vez que pinta. “De esta manera”, dice, “siempre sabes dónde están los colores que necesitas y no pierdes el tiempo buscando el correcto. Algunos artistas tienen una paleta para el paisaje y otro conjunto de colores para la figura, y constantemente suman o restan según el tema que están pintando. Eso es demasiado confuso para mí. Trato de mantener las cosas lo más simples posible; ¡el acto de pintar es bastante difícil!