Steve Rogers puede señalar el momento específico de su carrera en que sus acuarelas cambiaron de promedio a excepcional. Eso ocurrió cuando conoció a su futura esposa, encontró un tema que le apasionaba pintar y tuvo una experiencia religiosa.
por M. Stephen Doherty
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| Vernazza Sunset
2000, acuarela, 28 x 40. Todas las ilustraciones de este artículo Colección privada a menos que se indique lo contrario. |
El artista de Florida Steve Rogers se ha elevado a las primeras filas de acuarelistas estadounidenses en los últimos años, y está ganando importantes premios, juzgando exhibiciones nacionales, demostrando ante grandes audiencias y enseñando talleres llenos. Pero hace 15 años era como muchos artistas que sobreviven vendiendo cuadros aceptables de temas populares a nivel regional. "Pinté más gaviotas, faros y barcos de los que me gustaría recordar", dice con una sonrisa. Esa experiencia ahora lo ayuda a motivar a sus alumnos a hacer mejoras dramáticas en sus acuarelas. "Trato de ayudarlos a mejorar sus habilidades, pero lo más importante que creo que puedo compartir con ellos es la importancia de pintar con pasión".
Rogers encontró su propia pasión como resultado de varios cambios en la vida en los años ochenta y noventa, los más importantes fueron conocer a su esposa, Janet, en un taller de Robert E. Wood en 1984; haciendo su primer viaje de pintura a Grecia en 1992; y tener una experiencia religiosa durante ese primer viaje por el Mediterráneo. "Obviamente no puedo enseñarles a los estudiantes cómo encontrar un cónyuge, y no quiero imponerles mis creencias religiosas, pero puedo ayudarlos a comprender lo importante que es pintar algo que realmente les importa", dice Rogers. “He juzgado varias exposiciones de acuarelas, y veo muchas pinturas bien diseñadas y bien diseñadas que no ofrecen nada más. Los artistas no hablan a los espectadores desde sus corazones ".
Una de las formas en que Rogers recomienda realizar esa tarea importante es pasar tiempo pensando en un tema antes de pintarlo. "Mis mejores ideas permanecen en mi mente durante meses y años antes de pintarlas", explica. “Pero incluso cuando viajo y pinto, me tomo el tiempo para sentarme y pensar en la ubicación. Esos momentos dedicados a absorber una nueva ubicación mientras me siento en silencio tomando una taza de café y disfrutando de todas las vistas, sonidos y emociones asociadas con el lugar me ayudarán a responder a la experiencia total. Las pinturas resultan mucho mejores que si simplemente tomara una fotografía rápidamente y pasara al siguiente lugar ".
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| Plaka Steps
1995, acuarela, 28 x 40. |
Rogers también alienta a sus alumnos a pintar temas de importancia personal, incluso aquellos que puedan ser sensibles o personales. "Cuando doy clases en un taller, no hago proselitismo, pero le hago saber a la gente que la inspiración para mi trabajo proviene de mi fe en Dios", explica. “No pinto temas religiosos, per se, pero creo que 'Dios es luz'. ¡Pinto por la profunda influencia que Jesús ha pintado en mi corazón! Comparto esto con los estudiantes, no en un esfuerzo por convertirlos, sino para señalar la importancia de encontrar la propia voz de una manera que lleve su pasión al proceso creativo. Pintar se trata de comunicarse en el nivel más fundamental y personal ".
Parte del proceso de ofrecer esta comunicación es obtener el control sobre el proceso de pintura, y Rogers demuestra sus métodos de pintura tanto a grandes grupos de artistas como a los participantes en sus talleres. "Soy un pintor de estudio que trabaja principalmente a partir de fotografías digitales", explica, "pero desarrollo dibujos preliminares de una manera que va más allá del registro mecánico proporcionado por la cámara". Normalmente comienzo creando un dibujo de contorno de 18 "-x-24" de un sujeto en el que las áreas de sombras están bien desarrolladas. Por "contorno" me refiero a un dibujo hecho sin levantar el lápiz o la pluma del papel. Prefiero eso porque quiero que las líneas fluyan para que no sean contornos rígidos de las formas. Luego tomo una fotografía de diapositivas del dibujo y lo proyecto sobre la superficie del papel de acuarela”.
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| Reflexiones del Gran Canal
1998, acuarela, 28 x 40. |
A Rogers le gusta estar bien preparado antes de comenzar a pintar para que no se vea interrumpido durante el proceso. "Es importante que las pinturas fluyan juntas y se mezclen en el papel, y eso es difícil de lograr si tengo que parar para exprimir más pintura o ajustar el dibujo", explica. “Comienzo dibujando en una hoja de papel prensado en frío de 300 libras. Luego lo remojo y elimino suavemente el exceso de grafito con una esponja natural. Después de 10 o 12 minutos, lo grapo en una tabla, dejándolo secar para que el papel se "estire". Seco los bordes del papel cerca de las grapas con un secador de pelo para evitar que las grapas rasguen el papel.
"Debido a que trabajo con lavados transparentes de color, tengo que asegurarme de que las áreas de la pintura que se dejarán sin pintar estén limpias y blancas para que las formas realmente destaquen cuando la imagen esté terminada", explica Rogers. “Cuando ayudo a los estudiantes con este importante aspecto de la acuarela, generalmente les aconsejo que hagan un estudio de valor preparatorio para que sepan exactamente dónde estarán esas formas blancas. También sugiero que piensen en términos de tres valores fundamentales dentro de una pintura: oscuro, medio y claro, siendo el valor más claro el blanco del papel. A medida que adquieren más experiencia, pueden ir más allá de esa estructura simplificada y trabajar sin un estudio preparatorio.
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| Nuevo muelle de Smyrna
1991, acuarela, 21 x 29. |
"Cuando termino el trabajo preliminar y tengo todos mis materiales de pintura organizados, empiezo a pintar las formas más oscuras en la composición de valores", explica Rogers. “Estoy contradiciendo el consejo que muchos otros maestros dan a sus alumnos, pero en mi experiencia, acostarnos en las sombras primero les dará a los pintores la confianza de usar colores de valor medio más fuertes en lugar de pintar varias capas tentativas de pigmento.
"Debería agregar un par de palabras de precaución al pintar esos trazos iniciales de color oscuro", agrega Rogers rápidamente. “Con demasiada frecuencia, los acuarelistas cometen el error de suponer que los valores oscuros deben pintarse con una fuerte aplicación de pigmento, pero eso no siempre es cierto. Demasiada pintura o demasiadas capas de pigmento oscuro pueden hacer que los colores se vean lodosos y pastosos. El objetivo debe ser lograr la mayor transparencia en las sombras. Como con cualquier otro aspecto de la pintura, el problema es de valor relativo, no de intensidad de la aplicación de pintura. Además, los valores oscuros nunca deben pintarse habitualmente con la misma mezcla de colores oscuros, como sepia o azul ultramar. Los valores oscuros pueden hacer la transición entre rojo, azul y verde. En los pasajes oscuros confío en los pigmentos muy transparentes y más potentes, como el azul de Prusia, el alizarina permanente carmesí, el magenta permanente, la siena quemada, el azul ultramarino francés, el marrón más oscuro, la aureolina e incluso la siena cruda (nunca amarillo ocre). Nunca uso tintes verdes o negros para tubos.
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| Luz veneciana
2003, acuarela, 29 x 21. |
"Una vez que se establecen esas tinieblas, acumulo valor de la misma manera que lo haría un pintor al óleo: desde los valores medios hasta los aspectos más destacados", describe Rogers. “A lo largo de cada etapa de desarrollo de la composición, hago todo lo posible para mantener la pintura fluyendo para que los pigmentos estén integrados, no aislados, y haya una integración de colores cálidos y fríos. Ninguna forma es completamente fría o cálida en temperatura de color, y la pintura debe aplicarse de modo que haya sombras frías dentro de las áreas cálidas iluminadas por el sol y, por el contrario, colores cálidos dentro de las sombras frías ".
Al hablar sobre el mantenimiento de transiciones fluidas entre formas y colores, Rogers enfatiza que solo usa un pincel durante el proceso de pintura. “Por lo general, pinto una pintura completa con una Lengua de dragón de Joe número 18 barata o una brocha Escoda. Si dejara de usar ese pincel grande y bajara a uno más pequeño, los trazos posteriores de pintura probablemente se volverían más apretados y menos fluidos.
El pincel de Rogers no es la única herramienta importante en su proceso creativo. Es muy específico sobre el tipo de paleta que usa, la selección de colores de tubo y la ropa que usa mientras trabaja. "Utilizo todos los pigmentos de calidad artística de Winsor & Newton, excepto tres colores Holbein (magenta permanente, marrón más verde y verde cobalto) y azul de manganeso American Journey", revela el artista. “Dentro de las áreas de valor medio y claro, prefiero pigmentos granulantes como los colores tierra, cadmio, azul cerúleo y azul manganeso. Intento ser intuitivo en la selección exacta de pigmento para cada área de una pintura. Esa es una de las razones por las que siempre pongo los pigmentos en los mismos pozos de la paleta de pintura. Solo quiero alcanzar un color de la misma manera que presionaría una tecla en el teclado de mi computadora, con mi mente enfocada en la pintura, no en la paleta.
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| Reflexiones de la mañana: barcos de mercado
2006, acuarela, 28 x 40. Colección del artista. |
"Los estudiantes generalmente no tienen suficiente experiencia para elegir automáticamente el color correcto, por lo que les animo a que separen los pigmentos destinados a valores claros y medios de los que usarán en las sombras", continúa Rogers. “A diferencia de mi esposa, Janet, tiendo a usar más los colores opacos y granulantes en lugar de los colores sintéticos, como las quinacridonas y las ftalocianinas, especialmente en las áreas de luz y de valor medio de la pintura. Me resulta más fácil lograr ajustes sutiles en los valores con la paleta que he conocido, y puedo manipular las combinaciones de colores durante un período de tiempo más largo. Trato de aplicar el color perfecto en cada situación pero, en realidad, eso rara vez sucede, y tengo que hacer ajustes. Me siento más cómodo haciendo eso con mi selección estándar de colores de tubo y el mismo papel estirado. Por ejemplo, encuentro que los pigmentos granuladores son particularmente efectivos para capturar el sentido de la luz.
“Sostengo mi pequeña paleta ligera de Cheap Joe's en la mano de la misma manera que un pintor al óleo. Esto facilita mi enfoque de pintura directa. He agregado varias sartenes cerámicas que pertenecían a mi padre artista como suplementos de los 17 pozos profundos. Utilizo una paleta de metal plegable Holbein cuando pinto en el lugar, y ambas me ayudan a pintar de una manera más directa e inmediata. La paleta también mantiene la pintura húmeda durante un período prolongado de tiempo si exprimo mucha pintura fresca y la acaricio o revuelvo hasta que quede plana en los compartimentos. Los estudiantes a menudo cometen el error de colocar cantidades inadecuadas de pigmento, lo que dificulta obtener colores y valores fuertes.
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| Reflexiones de la mañana: Venecia
2004, acuarela, 40 x 28. Colección del artista. |
"Pinto con ropa vieja de color neutro", explica Rogers al discutir el aspecto más inesperado de su proceso de pintura. “Intenté disfrazarme cuando realizo demostraciones para grupos grandes, pero me volví tan tímido que no podía pintar bien. Lo más importante es crear la mejor pintura posible, incluso si eso significa parecer un vago. Me pongo un pañuelo cuando pinto, y si estoy pintando una pintura cálida, es un pañuelo rojo. Si mi pintura está destinada a ser genial, el pañuelo es azul. Eso no establece un aura especial que penetra mi psique, pero me recuerda mi objetivo.
"Siempre me paro cuando pinto, ya sea en el estudio o trabajando en el lugar", agrega Rogers. “Coloco el tablero en el que se une el papel en un ángulo poco profundo porque la pintura de acuarela necesita fluir con la fuerza de la gravedad. En casa pinto en una gran mesa de dibujo ubicada en mi estudio bien iluminado. Mi foto digital es visible en un monitor de computadora, y tengo algunas impresiones de 8 "-x-10" disponibles para mayor referencia. Cuando trabajo al aire libre, me paro en un caballete francés Jullian.
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| Paz de venecia
2004, acuarela, 40 x 28. |
