En la edición de invierno de 2006 de Workshop, John A. Parks abordó lo que posiblemente sea el tema más difícil: cómo organizar el color para pintar la naturaleza de la luz. Presentamos un extracto del artículo con el consejo de Park sobre los principios básicos detrás de pintar figuras en paisajes.
Parks redujo su consejo a 11 elementos para este artículo:
Considere la figura en su contexto. ¿Cómo se unen el paisaje y la figura? ¿Qué pueden decir el entorno y la figura el uno del otro? ¿Qué formas, colores, texturas o movimientos comparten?
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"Observe cómo los movimientos horizontales a través de la figura se reflejan en las horizontales en el paisaje detrás", dice Parks. "La figura y el paisaje parecen compartir los mismos ritmos y la misma vida".
Haz una composición que creas que resaltará los elementos que has elegido sacar de la escena. Considere cuidadosamente la escala de la figura contra el paisaje y el punto de vista. Use un boceto de lavado que pueda cambiar fácilmente para probar una variedad de ubicaciones y formaciones. No exagere el dibujo en esta etapa: manténgase en formas y masas simples.
Mezclar una paleta completa. No es necesario mezclar previamente la pintura para toda la pintura, pero es una buena idea crear muchas posibilidades con el color utilizando la paleta como lugar de exploración. Muchos pasajes de color son muy sutiles y es extremadamente difícil clavar el color la primera vez. Al crear una variedad de colores, es más probable que sea preciso. También es una buena idea practicar la mezcla en "carreras" o "pasos", moviendo el color y el tono de forma incremental para imitar su cambio en una forma o superficie.
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"Observe cómo los verdes en el paisaje son mucho más cálidos que las rayas verdes en el paraguas", dice Parks. "Esto crea una tensión interesante entre el paisaje natural y el objeto hecho por el hombre".
Cuando comience a pintar, considere las masas más grandes y los colores más saturados. Asegúrese de haber establecido al menos el rango para cada color bastante temprano en la pintura. Con esto quiero decir que has establecido, por ejemplo, dónde está el rojo más brillante o el azul más violeta. Esto facilita volver a los colores más sutiles.
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"Las sombras se logran aquí al aplicar capas de calentamiento y enfriamiento activos", señala Parks. "Observe cómo los reflejos se mantienen más fríos que las luces ligeramente más oscuras".
A medida que trabaje en la imagen, busque las alternancias de temperatura dentro de las áreas: el color tiende a cambiar de cálido a frío y viceversa cuando la luz atraviesa una forma o una superficie. Siguiendo esos cambios e incluso exagerándolos, es posible crear una poderosa impresión de luz.
No tengas miedo de trabajar mojado en mojado. No tenga miedo de mover cosas, de borrarlas, de simplificar, de traer elementos de otra parte del paisaje. No tengas miedo de avanzar incluso a riesgo de arruinar una parte de la pintura que te gusta. El aprendizaje va más rápido cuando empujas.
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"Esta pintura claramente ha pasado por muchos cambios y mucha pintura húmeda se encuentra en la superficie", dice Parks. “El estudiante tiene calor y se enfría en los lugares correctos de la figura y, aunque todos los valores aún no son correctos, existe una gran sensación de emoción proveniente de la lucha por ver y pintar. Todo está cambiando y la pintura transmite una enorme cantidad de vida ".
Cuando la paleta se ensucie, deténgase y vuelva a mezclar. No hay otra manera.
Mientras trabaja, mida continuamente colores similares entre sí. Por ejemplo, asegúrese de que el rojo más anaranjado en la pintura sea el rojo más anaranjado en el tema, y así sucesivamente. Si los colores se alinean en el mismo orden en la pintura que en el sujeto, creará luz.
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Con todo el panorama establecido, Parks alentó al estudiante a cambiar los rojos en los dos cobertizos en el fondo. "En este momento están leyendo demasiado rojo y saltando hacia adelante en la imagen", dice el instructor.
Ponga toda la pintura en funcionamiento tan rápido como pueda antes de siquiera considerar empantanarse en algún pasaje difícil. Las diferentes partes de la pintura "hablarán" entre sí; A menudo trabajan tan bien juntos que exigen menos trabajo de lo que piensas.
Mantenga la pincelada fresca. Trabaje de pie y sostenga el cepillo en la parte posterior. Esta es una de las formas más simples de hacer que las pinturas se vean y se sientan mejor, ¡y no requiere ningún talento adicional! Asegúrese de que el pincel esté bien cargado y que la pintura se desprenda del extremo con bastante facilidad. Si está trabajando duro para quitar la pintura del pincel (frotando el lienzo o luchando por quitar la pintura), entonces es hora de mezclar más pigmento y volver a cargarlo. Las pinturas se ven y se sienten mejor cuando son generosas con la pintura.
Nunca exprese molestia por el sol cambiante, el viento que brota y derriba su caballete, los insectos que aterrizan en su pintura, la falta de tiempo o cualquiera de las otras tribulaciones de la pintura al aire libre. Todos sirven para hacerte presente física y espiritualmente en la escena.
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