Al igual que cualquier artista anterior o posterior, John Singer Sargent aprendió las mejores lecciones de valor, luz y forma, y las utilizó a lo largo de su vida, lecciones claramente visibles en sus dibujos.
por Mark G. Mitchell
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| Niño durmiendo
1872-1873, grafito en tejido blanco roto papel, 1111/18 x 811/18. Colección El Metropolitano Museo de arte, Nueva York, Nueva York |
John Singer Sargent "podría hacer que las sábanas de la cama se sequen en una línea en una imagen convincente", alguien escribió una vez. Vivir con una de sus acuarelas era "vivir con la luz del sol capturada y retenida", dijo otro admirador. Cuando el famoso actor inglés del siglo XIX, Edwin Booth, se preparaba para que su retrato fuera pintado por él, sus amigos le aconsejaron lijar su alma primero, porque todo aparecería en un lienzo. Sargent es el pintor "ante quien todos los demás artistas caen en sus cuchillos de paleta en la desesperación", bromea el pintor contemporáneo Gregg Kreutz. Escribiendo para Linea, el diario de la Art Students League de Nueva York, en Manhattan, Kreutz trató de descubrir por qué. "¿Qué hace que las pinturas de Sargent sean tan vívidas, tan atractivas?", Preguntó en su reseña de una exposición de 1999 de las pinturas de Sargent en el Museo de Bellas Artes de Boston. “A finales del siglo XIX, los pintores consumados se desbordaban y representaban representaciones creíbles de temas de temática similar. Pero Sargent hace que la mayoría de ellos parezcan viejas noticias. ¿Cual es la diferencia? ¿Por qué deambulamos junto a estos otros artistas y nos detenemos frente a un Sargent? Obviamente su habilidad para dibujar es un factor. Aunque, según se dice, solo hizo un dibujo preliminar mínimo, su sentido del gesto, la proporción, la estructura interna y la dimensionalidad le dieron a su trabajo un sustento de un dibujo altamente realizado ".
Sargent era conocido por su magia con colores y un pincel. Pero dibujó como un loco. "Hizo todo tipo de dibujos, los hizo individualmente como obras de arte y como dibujos preparatorios para pinturas", dice Eric Denker, profesor titular de la Galería Nacional de Arte y curador de dibujos y grabados para la Galería de Arte Corcoran, ambos en Washington, DC. "Creo que, para él, dibujar era la base de todo".
"Claramente, él siempre estaba dibujando", dice Miriam Stewart, curadora asistente de dibujos en el Museo de Arte Fogg de la Universidad de Harvard, en Cambridge, Massachusetts. "El cuerpo de los dibujos y bocetos de Sargent en el transcurso de su vida muestra que fue un dibujante infatigable, constantemente dibujando y tomando notas donde quiera que fuera. Tenemos cuadernos de bocetos de su adolescencia que proporcionan la base de algunos de sus primeros entrenamientos "." Creo que dibujar era algo que le importaba mucho ", coincide Richard Ormond., El sobrino nieto de Sargent y una de las principales autoridades mundiales sobre el artista, autor de numerosos libros de arte y ex director del Museo Marítimo Nacional y del Observatorio Real, ambos en Greenwich, Inglaterra. (La abuela de Ormond era la hermana menor de Sargent, Violet, a quien Sargent pintó varias veces.)
Sargent comenzó a dibujar alrededor de los 4 años. No se detuvo hasta cerca de su muerte a los 69 años. Sus padres, originarios de Filadelfia, vivían como expatriados errantes en Europa. Sargent y sus hermanos crecieron casi como forajidos, huyendo de la cultura estadounidense. La familia vivía de las maletas, y los niños eran principalmente educados en casa, aprendiendo música, literatura e idiomas extranjeros. Trabajando junto a su madre, que era un acuarelista aficionado, Sargent se enseñó a sí mismo a dibujar y pintar lavados. Sus temas incluían miembros de la familia y amigos de la familia y escenas cotidianas de la vida europea a su alrededor: animales, molinos de viento, bosques alemanes y santuarios alpinos.
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| El jaleo
1882, aceite, 94¼ x 137. Colección Isabella Stewart Museo Gardner Bostón, Massachusetts. |
Copió obras de arte en museos. Tomó clases particulares de pintores profesionales en Roma y Florencia, donde por un breve tiempo también asistió a una escuela de arte con dificultades financieras. A los 17 años, Sargent decidió hacer del arte su carrera y, con la ayuda de su padre, se inscribió en un taller de París. Estos estudios de enseñanza eran un poco como las ligas agrícolas del establecimiento de bellas artes francés. Sargent asistió a una carrera dirigida por Carolus-Duran, un retratista exitoso y un maestro muy interesante. Carolus-Duran, cuyo verdadero nombre era Charles Auguste Émile Durand, enseñó un enfoque que se desvió de la tradición académica francesa. Hizo hincapié en la "visión directa" y la "pintura directa". Sus alumnos se basaron en la figura en vivo y los moldes de estatuas clásicas, al igual que los estudiantes de la institución oficial de formación de bellas artes de Francia, École des Beaux-Arts, en París. Pero estos ejercicios en el taller de Carolus-Duran fueron ocasiones para analizar los materiales de arte en lugar de practicar. Carolus-Duran les instó a inspirarse y pintar el tema libremente y libremente en el primer golpe, o "au premier coup". También enfatizó que la clave para pintar era ver correctamente los valores y las relaciones de valor, y que los artistas deberían encontrar formas de di más con menos. O, como dijo Carolus-Duran, "en el arte todo lo que es prescindible es dañino".
Sargent incorporaría estas medidas en su pintura y dibujo por el resto de su vida. Aún así, quería los rigores del entrenamiento formal. Pasó los exámenes de ingreso y fue el único de su taller ese año en ser admitido en la École des Beaux-Arts. Ormond cree que Sargent estaba ansioso por aprender cuando llegó a París. "Él tomó todo como un pato al agua", dice. “Creo que toda su personalidad experimentó un crecimiento increíble en este momento.
"Puso mucho esfuerzo en su dibujo, tal como lo puso en su pintura", continúa Ormond. “Hay un dibujo de la Venus de Milo que está muy trabajado. Ganó el tercer premio en la École por un dibujo muy formal de un trípode. Hay algunos estudios maravillosos de la vida que hizo en este momento que no son bien conocidos. No son los formales de la École, sino que tienen la informalidad del estudio de Carolus-Duran, con estos maravillosos efectos suaves y detalles de pies, manos y caras ".
En 1879, después de viajes al norte de África y España, Sargent hizo bocetos de bailarines y músicos españoles que darían como resultado una pintura de tour de force. "El Jaleo es un juego de relaciones ligeras", dice Ormond, "y con todo ese conjunto de dibujos españoles de finales de la década de 1870 y principios de la década de 1880 que hizo en preparación para ello, es casi como si hubiera inventado una nueva forma de gráfico.
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Madame X (Señora Pierre Gautreau) 1883-1884, grafito en tejido blanco roto papel, 911/16 x 133/16. Colección El Metropolitano Museo de arte, Nueva York, Nueva York |
"Estos no son dibujos de composición, sino dibujos detallados, estudios de cabezas y manos", continúa Ormond. “Hizo lo correcto aquí: posar a la gente en un gran estudio y dibujarlos. Realmente trabajó vigorosamente a través de sus ideas. Esto continuó durante 15 meses. Luego, cuando llegó el momento de pintar, simplemente lo hizo explotar. Lo resolvió, lo tenía todo en la cabeza. Debe haber pintado El Jaleo muy rápidamente. Cuando te acercas, ves que realmente es una especie de gran boceto con todos estos pequeños bocetos elaborados en él”.
Sargent hizo montones de bocetos para prepararse para su pintura más notoria, el retrato de siete pies de una joven belleza parisina, Madame Pierre Gautreau. Estaba buscando una pose que dijera lo menos posible sobre esta celebridad local descaradamente interesante, por lo que giró la cabeza en un perfil un poco altivo. Él la puso con un increíble vestido negro que obligó a un espectador a mirar su figura perfecta. Él le bajó la correa del hombro derecho. El público del salón se quedó sin aliento. Sargent luego cambiaría el nombre del trabajo de Madame X para proteger su privacidad, pero no ayudó; todos sabían quién era Madame Gautreau. Había terminado en la sociedad educada francesa y, al parecer, también Sargent. Nadie quería su retrato pintado por él.
Sargent se retiró a través del Canal de la Mancha para intentar resucitar su carrera, un gambito que funcionó. Comenzó lentamente, pintando a familiares y amigos que se reunieron a su alrededor en el sur de Inglaterra. Comenzó un gran lienzo de dos niñas, las hijas de su amigo ilustrador Frederick Barnard, encendiendo linternas japonesas en un jardín, en el crepúsculo. Dos meses después, la pintura Carnation, Lily, Lily, Rose (cuyo título fue tomado de una canción popular del día en que Sargent y sus amigos cantaron alrededor del piano) se emocionó en su exhibición en la Royal Academy, en Londres. La Tate Gallery, la galería nacional de arte británico, también en Londres, pronto compró la obra. Poco después, los clientes se alinearon a ambos lados del Atlántico para el trabajo del artista. Y no es de extrañar. Los retratos de Sargent eran audaces, vivos y lo suficientemente excéntricos como para hacer un comentario. Podrían hacer que sus súbditos de repente fueran famosos.
Es cierto que para la mayoría de sus retratos al óleo, Sargent hizo poco o ningún boceto preliminar en papel. "Si fuera un trabajo más complicado, como Madame X, haría muchos bocetos", dice el pintor de Texas Phillip Wade, que enseña la clase "Painting Like Sargent" en la escuela del Museo de Arte de Austin. “Pero para una simple, simplemente descubriría a dónde iría la cabeza y comenzaría. Gran parte del dibujo se trata de la colocación. Podía hacer eso sin pensar. Tener tanta confianza, tanta habilidad para dibujar, hace que sea más fácil pintar. Para él, dibujar con el pincel era una segunda naturaleza.”“Debes dibujar con el pincel tan fácilmente, casi inconscientemente, como dibujas con el lápiz”, dijo el mismo Sargent.
Después del cambio de siglo, Sargent pasó de sus retratos al óleo a dibujos al carbón -o, como los llamaba, “fotografías”, que pudo completar en una sola sesión de una a tres horas. Sintiéndose inquieto y cansado de sus cuidadores y de la responsabilidad que sentía hacia ellos, quería salir completamente del negocio de los retratos, pero la gente seguía preguntándolos.
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Gertrudis Kingston California. 1905 carbón vegetal, 24 x 18. Colección Colegio del Rey, Cambridge Inglaterra. |
"Su respuesta a la demanda fueron sus fotos de carbón, de las cuales hizo alrededor de 700 u 800 en unos 15 años", dice Ormond. “Se trataba de representar las cosas en valores, de luces y sombras. La cabeza emerge de la oscuridad, brillantemente capturada en la ronda "." Se las quitó en poco tiempo ", dice Jane Myers, la curadora de dibujos en el Museo Amon Carter, en Fort Worth, Texas. “Puedes ver que él no trabajó sobre ellos. Capturó la sensualidad y el espíritu de la persona y modeló la figura, los aspectos más destacados y los acentos muy rápidamente. Lo que te sorprende de estos bocetos de carbón es que, aunque Sargent los hacía con regularidad y podía hacerlos con los ojos vendados, todavía existe esta notable vitalidad. Estás seducido por su línea.
Entre 1890 y 1916, mientras Sargent trabajaba por las mañanas en comisiones de petróleo o carbón, pasaba la mayor parte del tiempo en un vasto proyecto nuevo que esperaba hacer su última declaración como artista: su ciclo de murales para el tercero. piso de la nueva Biblioteca Pública de Boston, diseñada por el destacado estudio de arquitectura Beaux-Arts McKim, Mead and White. Estaría muy lejos de los retratos exuberantes de Sargent de los ricos y famosos, sus representaciones de familiares y amigos descansando y durmiendo al aire libre, o sus acuarelas de Venecia como se ve desde el asiento de una góndola.
Sargent había elegido un tema y un título para este proyecto: El triunfo de la religión. Quería mostrar la evolución del pensamiento espiritual de la antigua adoración de la deidad pagana a través del judaísmo y el cristianismo del mundo occidental moderno. Lunettes y paneles murales contenían temas como Dioses paganos, Israelitas oprimidos, Israel y La ley, Era mesiánica, Cielo, Infierno, Sinagoga, Iglesia y Misterios del rosario. Sus representaciones, más educativas que devocionales, tomarían prestado de prácticamente todas las tradiciones artísticas que Sargent pudiera pensar. El artista se aventuró a Europa, África del Norte, Turquía y Medio Oriente para reunir sus ideas visuales. Dibujó esculturas medievales en catedrales francesas y árabes beduinos en sus campamentos humeantes en el desierto. Copió artefactos persas e ídolos sumerios. Absorbió el arte griego, egipcio, bizantino y cristiano primitivo.
De vuelta a casa en su estudio de Londres, construyó un modelo a escala 1/3 del salón abovedado de la Biblioteca Pública de Boston. Sargent luego dibujó cientos de dibujos de modelos desnudos (en su mayoría hombres) en todas las poses diferentes que pensó que podría usar en su épica mural. Estos son algunos de los dibujos más famosos del artista. "En estos dibujos de figuras, dibujó con carbón y luego borró los reflejos", dice Stewart. "Son simplemente brillantes".
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| Helen Sears
1912, carbón vegetal, 23¾ x 17½. Privado colección. |
Descrito de diversas maneras como "Capilla Sixtina de Estados Unidos" y "un espectáculo extraño", el trabajo de amor de 30 años de Sargent se completó durante una época en que los mundos que Sargent sabía a ambos lados del Atlántico estaban cambiando en medio de la guerra. Hoy, The Triumph of Religion evoca la sensación de una película muda exagerada. "El final pagano del pasillo es muy divertido de ver con sus figuras espeluznantes", dice Stewart. “Es casi un burlesco.
"Tenemos uno de los cuadernos de bocetos para los murales", agrega. “Hay escenas con escalas en el Juicio Final presentadas en diferentes arreglos, con lunetas superpuestas. En estos bocetos realmente apresurados, Sargent está tratando de descubrir la composición. Hay muchos estudios de garabatos, no dibujos superfinados, pero está siguiendo todos los pasos. Hay estudios de cortinas, donde puedes ver a Sargent investigando las cortinas con más detalle”. En otros bocetos, Sargent transcribió elementos de decoración / ornamentación, arquitectura y vestuario que seleccionó de sus viajes a bibliotecas y museos. Con el ojo de un ornitólogo, dibujó alas de faisán para ayudarlo a dibujar alas de ángeles y serafines.
"En años posteriores, los murales fueron ridiculizados como un callejón sin salida en su carrera", dice Ormond. “Pero cuanto más los miras, más creativos y extraordinarios parecen ser: Miguel Ángel a través de King Kong. Hizo cientos y cientos de dibujos para ellos. En cierto modo, con estos volvió a aprender la disciplina académica de su juventud.
"Tenía que tener en cuenta una gran cantidad de cosas en general: la iconografía, cómo iba a funcionar a lo largo y a lo ancho, así como también cómo funcionarían todos los paneles individuales", continúa Ormond. “Nunca me he encontrado con dibujos animados a gran escala, pero hizo bocetos y óleos bastante elaborados para las composiciones, y por supuesto, todos estos fueron extraídos de la vida. Los murales tradicionales de Beaux-Arts eran "la cosa" a fines del siglo XIX: no iba a perder el tiempo con el proceso. Él bosquejó todo primero. Para un gran esquema como ese, si estás completamente arraigado en la tradición, sabes que eso es lo que tienes que hacer. Se trata de piezas muy diseñadas y muy trabajadas con figuras alegóricas. Estaba siendo muy disciplinado y práctico, y su dibujo es muy logrado al servicio de su tema ".
Desde su infancia, Sargent se había sumergido en las tradiciones clásica, renacentista, manierista y barroca. Había copiado las obras de Andrea del Sarto, Bernini, Cellini, Donatello, Frans Hals, Jean-François Millet, Tintorreto, Tiziano, Velázquez y artistas modernos como Degas. Ahora traía todo lo que tenía que ver con estos murales: su taller y su formación en École, su experiencia ayudando a Carolus-Duran a pintar y decorar un techo, sus décadas de estudios y sus viajes de dibujo.
"Y entonces tenemos a los monstruos del infierno engullendo a la gente", dice Ormond. “Pero no solo está haciendo a Miguel Ángel. El triunfo de la religión ha estampado a Sargent por todas partes. Cuando entra en modo mural, no creo que confundas su trabajo con el de nadie más. Está absorbiendo todas estas cosas y regurgitándolas en su propio estilo, su propio idioma, y dándole su propia inflexión visual.
En junio de 1918, el Comité Británico de Memorial de Guerra encargó a Sargent que pintara un gran lienzo con el tema de las tropas británicas y estadounidenses que se unen. El artista se puso un uniforme de estilo propio que lo hacía verse, dijo alguien, como "un marinero que salió mal" y cruzó el canal. Pasó tres meses dibujando tropas, trincheras, vehículos y caballos en el frente francés. Hacia el final de su estadía, observó una multitud de unos 100 hombres reunidos alrededor de algunas carpas del hospital, víctimas de un ataque de gas mostaza. Sargent hizo bocetos. Al año siguiente presentó su monumental Gassed (20 'por casi 8') al comité conmemorativo.
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| Gaseado
1919, petróleo, 91 x 240½. Colección Guerra imperial Museo, Londres, Inglaterra. |
Gassed fue proclamado el cuadro de la Academia Real del año en 1919 y sigue siendo una de las pinturas inolvidables de esa o cualquier guerra. "Gassed se inspiró en lo que Sargent había visto, pero fue una 'producción de estudio', donde posó las figuras en casa", dice Ormond. “Probablemente eran modelos profesionales disfrazados. Hizo muchos estudios. Creo que es una imagen extraordinaria. Es un friso, congelado y estático, casi como si fuera la misma figura, moviéndose a través del mural, como esas fotos capturadas por Muybridge de un hombre caminando. Nunca cayó por debajo de ciertos estándares. Tenía un dominio excelente de su oficio, un control fantástico, y parte de su comando era que su habilidad para el dibujo estaba a la par con su habilidad pictórica ".
