Este pintor veterano transmite un poderoso significado en sus bodegones al cambiar continuamente los fondos y la configuración en la que aparecen.
por John A. Parks
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| Icono
1994, aceite, 18 x 12. Todas las ilustraciones de este artículo colección privada a menos que indicado de otra manera. |
James Tormey pinta bodegones con una claridad meticulosa y casi feroz. Su tema es completamente tradicional: las frutas, verduras o huevos aparecen en cuencos o en superficies iluminadas por una potente luz direccional. El fuerte contraste y los cambios tonales cuidadosamente modulados permiten que las formas se impongan de manera casi teatral, haciendo que los objetos parezcan espectacularmente reales. Sin embargo, en lugar de simplemente representar a sus sujetos por placer, Tormey construye un significado más fuerte y más preciso en su trabajo al explorar cómo los fondos y la configuración de sus bodegones pueden transmitir ideas particulares. En su trabajo reciente, por ejemplo, pintó una serie de imágenes en las que la fruta, un tema tradicional de naturaleza muerta, se coloca en marcos o marcos arquitectónicos que generalmente asociamos con imágenes religiosas. En Icon, por ejemplo, el artista pintó un repollo rojo y lo colocó dentro de un marco de estilo renacentista que construyó y decoró él mismo. En lugar de ser presentados con un santo o una Madonna dentro de ese contexto, se nos da un vegetal completamente realizado, pero bastante ordinario.
"Creo que la única forma en que podemos llegar a un acuerdo con el mundo es si lo vemos como realmente es", dice Tormey. "Lo que estoy haciendo con estas pinturas es decir 'Esto es lo que es real, esto es lo que deberíamos buscar valores'". Tormey cree que los artistas deben asumir la responsabilidad del significado que conllevan sus obras. "Hay ideas definidas detrás de mis pinturas", dice el artista. “Hay una manera de mirar el mundo que intento comunicar. El arte consiste en tomar los valores del artista, expresarlos a través de un medio y hacerlos concretos”.
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| Huevo de galileo
1986, petróleo, 46 x 34. |
La estrategia de transportar la naturaleza muerta a lugares poco probables ha sido la preocupación de Tormey durante muchos años. Recientemente completó una serie de obras en las que pintó un grupo de accesorios de naturaleza muerta, en su mayoría manzanas, alrededor de las diversas piezas arquitectónicas en la Fuente Bethesda, en el Parque Central de la ciudad de Nueva York. Con su fantástica decoración románica, estos fondos tienen una sensación de otro mundo y ligeramente espiritual. La introducción de bodegones diminutos agrega una nota casi humorística y socava las pesadas pretensiones de la arquitectura con una insistencia en la simplicidad. La naturaleza, parece decir el artista, puede coexistir maravillosamente con los productos de la imaginación humana.
En otro grupo de pinturas, el artista utilizó una idea aún más simple para transmitir el significado: colocó la fruta en cuencos decorativos semitranslúcidos cuyo cristal distorsionó las formas para que parecieran diáfanas y desunidas. Sin embargo, al extenderse fuera de los tazones hacia la luz clara, la fruta de repente se vuelve real y muy sólida. "Me gusta mucho la idea de que lo intangible se manifieste", dice el artista. "Es casi como si estas pinturas fueran un paradigma de cómo se desarrollan todas las pinturas: comienzan con la falta de forma, que luego se cristaliza en una idea, y luego la idea surge en el lienzo".
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| Empresa mixta
2000, petróleo, 34 x 38. |
Tormey está profundamente preocupado por el proceso creativo. “Estoy fascinado por cómo puedo tener una idea sobre una pintura que parece venir de la nada, hacer la pieza, hacer que un espectador disfrute de esa cosa e incluso quiera comprarla, y luego que el comprador se la quite. Y si esa pintura se convierte en un objeto de meditación y tranquilidad en el hogar de una persona, es algo particularmente maravilloso ".
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La técnica de pintura de Tormey implica un gran cuidado desde el principio. Trabaja en su departamento en el Upper West Side de Manhattan en un espacio meticulosamente limpio equipado con un caballete muy sólido y una gran paleta de vidrio en una mesa de pintura. Como referencia, utiliza fotografías que ha tomado de configuraciones de naturaleza muerta junto con imágenes de entornos arquitectónicos u otros que ha recopilado a lo largo de los años. "Comienzo con un cuidadoso dibujo de grafito en el lienzo", explica. En estos días usa pato de algodón ligero, aunque gran parte de su trabajo anterior se realizó en superficies más lisas. Una vez que se establece la línea de grafito, el artista hace una versión monocromática delgada de la imagen con un verde opaco. "No agrego nada a la pintura que no sea trementina", explica. “No uso aceite ni medios de glaseado porque no me gusta el brillo. La trementina opaca la pintura, lo que se adapta a lo que estoy haciendo”. Una vez que la capa verde se ha secado, el artista aplica una segunda capa delgada en un marrón cálido usando siena quemada o ámbar quemado. "En todas estas etapas estoy trabajando de oscuro a claro", dice, "para que siempre obtenga una imagen tridimensional renderizada". Tormey trabaja en dos o tres pinturas a la vez para permitir un secado suficiente tiempo entre capas "También me gusta la forma en que una pintura parece hablar con otra", dice. "Es un proceso más rico". Una vez que comienza a trabajar a todo color en la imagen, continúa lentamente, aplicando muchas capas delgadas y logrando gradualmente cambios sutiles de tono y color hasta que sus formas estallan con vida tridimensional. "Trabajo con un pincel muy seco", explica el artista. Muchas de las pinturas de Tormey contienen fondos oscuros, algunos de los cuales son completamente negros, algo que puede presentar sus propios problemas técnicos. "No quiero que esos antecedentes se sientan presentes", dice. "Quiero que simplemente se retiren".
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| En la base de la pirámide
1986, aceite, 40 x 32. |
En general, Tormey trabaja con cepillos sintéticos suaves en varias formas y tamaños. Para mezclar, utiliza cepillos sintéticos de abanico, así como una serie de rondas grandes y suaves. Debido a que no quiere ningún brillo en su trabajo, no usa barniz. "Incluso los barnices mate son un problema", dice el artista, "porque contienen cera. A veces, después de un año o dos, obtendrán una 'floración'. Sin embargo, es bastante fácil deshacerse de él, solo tiene que volver a pintar el barniz. Pero prefiero no hacerlo. De vez en cuando usaré un barniz de retoque ligero mientras trabajo para sacar algo a la luz”.
No es sorprendente que el trabajo de Tormey, con sus fuertes contrastes y transiciones tonales suaves, esté fuertemente influenciado por la fotografía. Tormey trabajó como fotógrafo durante algunos años, y cuando comenzó a hacer bodegones a menudo los fotografiaba contra fondos negros. Fue durante esos años que descubrió tanto la tradición de la naturaleza muerta española como pintores como Juan Sánchez Cotán (ca. 1560-1627), que también disfrutó del drama de los fondos negros junto con curiosos arreglos de naturaleza muerta. "Fue como descubrir que tenía un hermano que nunca conocí", recuerda. Tormey también es fanático de los pintores italianos Carlo Crivelli (ca. 1430–1495) y Vittore Carpaccio (ca. 1450–1525), cuyas pinturas, con detalles inusuales e imaginativos, tienen una apariencia sorprendentemente moderna.
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| Tazón Azul Con Peras
1997, petróleo, 36 x 36. |
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| La vista más allá
1982, aceite, 32 x 34. |
Hablando del insistente realismo de su propio trabajo, Tormey nuevamente lo relaciona con su filosofía personal. “Creo que lo que dicen mis objetos es 'No te metas conmigo, tómame en serio'. Estos objetos son realidad, y son todo lo que tenemos ".
