Este artista de California persigue un enfoque agresivo de no tomar prisioneros para pintar al aire libre.
por John A. Parks
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| Dos rosas
2006, aceite, 12 x 9. Cortesía de Red Piano Art Gallery, Hilton Head Island, Carolina del Sur. |
Ken Auster usa mucha pintura gruesa y la pone rápidamente, creando capas jugosas con un toque hábil para lograr ilusiones poderosas y superficies ricas. Su trabajo reciente cubre una gran variedad de temas, incluidos paisajes urbanos, interiores de restaurantes, escenas de playa, paisajes y bodegones. "Si se mueve, lo pinto", bromea el artista. “Me gusta decir que tengo poco tiempo de atención. En el momento en que empiezo a sentir que estoy perdiendo interés, busco algo más para pintar”. Si no está pintando afuera, Auster busca su tema en una de las bolsas de basura de plástico llenas de diapositivas que se encuentran alrededor de su estudio. "Nunca hago una pintura de un lugar que no he visitado realmente", dice. "Por lo general, si salgo y pinto una escena, también tomaré fotos y haré algunos bocetos adicionales para tener más temas para trabajar desde el estudio". Auster nunca desarrolla una pintura más grande estrictamente a partir de un boceto. "Creo que pierdes el borde de la espontaneidad cuando haces eso", dice. “Pierdes esa sensación de aventura y búsqueda que obtienes cuando te enfrentas a una escena por primera vez”. Tener sus diapositivas almacenadas de una manera completamente desorganizada significa que el artista nunca sabe qué imágenes se le ocurrirán cuando se sumerja en su colección: algo que él siente se suma a la emoción general de su día. Y la emoción es de lo que se alimenta este artista. En las pinturas mismas, la alegría pura del descubrimiento y la respuesta inmediata se celebra una y otra vez en pinceladas brillantes que sugieren que disfruta de la toma de riesgos. Los colores se arrastran unos sobre otros, y las formas se tiran y empujan para que la imagen parezca emerger de una tempestad explosiva de cepillado. La pintura, al parecer, es una segunda naturaleza para Auster. Así que es una sorpresa descubrir cuánto tiempo le llevó tomar el arte.
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"Cuando salí de la escuela de arte a fines de la década de 1960, me involucré en la serigrafía", dice el artista. "En aquellos días, nadie había hecho mucho con las camisetas serigrafiadas, y comencé a hacerlas para la gente del surf". Auster era, y sigue siendo, un surfista californiano comprometido. Su negocio de serigrafía creció rápidamente, y pronto estaba diseñando camisetas e imágenes para las principales compañías de tablas de surf, resorts de surf y otras empresas relacionadas con el surf.
A pesar de que el negocio era muy comercial, Auster cree que la experiencia le enseñó mucho sobre arte. "En los primeros años", dice, "no se podía hacer mucho con una serigrafía en una camiseta; se limitaría a uno o dos colores. Así que el desafío era hacer que hicieran lo máximo posible”. El artista descubrió cómo manipular las superposiciones de color para enriquecer las imágenes. También comenzó a introducir áreas moduladas al mezclar el color con una escobilla de goma para que se produjera un cambio de color en un área determinada cuando se imprimió. "Hice algunos negocios en Japón", dice, "y me interesó la forma en que la impresión en madera japonesa usaba el color limitado para lograr tanto en el camino de la ilusión".
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| Puentearlo
2006, petróleo, 40 x 40. Colección del artista. |
Eventualmente, Auster comenzó a hacer impresiones artísticas de una naturaleza más compleja, aún enfocándose en navegar imágenes. "La pantalla de seda es muy limitante en cierto modo", dice el artista, "y descubrí que viviría en esos momentos en que sucedió algo un poco inusual, cuando el registro fue un poco diferente, y algún pequeño accidente agregaría algo a la impresión. Insatisfecho con la técnica exigente de la serigrafía, el artista comenzó a hacer collages. "Simplemente aplicaba serigrafía a las áreas de color, colocando el color en capas de todo tipo de formas extrañas, y luego rasgaba el papel". Trabajando con bordes rasgados y color que se graduó de varias maneras, Auster comenzó a construir collages paisajes "No podía creer lo fuerte que podía ser una imagen de esa manera", dice el artista. “Realmente me enseñó a pensar en construir una imagen al agrupar formas y relacionar valores en lugar de preocuparme por la línea y el contorno. Tuve que hacer ajustes simplemente moviendo formas y construyéndolas juntas. En retrospectiva, fue un gran entrenamiento para pintar, solo en el momento en que no lo sabía”.
Cuatro o cinco años después de que comenzó a trabajar en el collage, Auster comenzó a pintar. "Siempre había incursionado un poco en la pintura, y un día salí a pintar paisajes con un grupo de amigos", recuerda. “Todos parecían estar pasando un momento difícil, pero descubrí que las cosas iban muy bien. Me pareció simple. Me puse el color y lo moví como lo hice con el collage. Como solo teníamos un par de horas, no podía meterme demasiado con eso. Todos quedaron impresionados con lo que hice, y cuando llegué a casa y lo miré, estaba emocionado. Supongo que se podría decir que el azar favorece la mente preparada.
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| Merrie Old Souls
2006, petróleo, 36 x 48. Cortesía de Thomas Reynolds Gallery, San Francisco, California. |
El artista nunca ha mirado hacia atrás. Pronto comenzó a ganar concursos y rápidamente se aseguró la representación de la galería, vendiendo varios espectáculos. Hoy opera su propia galería y también dirige talleres de pintura al aire libre varias veces al año, al que asisten personas de todo el mundo. Auster, un hablador enérgico, claramente disfruta esta parte de su vida.
Auster también cree que el movimiento plein air ha sido muy saludable para los artistas de diferentes maneras. "Se le ha dado un ambiente social a muchos artistas", dice. “Es algo que los pintores pueden disfrutar juntos, como grupo. Y ha traído muchos más coleccionistas. La gente lo entiende de inmediato: entienden lo que estás haciendo y pueden involucrarse en mirar las imágenes de una manera muy directa”.
Ya sea que esté trabajando al aire libre o en el estudio, Auster utiliza una técnica que se mantiene más o menos igual. "En el estudio, uso pintura de frascos de cuarto de galón y frascos de galones para el blanco", dice. "Cuando estoy en el campo, solo uso los tubos grandes". El artista prefiere una marca de pintura llamada Classic Art Oils, que fabrica una pequeña empresa en el área de San Francisco. Auster no utiliza una pintura de base, sino que simplemente comienza a trabajar con un "pincel grande y enojado". Su lienzo es pato de algodón, imprimado con yeso acrílico, sobre el cual pinta una capa de pintura de látex para exteriores. "Hace que la superficie sea menos absorbente", dice, "por lo que la pintura simplemente se asienta en la parte superior y se ve deliciosa".
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| Shake It Up Baby
2001, petróleo, 11 x 14. Cortesía de Howard Galería Mandville, Kirkland, Washington. |
A medida que avanza con una pintura, Auster es muy consciente de buscar un diseño abstracto claro en su tema, y es esto lo que pinta primero. "Les digo a mis alumnos que debajo de cada gran pintura hay una gran pintura abstracta", dice. "Estoy buscando una estructura audaz y clara". Generalmente, el artista tendrá todo el lienzo cubierto en media hora. "La pintura es bastante gruesa incluso en esta etapa", dice, "aunque tiendo a mantener las sombras un poco más delgadas que las luces". Auster comenzará a trabajar nuevamente sobre la imagen, arrastrando y empujando la pintura hacia adentro. capas gruesas y húmedas. "Nunca agrego nada a la pintura", dice. "A veces mezclo colores con una espátula, pero a menudo sumerjo mis pinceles directamente en los frascos y simplemente los mezclo en el lienzo". Mantener la pintura a medida que sale del tubo o frasco en lugar de agregar un medio significa que el artista siempre sabe con qué consistencia está tratando: saber que encuentra ayuda a su enfoque muy físico. "Es importante mantener baja la cantidad de variables", dice el artista, "para que pueda concentrarse en las cosas importantes". Si conozco mi pintura y mis pinceles, entonces solo tengo que preocuparme por mí ".
Auster seguirá construyendo la pintura mojado en mojado hasta que la imagen esté terminada, a menudo participando en manipulaciones espectaculares. "Una pintura se hace cuando hace lo que yo quería que hiciera", dice. El artista admite que está muy interesado en cómo las pinturas pueden parecer simples trazos de pintura a una distancia y luego adquieren poderosas propiedades ilusorias desde un poco más lejos. "Me encanta ese intercambio entre pintura e imagen", dice. En cuanto a la práctica de estudio, Auster admite que no es mucho para la organización o la limpieza. "La limpieza simplemente no está en mi vocabulario", dice. “Nunca lavo mis pinceles, solo hago que se sienten durante la noche en un tazón de trementina y luego empiezo con ellos al día siguiente. Mi estudio está cubierto de pintura”. El artista utiliza hojas de papel encerado para las paletas, simplemente las descarta una vez que están inundadas con demasiada pintura y comienza de nuevo. "Algunos artistas le dirán que debe cuidar todo y ser organizado, etc.", dice. "¿Pero yo? Quito la tapa de un tubo de pintura y me olvido de eso, ya está perdido ".
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| California Dreamin '
2006, petróleo, 76 x 56. Colección del artista. |
Auster cree que sus años como artista de serigrafía ayudaron a su sentido del diseño y su comprensión del color, pero cree que la pintura es un "baile entre la pasión y el intelecto". Ambas cualidades deben entrar en juego para hacer una pintura tener éxito. Esta idea se puede ver en el trabajo en Cat's Paws, una escena callejera en la que una enorme sombra divide el lienzo en diagonal, y está sostenida a ambos lados por edificios iluminados. La poderosa perspectiva conduce a una vista sobre el puerto bañado por la suave luz del sol. Contra todo este orden intelectual, el pincel funciona como una fuerza emocionante y desafiante que conjura los paneles metálicos de los vehículos y el asfalto pesado de la carretera fuera de la materia misma de la pintura. Se agrega un toque más poético con las brillantes luces de freno rojas de los autos que retroceden, vistos en la lona en gruesas cuñas de pintura. Una vez más, en California Dreamin ', el artista construye un diseño muy intelectual en el que una sombra enorme ocupa el frente de la escena mientras una línea de edificios retrocede en una luz suave hacia una visión de las vigas del puente Golden Gate. Aquí el artista juega con la escala del pequeño tranvía que atraviesa la caverna de los edificios. Nuevamente, la arquitectura de la pintura está impregnada de una energía dinámica a medida que el pincel bate y arrastra mágicamente la pintura hasta que adquiere una variedad de ilusiones. El destello de las vías del tranvía, los grises gruesos del asfalto, el ladrillo desgastado de los edificios y los velos llenos de humedad del puerto cobran vida gracias a la acción del pincel y la enérgica manipulación de la pintura por parte del artista.
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| Creo que tu cera se está derritiendo
2006, aceite, 7 x 12. Colección del artista. |
Auster elige su tema basado completamente en si presenta o no una picazón que necesita ser rascada. "Generalmente me gustan las escenas con figuras", dice. “Me atrae el drama humano en un paisaje o en un interior”. Auster cree que muchos artistas comienzan pintando temas bonitos o agradables. "Las pinturas son mucho más interesantes cuando tienen un tema feo que está bellamente pintado", dice. "A veces, conduciendo por una ciudad, me encanta parar en un semáforo en rojo y tomar una fotografía de una escena que nadie pensaría que podría merecer una pintura". No es sorprendente que Auster sea un gran admirador de la Escuela Ashcan, de pintores como como John Sloane y George Bellows, quienes pintaron imágenes vívidas y pictóricas del meollo de la vida de la ciudad. Entre sus otras influencias, Auster nombra al veterano pintor de California Dan McCaw, a quien también le gusta manipular superficies deliciosas en ilusiones deslumbrantes.
En cuanto al futuro, Auster dice que va a pintar mucho más grande. "Más grande es realmente mejor", se ríe. "Una pintura más grande tiene mucha más autoridad y recibe mucha más atención". También presenta más desafíos. "Creo que casi cualquier cosa puede funcionar pequeño", dice. “Cuando llegas a un tamaño mediano, tienes que usar un poco más de intelecto. Pero cuando te vuelves grande, realmente tienes que pensarlo”. Cuando se levantó por primera vez a siete u ocho pies, Auster se sorprendió al descubrir cuánto ejercicio hacía para caminar de un lado a otro para tener una buena idea de la pintura. "No es tan malo ahora", dice. "Estoy empezando a descubrir cómo se ve la pintura a 15 pies de distancia, incluso cuando todavía estoy cerca". Una de las ventajas de las pinturas grandes, siente, es que no se venden tan rápido. "Están colgando en la galería por más tiempo", dice, "para que más gente tenga tiempo de verlos. Y creo que eso es genial ".
