Una exposición actual en Stockton, California, muestra cómo los miembros de los Pintores de Plein-Air of America (PAPA) interpretan sus estudios in situ para hacer pinturas de estudio más grandes. Le pedimos a ocho de los pintores expositores que compartieran sus enfoques con los lectores de artistas estadounidenses. Esto es lo que tenían que decir.
por Bob Bahr
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| Estudio para el glaciar Dome de Canadá
por Linda Tippetts, 2006, aceite, 12 x 16. Todas las ilustraciones de este artículo colección del artista a menos que indicado de otra manera. |
Glaciar Domo de Canadá
por Linda Tippetts, 2006, aceite, 18 x 24. |
Linda Tippetts
La artista de Montana, Linda Tippetts, pintó la versión de estudio de esta composición poco después de que ella hizo el estudio. "Es diferente para cada individuo pero, para mí, si he perdido la emoción y la pasión que tenía cuando elegí esa escena en el lugar y no puedo recuperarla, simplemente no haré la pieza de estudio", dice el artista.. "Tiene que ser bastante inmediato; tengo que mantener esa continuidad yendo del campo al estudio, sin romper mi enfoque en el medio".
Aunque confiesa que prefiere ligeramente sus estudios, Tippetts dice que está motivada para hacer versiones de estudio de escenas al aire libre por varias razones, incluido el hecho de que ocasionalmente se queda sin luz del día mientras pinta al aire libre, y una versión de estudio le permite incorporar más detalles. También puede alterar el diseño, como lo hizo la artista cuando amplió y cambió la forma del glaciar en la versión de estudio. Tippetts también cambió visiblemente la luz en la pintura del estudio: la composición y el diseño la intrigaron mientras pintaba en el lugar, pero descubrió que la luz era mejor al día siguiente. Filmó la escena con una videocámara (siente que el video captura mejor los efectos de luz) y usó las imágenes junto con el estudio para crear su pieza de estudio más grande. Ella trabaja en lienzo en el campo y lino estirado en el estudio. Ella usa la misma paleta completa para ambas tareas.
Tippetts pintó las Montañas Rocosas canadienses en parte porque ama mucho a las Montañas Rocosas americanas. "Como vivo cerca de las Montañas Rocosas en Montana, quería explorar las Montañas Rocosas canadienses para descubrir su personalidad", dice ella. “Nací y crecí en las montañas, y son muy queridos por mí. Pero si miras la misma escena demasiado tiempo, no ves una nueva vista. Ver las Montañas Rocosas canadienses me dio una nueva perspectiva de la cadena Rocky Mountain”.
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| Estudiar para la costa Pacifica
por Joseph Mendez, 2007, aceite, 12 x 16. |
Costa Pacifica
por Joseph Mendez, 2007, aceite, 20 x 24. |
Joseph Mendez
Joseph Mendez usa fotos de referencia para ayudarlo a obtener ciertos detalles de sus pinturas de estudio, pero, en general, las considera "una gran mentira" y busca notas de color en su estudio. "Las fotos no te darán colores precisos", dice. "La fotografía está fría". Al igual que Tippetts, Méndez siente que es importante pintar la versión de estudio tan pronto como sea posible después de completar el estudio, mientras aún recuerda vívidamente la experiencia. "Lo hago en un par de días", dice. "Tengo que hacer eso, de lo contrario la imagen desaparece".
Méndez pinta sobre lienzo o Masonite en el sitio y lienzo estirado o lienzo en el estudio, usando la misma paleta limitada para ambos. Sobre todo, busca capturar la sensación del lugar. "No me importa si hago una roca más grande o más pequeña, haré lo que quiera", dice. "Pero la sensación del lugar es muy importante para mí, la sensación de ese día en particular". La composición probablemente cambiará de la versión de estudio a la de estudio, y Méndez espera eso. "La diferencia de tamaño entre el estudio y la pintura del estudio me obliga a tener una composición diferente", señala.
El artista de California también emplea un paso inusual para ayudar a enfatizar la experiencia en lugar de los objetos específicos vistos: trabaja en la pintura del estudio al revés. "De esa manera, no usaré mi cerebro y pensaré en qué es la escena, me impide pensar y justificar las cosas", dice Méndez. "Simplemente pinto los colores que veo y recuerdo".
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| San Gimignano
por John Budicin, 2007, aceite, 7 x 10. |
La vista
por John Budicin, 2007, petróleo, 28 x 40. |
John Budicin
Cuando se le preguntó cuál es el aspecto más difícil de pintar una versión de estudio de un boceto en el sitio, John Budicin está de acuerdo con varios artistas de plein air: "Tratar de mantener la frescura que había allí, es el mayor desafío", admite. Este artista de California y actual presidente de PAPA no necesariamente aborda el problema al tratar de pintar la versión de estudio tan pronto como sea posible después de que el estudio se complete en el sitio. "Para mí, significa trabajar en la versión de estudio un poco a la vez para no trabajar demasiado en un área determinada", explica. “Simplemente me iré o trabajaré en un marco, disfruto hacer el mío y aplicar el pan de oro, y luego, después de aclarar mi mente, vuelvo a la pintura.
"Si ve un área que no funciona, es una señal de advertencia", ofrece Budicin. "Si ve un árbol que no encaja bien, aunque lo haya pintado varias veces, ha perdido su frescura". También advierte que la pintura más grande debe tener vida propia. "Nunca puedes duplicar lo que tienes en el pequeño", dice Budicin. “El estudio tiene un idioma y la pieza más grande tiene que hablar por sí misma. Solo estoy pintando en el momento en que estoy haciendo el estudio ".
| Lea más sobre las experiencias de plein air de Budicin en "On Location in Malibu: Paintings by CAC Members". |
La parte de la Toscana que Budicin representa en este par de pinturas es una de sus áreas favoritas para visitar. El mayor cambio que hizo del estudio a la versión de estudio fue en el tratamiento de los antecedentes. "Agregué más detalles y lo hice retroceder más", dice el artista. "Le di más interés y lo diseñé para que atraiga la atención del espectador alrededor de la pintura; estaba tratando de obtener un patrón más circular para mantener la vista en la pintura".
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Brian Stewart
El pintor de Minnesota, Brian Stewart, diseña su uso de los estudios después de maestros del pasado como los pintores de la Escuela del Río Hudson, que trabajaron en varios estudios para producir trabajos de estudio más grandes. "La parte difícil es integrarlo todo y hacer que parezca creíble", dice. “Tener la misma sensación, fuente de luz, ángulo, distancia, perspectiva, esa es la dificultad, particularmente cuando se trata de objetos hechos por el hombre. Estas son cosas que el ojo humano tiende a identificar y con las que está familiarizado, por lo que debe ser muy técnico en su dibujo. Si estoy haciendo un paisaje de montañas, árboles y rocas, puede haber un error de dibujo y nadie lo recogerá. Pero si pinto un objeto hecho por el hombre, tengo que hacerlo bien, porque la gente lo captará, ya sea que estén entrenados o no”.
Stewart abordó esta imagen compuesta de remolques de automóviles retro pintando numerosos estudios durante aproximadamente dos horas cada uno en paneles de lona de algodón de 6 "-x-8". "El primer estudio, el parque de casas rodantes en Bisbee, Arizona, dicta la tonalidad general", dice. "Traté de hacer que todo fuera coherente". Pintó el auto por separado y ajustó su temperatura de color del estudio al pintar la pieza del estudio. Las personas en la composición fueron pintadas de fotografías que luego realizó en interiores, disfrazadas, en invierno. El trailer que es el foco de la pieza del estudio fue pintado en un parque de casas rodantes diferente.
"El color, los valores y la sensación general de luz es lo que estoy tratando de capturar en los estudios", dice el artista. “No me estoy concentrando tanto en dibujar, estoy tratando de hacer que el dibujo sea preciso, pero puedo confiar en las fotos de referencia para la precisión de la pieza más grande si es necesario. Todavía estoy tratando de crear arte, no estoy tratando de hacer una documentación”. En cambio, trata de evocar un sentimiento de nostalgia y se siente libre de tomarse libertades con detalles en la señalización, edificios y elementos similares en la periferia. de la pintura.
Comienza dibujando con pintura, usando muy pocas líneas. "Siempre estoy dibujando mientras estoy completando la pintura", dice Stewart. “Completo el dibujo mientras pinto. Si hago un dibujo demasiado precioso al principio, podría casarme con él y tener miedo de desviarme de él”. A continuación, Stewart generalmente crea un dibujo intermedio, una caricatura de carbón en papel Ingres con tiza blanca, para resolver cualquier dibujo problemas. Luego agrega una cuadrícula sobre el dibujo y sobre el lienzo para poder transferir con precisión la información.
"Por lo general, no puedo hacer las pinturas de estudio más grandes de inmediato, pero cuanto antes termine de pintar, más exitoso es", dice. “El sentimiento permanece conmigo inicialmente, pero parece disiparse con el tiempo. Y con una pintura, es más importante cómo se siente que cómo funciona”. Para The Trailer Park, Stewart primero pintó el parque de casas rodantes que sirve como escenario, luego, una semana más tarde, el trailer principal. Cinco meses después, encontró el auto para jalarlo. Seis meses después, pudo comenzar la pintura del estudio, que le llevó una semana y media ejecutar.
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| Estudio para vides de otoño en el valle
por Gil Dellinger, 2006, acrílico, 8 x 10. |
Vides de otoño en el valle
por Gil Dellinger, 2006, acrílico, 36 x 48. |
Gil Dellinger
"En la versión de estudio, minimicé ligeramente la luz dinámica para darle a la pintura más unidad", dice Gil Dellinger sobre este par de piezas acrílicas. “Hubo una temeridad que fue realmente encantadora a pequeña escala, pero en una pintura grande hubiera sido demasiado llamativa y algo inarmónica. Cambié un poco los colores y cambié la forma del camino. Probé esto en la pintura del estudio y decidí que me gustaba, así que seguí la nueva idea, dejé que se transformara”.
Dellinger dice que cuando está en el lugar, casi se olvida del diseño porque está muy interesado en capturar el sentido del lugar. "Trabajo sintiendo el ambiente de un lugar", dice. “Incluso un olor: puedo traer materiales vegetales del área al estudio. Es parte de la experiencia. Un olor es algo que omite algunas funciones cerebrales y lo lleva de vuelta a la memoria. Puedes oler algo y volver hace 20 años.
"Por lo general, tengo que pintar un área justo después de haberla experimentado", dice Dellinger. “Un año después, estoy emocionalmente desconectado de la experiencia inicial. Es muy difícil recordarlo ".
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| Estudiar para los colores de invierno
por Scott Burdick, 2007, aceite, 6 x 8. |
Colores de invierno
por Scott Burdick, 2007, aceite, 18 x 24. |
Scott Burdick
La diferencia entre el estudio de Scott Burdick para una pintura de Yosemite en enero y la pintura del estudio inspirada en la misma escena es posiblemente la más dramática de las parejas exhibidas en el espectáculo PAPA. El formato no solo ha cambiado de horizontal a vertical, sino que una pintura que parece centrada en las colinas amarillas del fondo ha mutado en una pieza que enfatiza el juego de la luz amarilla en el arroyo y las rocas frías de color nieve.
"Incluso mientras pintaba el estudio, pensaba hacerlo verticalmente", explica. “Me emociona la escena que voy a pintar, y solo quiero comenzar de inmediato. Pero siempre miro alrededor y veo otras cosas que sería genial pintar. Y las cosas cambian con el tiempo. En este caso, la luz realmente no se reflejaba en el agua hasta mucho después de que comencé. Entonces el amarillo en las colinas comenzó a reflejarse y me sorprendió, y tomé algunas fotos, sabía que quería hacer una vertical. Eso sucede a menudo: comienzas y de repente ves otras posibilidades, mejores posibilidades. Pero si no hubiera hecho el estudio, no me hubiera quedado allí el tiempo suficiente para ver ese cambio a la luz”.
Burdick pasa unas tres horas pintando sus estudios, y lo considera un registro importante de los colores en la escena, y quizás igualmente importante, tres horas de observación cercana del tema. También toma fotos de referencia, "entre corchetes" para capturar los detalles tanto en las áreas muy claras como en las muy oscuras. El artista de Carolina del Norte considera que las pinturas de estudio son satisfactorias porque le permiten explorar un nuevo enfoque del tema y tomar un descanso de estar lejos de casa. Pero pintar al aire libre es claramente un punto culminante para Burdick.
"Pintar en plein air es la parte divertida de ser artista", dice Burdick. “Salir y explorar, aprender sobre la ubicación: ves cómo cambia el sol, cómo la luz es diferente en un lugar en particular. Aunque esas pinturas no son las que envían y compran los coleccionistas, para los artistas, los estudios son realmente divertidos. Pero te estás engañando a ti mismo si todo lo que haces es estudiar. Todos los grandes artistas hicieron estudios, pero son conocidos por sus grandes obras maestras increíbles realizadas en el estudio, que solo fueron posibles gracias a sus estudios ".
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Estudiar para Union Square en la calle Powell por Ken Auster, 2006, aceite, 12 x 16. |
Union Square en la calle Powell
por Ken Auster, 2006, aceite, 75 x 96. |
Ken Auster
Es probable que una pintura de estudio de Ken Auster sea un 600 por ciento más grande que su estudio, por lo que sus objetivos son un poco diferentes a los de algunos pintores al aire libre. "El estudio es solo para organizar mis pensamientos y establecer algo lo más rápido posible", dice el artista de California. "Quiero ver si funcionará en un formato más grande".
| Lea más sobre la técnica de plein air de Auster en "Pintura pesada, pinceles grandes y sin limpieza: las pinturas de Ken Auster". |
Utiliza un pincel grande en sus 12 "-x-16" estudios "por lo que toma menos tiempo hacer la pintura". Auster dice que no le gusta estar en el camino de las personas cuando pinta en la ciudad; realiza un estudio en 90 minutos, a menudo explica los conceptos básicos en los primeros 30 minutos, luego se traslada a un lugar menos molesto para desarrollar el estudio aún más. Usando fotos de referencia, agregará algunos detalles escasos al estudio más adelante en el estudio. Luego, hará evaluaciones.
"Haré una gran cantidad de pinturas más pequeñas y las miraré mucho tiempo, luego finalmente tomaré una decisión sobre cuál será una buena pintura grande", explica. “Tienes que determinar si la pintura funcionará en un formato grande. Cuanto más fuerte sea el tema o el punto focal en una pintura pequeña, más exitosa será la pintura más grande. Puede hacer casi cualquier cosa en un formato de 6 "-x-8" y funcionará, porque no intentará poner toda la información en una pintura pequeña. Estás obligado a cumplir con las reglas del buen diseño y te resistes a llenarlo con un montón de basura. Una buena pintura depende de lo que dejas afuera”.
El siguiente paso para Auster es bloquear la gran pintura en su estudio. Él dice que esta etapa, en la que se establece el diseño, debe hacerse en una sesión: generalmente completa esta "base" en una tarde, poniéndose guantes y untando la pintura con las manos. “Es un proceso rápido; tienes que trabajar mientras está mojado”, dice. “Y es ejercicio físico; tienes que poner mucha pintura rápidamente”. Auster siente que si esta base es correcta, es casi imposible que luego arruine la pintura durante los refinamientos. Solo mucho trabajo y un gran pincel podrían sabotear la composición y el diseño.
Luego, el artista pasa mucho tiempo durante un par de semanas desarrollando pequeñas áreas de la pintura y estableciendo el punto focal. Evita demasiados detalles. "Nada dañará una pintura grande más que demasiada información", afirma Auster. “Se necesita un pie cuadrado de información realmente interesante, y el resto debe ser abstracto. No puede sentir que necesita poner más cosas solo porque hay más espacio. Tienes que controlar ese pensamiento y mantener el punto focal.
"En piezas más pequeñas puedes salirte con la tuya con un gran trozo de rojo, pero en una pintura grande sería tan dominante que no podrías dejar de mirarlo", explica. "Puede obtener mucha más información sutil en una pieza más grande que en una más pequeña, pero no obtendrá más detalles".
Auster agrega significativamente más profundidad en sus pinturas más grandes, y se encarga de hacer que sus colores sean un poco más sutiles. "En un estudio, podría dividir el paisaje en tres capas: primer plano, término medio y fondo, y habrá grandes cambios de valor entre ellos", dice. "En una pieza de estudio, puedo poner seis o siete capas allí, puedo empujar el sobre mientras mantengo el rango completo de valores".
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| Estudio para las últimas hojas del otoño
por Jim Morgan, 2007, aceite, 8 x 10. |
Las últimas hojas de otoño
por Jim Morgan, 2007, aceite, 24 x 36. |
Jim Morgan
El estudio de Jim Morgan de un árbol de arce a fines del otoño se realizó en el estudio, al igual que la mayoría de sus estudios. Realiza bocetos simples y muy toscos en el sitio, luego elabora un pequeño estudio en casa antes de lanzarlo en una pieza más grande y más terminada. "Este estudio se basó en unos pocos bocetos de rasguños de gallina", dice el artista de Utah. “Hago esto para ver cómo funcionará la composición, antes de hacer la más grande. Esas miniaturas iniciales me dan la esencia del sujeto y el movimiento de la línea”. Morgan también usa fotos de referencia, pero se refiere a ellas solo fugazmente, prefiriendo confiar en la memoria y la intuición.
El pequeño junco en la pintura del estudio fue planeado desde el principio, pero Morgan dejó al pájaro fuera del estudio porque primero quería asegurarse de que la composición fuera lo suficientemente fuerte sin él.
Sobre PAPA
The Plein-Air Painters of American (PAPA) fue fundada por Denise Burns en la isla Catalina, en la costa de California, en 1986. La idea era seleccionar a 20 artistas, hacer que pintaran en la isla durante una semana y luego mostrar sus trabajar en una venta el sábado por la tarde y el domingo por la mañana. Este formato resultó muy exitoso, y durante los siguientes 18 años el grupo pintó y exhibió en Catalina, seguido de dos años en el área de Lake Tahoe. La organización aún limita su membresía, y el objetivo sigue siendo el mismo, "documentar un lugar y una hora y llamar la atención sobre puntos de referencia grandes y pequeños", según el sitio web de PAPA. Los talleres anuales se han convertido recientemente en parte de sus actividades también.
