La Escuela de Arte Representativo de Chicago ofrece una educación de arte clásico en un mundo moderno.
por Mark G. Mitchell
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| Tartán
por Steve Ohlrich, 1999, carbón vegetal y pastel sobre papel blanco, 25 x 19. |
En el último piso de un antiguo almacén de una fábrica en el distrito de las artes que se encuentra al norte del río Chicago, los estudiantes de arte trabajan en representaciones de moldes de yeso al carbón. Se enchufan en pequeños cubículos individuales envueltos en tela negra. Cortinas de color negro azabache rodean el aula. El aislamiento es para centrarse. Las cortinas cortan la luz reflejada para que los estudiantes puedan ver los valores correctamente en las réplicas de las antiguas esculturas griegas y romanas que están copiando.
Más allá de ellos, la sala de clase se abre a un gran estudio que está bañado por la luz azul del día desde una claraboya cenital. Los caballetes vacíos se colocan alrededor de un escenario vacío donde una modelo posará durante tres horas en la mañana. Degas se habría sentido como en casa aquí, y Sargent también.
Los estudiantes de la Escuela de Arte Representativo (SORA) son de una amplia variedad de edades y antecedentes. Van desde recién graduados de la escuela secundaria hasta artistas profesionales de mitad de carrera y madres con nidos vacíos que siempre habían querido estudiar arte, pero la vida se interpuso. Algunos tienen BFA o títulos avanzados. Les tomará cuatro años garabatear, dibujar, pelear, sombrear y esmaltar su plan de estudios SORA. Para entonces, si se aplican, habrán aprendido a representar el mundo visual en la gran tradición clásica europea.
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| Abrazo
por Bruno Surdo, 2001, carbón, 26 x 45. Colección de George e Io Gaitarnis. |
Érase una vez en el siglo XIII, un maestro pintor reuniría a unos cuantos aprendices talentosos sobre él que había seleccionado por sus habilidades y los pondría a trabajar moliendo pinturas y manejando las tareas rutinarias de su estudio. Mientras tanto, el viejo artista le enseñaría a sus encargados todo lo que sabía sobre recrear la naturaleza en un lienzo estirado, con tizas y carbón, pinceles y pinturas. "Durante los primeros seis meses de su entrenamiento no harían nada más que copiar dibujos maestros, ya que el dibujo se consideraba la columna vertebral de todos los logros en el arte", escribe Fred Ross, presidente del Centro de Renovación Artística, un grupo sin fines de lucro que defiende el clásico., tradiciones académicas de la pintura. “Dibujarían estudios de moldes de yeso para aprender a modelar, y luego pasarían al menos otro año dibujando de modelos en vivo. Solo entonces, al dominar el arte del dibujo, se les permitió recoger un pincel y comenzar a aprender el arte de la pintura. Luego, posiblemente después de cinco o seis años de capacitación, podrían comenzar a crear obras de arte que podrían considerarse verdaderamente profesionales”, afirma Ross.
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| Elenco victoriano
por Steve Ohlrich, 1999, carbón y Pastel sobre papel blanco, 39 x 23. Colección del artista. |
Estas "escuelas gremiales" florecieron desde los días de Giotto hasta el Alto Renacimiento. Probablemente nunca se fueron, pero parecieron caer fuera del radar público cultural por un tiempo, hasta que, unos siglos después, el pintor oficial del régimen de Napoleón volvió a poner de relieve esta tradición tradicional de la educación artística.. De hecho, prácticamente lo convirtió en una franquicia nacional. Jacques-Louis David, un clasicista ardiente y fundador del nuevo Institut de France, que reemplazó a la antigua Real Academia de Arte (que había sido clausurada en la Revolución Francesa) se apoderó de la "escuela taller", o modelo de taller, para entrenamiento Los artistas de su país. (Atelier proviene de una antigua palabra francesa astele, que significa "un montón de astillas de madera en el taller de un carpintero".) Hoy, mientras los colegios de arte y las universidades se esfuerzan por acomodar un menú explotado de disciplinas impulsadas por el mercado (como fotografía, diseño gráfico y web), cine, animación, juegos de computadora, diseño comercial e industrial), pequeñas "escuelas taller" (talleres) han surgido para llenar un vacío percibido en las "primeras habilidades" básicas de dibujo y pintura.
El pintor y caricaturista Grigor Eftimov, un artista nacido en Macedonia que se graduó de SORA hace un año y medio, recuerda sus horas solitarias en uno de esos cubículos negros, luchando con los desafíos de aprender a ver correctamente. "Cuando pasas meses copiando un elenco, se convierte en tu mejor amigo después de un tiempo", dice Eftimov, quien a los 29 años es el instructor más joven de SORA. “Cuando termines es muy difícil renunciar al elenco. Incluso fue difícil para mí separarme de mis dibujos de reparto. Pero tuve que venderlos para obtener la matrícula del próximo mes ".
Esos dibujos del elenco son para lo que vino a SORA, dice Eftimov. Su educación artística previa en la Academia Estadounidense de Arte, en Chicago, lo dejó hambriento por el tipo de entrenamiento exigente en dibujo que tanto ansiaba de niño. "Estuvo bien, pero pensé que había más", dice. “Quería pintar mejor y dibujar mejor. Me encantaba hacer retratos y caricaturas, y sabía que el resultado final era dibujar bien”, dice Eftimov. “La pintura es una extensión del dibujo. Quería ir de donde venían los instructores: una herencia y un linaje definitivos. No quería pasar más años adivinando ".
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| Estudio de reparto
por Michelle Haklin, 1997, carbón vegetal, 25 x 19. Colección privada. |
"Tenía un estándar para mí en el arte: era el trabajo de los Viejos Maestros", dice otro instructor de SORA, Steve Ohlrich, quien obtuvo un BFA en la Universidad de Illinois en Chicago, antes de someterse al currículo de SORA. “Siempre quise dibujar de manera realista, dibujar un retrato y hacer que parezca un retrato, y crear figuras creíbles. Los viejos maestros realmente no eran un foco en la universidad ", dice. “Tomé pintura avanzada y estudié bellas artes en el estudio, pero el enfoque era más, 'Aquí hay una idea, ¿cómo se hace llegar esa idea?' Había muchos pintores abstractos. No había pintores y escultores al estilo de los viejos maestros. En SORA vi la gran tradición con la que ya me había conectado. La atención se centró más en cómo aplicar la pintura. Aprendí a ver valores y dibujar figuras. Aprendí sobre procedimientos y herramientas de trabajo. Las disciplinas están más estructuradas y la instrucción es individual. La dificultad en un entorno universitario es que estás tan concentrado en el tiempo. Usted está limitado por el tiempo en su horario de clases: puede tener solo una clase semestral de dibujar solo la figura, y las posturas son mucho más cortas. En SORA hay posturas largas, semana tras semana. También es un poco diferente cuando tienes tres maestros que han pasado por la capacitación en el taller ".
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| Claire
por Steve Ohlrich, 2001, grafito en el tablero de Bristol, 9 x 12. Colección del artista. |
Aunque no está acreditado, SORA afirma un linaje de gurús que conducen al estudio de Jacques-Louis David. El fundador y director de la escuela, Bruno Surdo, aprendió a pintar en la tradición realista clásica en Atelier Lack, en la escuela de Minneapolis, donde otro instructor de SORA, Michael Chelich, también tomó su entrenamiento. Al igual que Eftimov y Chelich, Surdo, oriundo de Chicago, asistió a la Academia Americana de Arte. Especialista en diseño gráfico e ilustración, llegó a saber que su verdadero amor era pintar la forma humana. Necesitaría maestros especiales para eso, le dijeron. Entonces, Chelich y Surdo encontraron uno: Fred Berger, un conocido artista figurativo de Chicago, entonces en la facultad de la Academia Americana de Arte, quien falleció el año pasado. "Este hombre fue una gran influencia no solo como maestro sino también como una representación de lo que se trata un artista", dice Surdo de Berger. “Creía en la tradición del entrenamiento clásico. Me brindó la oportunidad a mí y a otros de ir a la escuela, y me ayudó a comenzar esta escuela. Era un amigo y un compañero ".
Berger finalmente sugirió que Chelich y Surdo estudien en una escuela tipo atelier, y alentó a los hombres a inscribirse en el atelier de Richard Lack, un líder del movimiento realista clásico en pintura y un ícono de entrenamiento clásico para artistas estadounidenses. Después de tres años y medio en Atelier Lack, Surdo viajó a Italia, donde una vez vivió de adolescente (en Bari) con su familia. Trabajó para algunos artistas de Florencia, aprendiendo a moler pinturas y hacer barnices. También estudió en la academia de Charles H. Cecil y Daniel Graves en Florencia.
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| Porra
por Bruno Surdo, 2001, carbón comprimido, 27 x 20. Colección del artista. |
Surdo regresó a Chicago para iniciar su carrera profesional como pintor, pero con la idea de abrir "una pequeña escuela de arte comunitaria", donde podría transmitir los principios de su formación clásica. Chelich pasó cuatro años en Atelier Lack y finalmente se inscribió como miembro de la facultad en la nueva escuela de Surdo. SORA abrió con nueve alumnos hace 17 años. "La gente quería estudiar como yo había estudiado", dice Surdo. "Se ofrecieron a venir a mi casa y cortarme el césped". Hoy hay seis miembros de la facultad que enseñan a 18 estudiantes y una lista de espera de candidatos ansiosos por comenzar su capacitación en el taller de Chicago.
"El estudio del yeso es un método tradicional para entrenar el ojo del pintor", dice el sitio web de SORA. “Los estudiantes comienzan su capacitación ejecutando varios dibujos de moldes refinados con carbón negro sobre papel blanco. Este ejercicio introduce al nuevo alumno a la práctica exigente del dibujo a la vista. … El método del tamaño de la vista es un enfoque científico del dibujo que ayuda a entrenar el ojo y la mente para observar y representar las sutilezas y verdades visuales de la naturaleza. Empleando este método, se utilizan herramientas como plomadas, espejos y niveles para analizar un dibujo y verificar y volver a verificar los esfuerzos del estudiante. Esta práctica también ayuda a desarrollar un juicio crítico ".
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| Rachel
por Bruno Surdo, 2000, carbón vegetal, 50 x 40. Colección privada. |
Surdo explica: “Trato con muchos artistas frustrados que sienten que nunca recibieron toda la capacitación que querían en la universidad o durante sus carreras. Con todo lo que los estudiantes tienen que aprender para funcionar en el mundo de hoy, a menudo simplemente no hay tiempo para desarrollar esa base de habilidades en un programa de escuela de arte comercial o universitario. Aquí les enseñamos a ver la naturaleza de una manera estructurada y a romper los malos hábitos que han acumulado a lo largo de los años en su dibujo y pintura. Los estudiantes trabajan desde el modelo a la luz del día, y la luz del día cambia durante el curso de una pose larga. Esto significa que deben volverse muy sensibles a los sutiles cambios de luz y cómo define la forma, y deben tomar decisiones sofisticadas sobre qué dejar y qué dejar afuera. Hace que su sensibilidad esté tan en sintonía que, cuando tienen que hacer estos dibujos más cortos, tienen un enfoque bastante disciplinado”.
La escuela también empuja a los estudiantes a explorar su creatividad individual a través de la composición, un énfasis que distingue a SORA de muchos talleres tradicionales, dice Surdo. Esto incluye la colocación más efectiva de formas en el espacio y el uso de figuras bien representadas para evocar emociones y temas específicos, como solían hacer los Viejos Maestros.
La composición se introduce durante el primer año, pero asume el énfasis principal en el cuarto año, cuando los estudiantes abordan sus proyectos finales. "Les pedimos que hagan bocetos en miniatura: podría ser una escena de un animal, una naturaleza muerta, un retrato o un paisaje", dice Ohlrich, uno de los dos maestros de composición. “Elegiremos uno y lo desarrollarán en una pintura de 4'-x-5 'o, a veces, más grande, trabajando con todos los diferentes elementos y principios de composición: formatos, líneas curvas o rectas dominantes, clave alta o baja. -clave ligera, diferentes contrastes: los espectadores en su mayoría notan las cosas realistas en una pintura, como texturas superficiales, expresiones faciales y otros detalles. Lo que no ven es la composición subyacente que da la estructura de la pintura, el impacto visual desde la distancia y el estado de ánimo general.
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| El dador
de vida por Bruno Surdo, 1999, grafito a bordo de Bristol. Colección privada. |
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| Máscara anatómica
por Bruno Surdo, 1986, carbón vegetal, 25 x 19. Colección Escuela de Representación Art, Chicago, Illinois. |
"En las grandes pinturas tradicionales, todo parece muy deliberado, sin dejar de ser fresco", continúa Ohlrich. “Ese es el desafío. Los pliegues que ves en la ropa en las pinturas de los Viejos Maestros fueron diseñados. La ropa sigue la forma, pero no la cubren. " Hay belleza en el pliegue mismo ", dice Chelich. "Si los artistas no hubieran resuelto su ubicación y diseño, estos detalles serían una distracción y estarían en contra de la imagen".
"Toda su vida está aprendiendo a editar su visión", señala el director de la escuela, Surdo. "Menos es más. Pero al principio, hay mucho conocimiento que debe ser internalizado. Comenzamos con plomadas y dispositivos para ayudarlo a ver las formas y corregir sus instintos. Su trabajo se basa en herramientas como las de un carpintero. Empiezas a internalizar las herramientas y lo que representan, y se convierten en tu tercer ojo. Les digo a mis alumnos: "Eventualmente aprenderán a ser intuitivos con todos estos procedimientos". El tiempo y la repetición los reforzarán. Un artista entrenado sabe cómo usar todos los dispositivos y modos impulsivamente, con un pequeño garabato. Les digo que si, cuando sales de mi escuela, todavía no puedes hacer un dibujo de 30 segundos o dos minutos muy bien, no creo que hayamos tenido éxito. ¿Llevo el estandarte del arte realista? No, hay mucho arte realista malo por ahí. Simplemente me gusta la buena habilidad. El arte es demasiado pluralista para enfatizar solo un enfoque sobre otro.
