La pintora de óleo Debra Teare combina lo mejor de las técnicas convencionales de trompe l'oeil con sus propias sensibilidades modernas para hacer sus piezas ilusionistas.
por James A. Metcalfe
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| Todo bien
2007, petróleo, 13 x 10. Colección Christine E. Lynn. |
Durante más de 3.000 años, los amantes del arte se han maravillado y celebrado el talento de los pintores trompe l'oeil. Hoy en día, trompe l'oeil está en todas partes, incluidas fachadas de edificios, tableros de mesa, empaques de productos, escenarios de películas y escenarios, y murales interiores. El género nunca se desvanece de la vanguardia porque los artistas contemporáneos no lo permiten: adoptan los principios del estilo y aplican su propia individualidad mientras mantienen su filosofía. La delgada línea entre la imagen y la realidad, y esa última tentación de "engañar al ojo", aún ofrece desafíos únicos para los pintores contemporáneos.
| Teare sobre los principios de Trompe l'Oeil
Debra Teare empuja el sobre un poco en sus pinturas trompe l'oeil, pero esencialmente se adhiere a los principios básicos del género, que describe a continuación: “Trompe l'eoil es una forma de arte que evolucionó a lo largo de miles de años. Inicialmente, era simplemente una forma de pintar que "engañaba a los ojos", pero eventualmente muchos practicantes del arte descubrieron que ciertas convenciones aumentaban el efecto ilusionista por el que luchaban. Una convención es mantener la profundidad de campo lo más superficial posible. Efectos como pegar o fijar objetos planos a un tablero hacen posible una profundidad de campo superficial. Otra convención es iluminar la escena desde la izquierda, lo que aumenta la posibilidad de que la iluminación real de la pintura corresponda a la iluminación ilusionista en una exposición. Otro no es romper el plano de la imagen, es decir, no correr un objeto o sombra fuera del lienzo, preservando así la ilusión de que los objetos existen completamente en el espacio dentro del marco. Una forma de mejorar el efecto tridimensional es mantener una profundidad de campo baja. Hago esto manteniendo mis cajas o estantes lo más superficiales posible. Es probable que cualquier objeto o textura que tenga una calidad escultórica o táctil termine en una pintura trompe l'oeil. Disfruto trabajando dentro de estas reglas, pero me siento libre de romper estas convenciones para lograr un efecto único ". |
Uno de los pintores de trompe l'oeil más exitosos de la actualidad es Debra Teare. Aunque le tomó a esta nativa de Utah 15 años encontrar su nicho, Teare sabía que cuando lo descubriera, "lo sabría, lo sentiría y lo sentiría de inmediato", y lo hizo.
"Estuve dando vueltas durante muchos años tratando de encontrar un enfoque cuando me encontré con el trabajo de Larry Charles y la Sociedad de Artistas Trompe l'Oeil", relata. “Ese fue mi momento de galvanización, y supe instantáneamente que la pintura de trompe l'oeil sería mi idioma. Era como si hubiera cambiado de tomar nada más que fotografías en blanco y negro a tomar nada más que vibrantes fotografías en color”. La analogía tiene una resonancia especial: antes de su descubrimiento de trompe l'oeil, Teare hizo grandes dibujos fotorrealistas en negro. y blanco por más de 15 años. Las sombras profundas y las texturas variadas han cautivado durante mucho tiempo a la artista, y siempre sintió un impulso apremiante de incluir una fuerte calidad tridimensional en su trabajo. La pintura de Trompe l'oeil satisfizo esa necesidad. "Una de las razones por las que amo el trompe l'oeil es por mi fascinación por la pintura precisa", dice ella. "A pesar del hecho de que trompe l'oeil difiere de otras formas de arte en el sentido de que tiene un conjunto de reglas, creo que sus supuestas limitaciones son absolutamente liberadoras". Aunque a Teare le encanta la "pintura suelta y deliciosa" en el trabajo de otras personas, ella no puede verse nunca yendo en esa dirección. "Con ese tipo de pintura", razona, "algo se perdería en lo que estoy tratando de decir".
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| Debe avanzar
2005, aceite, 12 x 10. Colección privada. |
Aunque disfruta de la disciplina del género, Teare cree que es importante empujar trompe l'oeil a nuevas áreas. "Siento que mi trabajo tiene una sensación contemporánea que es distinta", dice el artista. “Mi uso de la caja, una técnica que uso para aislar la pieza, empujarla al espacio y enfatizar los aspectos ilusionistas de la pintura, es algo única, al menos en la forma en que la uso. El cuadro también me ayuda a crear una profundidad de campo mientras mantengo la ilusión necesaria de la tridimensionalidad. Quiero que los espectadores quieran tocar los objetos dentro de la caja, sentir metafóricamente y experimentar las texturas variadas. Luego, cuando se acercan a la pintura, se sorprenden de que sea plana.
"El tromp l'oeil tradicional puede parecer algo polvoriento y solitario para mí, así que trato de evitarlo usando colores más brillantes e incorporando objetos naturales o vivos (una concha o una mariposa, una flor u hoja) y la mayor cantidad de color posible". Ella continúa. Además, a Teare le gusta contar una buena historia con cada pintura, una especie de narración sin palabras que pide ser contada. "Si incluyo, por ejemplo, una fotografía o un libro en una pieza en particular, primero empiezo a imaginar cómo ese objeto en particular fue originalmente utilizado o exhibido, e incluso posiblemente amado, por su propietario".
La textura de cada elemento representado es esencial para Teare. La artista frecuentemente comienza con una textura simple que ama, y luego teje un sentimiento a su alrededor. "En El mensaje, por ejemplo, arreglé diligentemente lo que son esencialmente tres objetos simples, luego creé las texturas exactas que proporcionaron una especie de resonancia dimensional", explica el artista. Una cosa en la que Teare insiste es que las texturas y los colores deben armonizarse y complementarse entre sí. Deben iluminarse con iluminación exacta para amplificar el contenido emocional. "La luz, por lo tanto, es igualmente importante en mi trabajo porque es el tono emocional final que unifica la pieza", dice Teare. Hace todo lo posible para sugerir un tipo particular de luz, ya sea al aire libre, interior, natural o artificial, lo que sea necesario para capturar las cualidades emocionales correctas. "La mayoría de las veces, una buena iluminación es el punto de inflexión entre una pieza marginal y una pintura realmente genial", afirma.
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| Momias y Margaritas
2007, aceite, 20½ x 9½. Colección Christine E. Lynn |
Los practicantes de trompe l'oeil de hoy saben que ciertas convenciones comprobadas mejoran el efecto ilusionista. Teare emplea y observa a muchos de ellos, pero nunca ha tenido miedo de romper con la tradición para lograr un resultado particular. Sin embargo, una de las convenciones de trompe l'oeil que sigue es grabar o fijar objetos planos a una tabla; hacerlo mantiene la profundidad de campo lo más superficial posible. Un buen ejemplo de esto es Must Move Forward. “Otra convención a la que me adhiero”, agrega, “es iluminar la escena desde la izquierda, lo que aumenta la posibilidad de que la iluminación ilusionista de la pintura corresponda a la iluminación real en una exposición. Enciendo todas mis pinturas desde la esquina superior izquierda”. El sombreado también es muy importante, señala. "Al evitar a propósito ejecutar un objeto o una sombra fuera del lienzo, como lo hago en Must Move Forward, conservo la ilusión de que los objetos existen completamente en el espacio dentro del marco", explica Teare.
Casi cualquier cosa puede inspirar a Teare a pintar, pero es fundamental que el sujeto posea una combinación de color, textura y sombra. Dos de sus lugares favoritos para encontrar esa inspiración son los jardines y las tiendas de antigüedades. Puede ser un jardín completo o una flor frágil y simple que Teare quiere conservar en una pintura. Las fotografías antiguas tienen una reverencia particular hacia ella, y a menudo encuentra un objeto antiguo que coincide con la fotografía de alguna manera, y se da cuenta de que tiene las semillas para una gran composición.
En Texturas en estaño, por ejemplo, descubrió la lata de queroseno rojo e inmediatamente supo que tenía que componer una pieza usando la lata como punto focal. Aunque la pintura gira en torno a la textura de la lata de queroseno, explica que desarrolló lentamente la composición agregando una variedad de texturas. "Sabía que necesitaba una flor en algún lugar para mantener el equilibrio", agrega Teare. “Finalmente decidí agregar el diente de león, imaginando a una nieta dándole una flor a su abuelo mientras él trabajaba en su tienda. Parecía ser el acento correcto tanto simbólica como artísticamente. Luego incluí la botella azul para agregar un tono fresco, así como para atarla a la tapa de la lata de queroseno”. Teare, que pinta solo en aceite, dice que la etapa de composición es cuando puede ser más flexible. "A veces creo que estoy componiendo una escena alrededor de una letra solo para descubrir que finalmente elimino la letra y la composición se convierte en algo completamente diferente", explica. "Hay momentos, no importa cuánto lo intente, cuando simplemente no puedo lograr que un objeto apreciado funcione, incluso si ese objeto es la inspiración para toda la pieza, y tengo que eliminarlo".
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| Efecto dominó
2005, aceite, 12 x 9. Colección del artista. |
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| De Mondrian
Auto retrato 2006, petróleo, 23 x 18. Colección del artista. |
Además de la iluminación adecuada, explica que el color puede ser un factor muy importante para el estado de ánimo de la pintura. "Tengo una aversión a los clichés de color, lo que creo que mantiene mi trabajo fresco", dice Teare. Le gustan los colores brillantes y utiliza la iluminación para armonizar los tonos. Con respecto al color que puede ser disonante o estridente, pero es crucial para una pieza, el artista dice: "Modifico y armonizo el color para que la composición se convierta en un universo autónomo en paz consigo mismo".
Teare generalmente pinta alla prima. Ocasionalmente usa esmaltes, pero no con tanta frecuencia como la mayoría de los pintores de trompe l'oeil. Creyendo que "toda la pintura está básicamente obteniendo el color correcto en el lugar correcto", ella nunca comienza una pieza hasta que su composición es exactamente como ella quiere. "Podría comenzar una pintura en el punto focal, una flor, por ejemplo, y luego pintar toda la flor antes de pasar a otras secciones", dice el artista. "Premezcle todos mis colores para esa sección, que puede sumar hasta 20 colores dependiendo de la luz y la sombra en esa área". Ella usa la fotografía como respaldo porque algunos elementos, como las flores, no durarán los dos meses. generalmente la lleva a terminar una pintura. "Mantengo mis bodegones en la caja frente a mi caballete mientras pinto porque las fotografías son a menudo muy inadecuadas en muchos aspectos, especialmente en lo que respecta a las sombras", explica Teare.
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| Texturas en estaño
2006, petróleo, 13 x 22. Colección privada. |
Por su propia admisión, Teare es muy dura con los pinceles y utiliza una variedad de sintéticos muy pequeños (tamaños de 000 a 01) y económicos. "Como prefiero pintar sobre una superficie dura, utilizo madera contrachapada de abedul, sobre la cual pego un lienzo de textura fina que monto con pegamento libre de ácido", explica. “Solo uso pinturas Old Holland, ya que están profundamente matizadas, y su textura se adapta a la forma en que pinto”. Teare pinta sobre un caballete de mesa y usa medios Gamblin, generalmente Galkyd Medium mezclado con una porción igual de Gamsol. A la artista le gusta usar muchos colores y no encuentra ninguna ventaja en limitar su paleta. "Sin embargo, nunca uso sienna tosca y tostada", dice ella. "Me parece que son demasiado fuertes para el efecto que busco". Mezcla todos sus grises, generalmente de complementos, ocasionalmente con negro Scheveningen y otros colores. El negro rara vez se usa directamente desde el tubo (con la excepción, tal vez, de un borde en la pintura). La artista prefiere usar colores complementarios para reducir los valores de sus mezclas. Considera que el ámbar crudo es un color extremadamente útil, especialmente con el azul, y en general prefiere todos los colores más vibrantes de Old Holland, particularmente cuando pinta flores. Algunos de sus pigmentos favoritos son el verde cobalto Old Holland, el azul caribeño, el malva dioxazina y el azul profundo Scheveningen. Dos amarillos que usa con frecuencia son amarillo cadmio profundo y amarillo Scheveningen medio.
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| El mensaje
2005, aceite, 12 x 9. Colección del artista. |
Ella mezcla con mucho cuidado todos los valores exactos necesarios para cada aplicación de pintura. “Aplico la pintura metódicamente, avanzando muy lentamente. De vez en cuando esmaltaré, especialmente en las sombras, para dar un brillo luminoso”, dice ella. “Por lo general, el color complementario de la luz logrará esto.
