Este maestro francés nos enseña mucho sobre contornos, retratos y cómo dibujar personas.
por Mark G. Mitchell
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| Retrato de carlos
François Mallet 1809, grafito, 10 9/16 x 8 5/16. Colección The Art Institute de Chicago, Chicago, Illinois. |
Así es como se veía Paganini con su corbata y su abrigo: cabello rizado, sereno y seguro, más que un poco de alarde, acunando su violín y su arco con su brazo derecho, los dedos cómodamente articulados de su mano izquierda apoyando el cuello de el arco.
Es un pequeño dibujo de grafito, de menos de 12 pulgadas de alto. Parece ser tanto sobre el instrumento musical de madera como el virtuoso músico del siglo XIX que lo sostiene. Pero también se trata de ese amplio abrigo: la textura gruesa y los pliegues decisivos y cómo el material se cierne sobre la forma del hombre. También se trata de esos expertos pulgares y dedos que sobresalen de los puños del abrigo.
Se trata de la cara. Las mejillas demacradas y los ojos confiados lo dicen todo sobre este intérprete de cuerda que era como el Jimi Hendrix de la música clásica en su día. Y al final, se trata del encanto y la autoridad del dibujo total, que es en sí mismo como una pieza musical bien compuesta, un símil adecuado, no solo por el tema. El artista que hizo el dibujo, Jean-Auguste-Dominique Ingres, también tocó el violín toda su vida.
"Recuerdo estar fascinado con las fotos de Ingres en la universidad", dice Mary Sullivan, una artista e ilustradora de Austin, Texas, que dibuja los rompecabezas de "imágenes ocultas" y otras ilustraciones para la revista Highlights for Children. “No sé por qué me gustó tanto. Debe haber sido que tenía algo en lo más profundo de mí que él también tenía. Soy una persona muy lineal, como lo fue él. Hay tanto en sus detalles: la tela, los pliegues de las cortinas, incluso puedes ver qué tipo de material es. He oído que los historiadores textiles estudian sus dibujos y pinturas para aprender sobre las telas de la época. Quiero que mis fotos sean así. Quiero que un niño se siente allí por horas y los mire ".
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| Paganini
1819, grafito, 11¾ x 8 ?. Colección El Louvre, París, Francia. |
Las pinturas de Ingres son un universo propio. Pero su dibujo es lo que la gente recuerda de él. "Las figuras en sus retratos a lápiz creadas a partir de vómitos controlados de sombreado etéreo suave, marcas de dardos vigorosas y líneas repetidas poderosamente seguras y sinuosas parecen más claramente presentes que los modelos, no solo en dibujos anteriores sino también en los dibujos de cualquier época, "Escribió Sanford Schwartz en The New York Review of Books. Estaba escribiendo sobre una retrospectiva popular de Ingres en el Louvre la primavera pasada. "Ingres hizo que los cuidadores fueran más tangibles físicamente y psicológicamente presentes de lo que tal vez hubieran sido en la tradición del retrato", escribió Schwartz. "Creó un personaje redondeado y totalmente autónomo tras otro … lo que resultó en una serie de personalidades que, de una manera orgánica y fluida, resumen una era completa".
Qué era también. Jean-Auguste-Dominique Ingres nació en la pequeña ciudad francesa de Montauban, en el sur de Francia, unos años antes de la caída de la monarquía borbónica ante las guillotinas. Su padre trabajaba en las "artes aplicadas": fue un escultor, pintor, arquitecto, albañil y decorador de casas que reconoció temprano el talento precoz de su primogénito y comenzó a instruirlo en todos los asuntos de diseño. Se dijo que Ingres podía dibujar antes de poder caminar. "Me criaron con tiza roja", dijo Ingres una vez. Aprendió copiando los dibujos de su padre y una colección de grabados de la obra de otros artistas.
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| Hoja de estudios de mujeres
para el baño turco California. 1830, bolígrafo, tinta marrón y grafito en dos hojas unidas, 6¾ x 4¾. Colección El Louvre, París, Francia. |
Mientras la Revolución Francesa estaba en su apogeo, Ingres asistió a la Real Academia de Pintura y Escultura, en Toulouse. Aquí fue presentado a la obra del pintor renacentista Raphael, que lo inspiraría por el resto de su vida. Ingres se guió primero "por el maravilloso diseño funcional del cuerpo humano ideal, y segundo, por el diseño pictórico lineal y espacial que perfeccionó Rafael", escribió el historiador de arte Arthur Millier.
En 1797, a los 17 años, Ingres llegó a París para estudiar en el estudio de Jacques-Louis David, el pintor en residencia neoclásico de la Revolución Francesa y ahora "zar del arte" oficial de Napoleón. El diligente adolescente de la nada La ciudad del sur del país se destacó rápidamente en el taller de David de casi 300 estudiantes. La École des Beaux-Arts (la principal escuela de artes de Francia), en París, lo admitió un año después, y en 1801 Ingres ganó la beca de arte más importante de Francia, el Prix de Rome. Ese logro singular para alguien tan joven levantó las cejas de todos, incluidos probablemente los de su maestro, David.
Pasarían cinco años antes de que Ingres pudiera llegar a Roma para estudiar con el premio nacional. Las guerras de Napoleón habían agotado la tesorería del efectivo. Mientras tanto se le encargó pintar Retrato de Bonaparte, Primer Consejo. Napoleón era fanático; sería la primera de varias representaciones de Napoleón que se le pediría a Ingres que hiciera.
Ingres finalmente llegó a Roma y pudo pararse frente a su amado Rafael en 1808. Vivió en Italia, que ahora era dirigida por los franceses, durante los siguientes 18 años. Estudió, dibujó y pintó en Roma, Nápoles y Florencia. Cuando se agotaron los dólares del estipendio, se mantuvo a sí mismo y a su esposa con comisiones esporádicas de pintura del estado y cientos de retratos de grafito que hizo de los turistas, dignatarios viajeros y emigrantes adinerados que lo buscaron por su extraña instalación para capturar una imagen. Según los informes, vendió estos bocetos por 40 francos cada uno, con su barbero actuando con frecuencia como su agente. Los pequeños retratos de grafito son "grandes obras de arte, atrapando un milagro de características de talento, poses, disfraces, atmósfera y carácter", escribió el historiador de arte Stephen Longstreet. “La gente es real. Respiran y existen sólidamente en la tierra … ".
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| Estudios de piernas, manos y el perfil de una cabeza para El martirio de San Symphorien por Ingres, dibujo de grafito ca. 1827-1834, grafito, 18 x 12.
Colección privada. |
En 1824 Ingres regresó a París para pintar cuadros grandes y enseñar en su propio taller. Más de 100 alumnos se reunieron para aprender sus rigurosos métodos clásicos. Con el tiempo, nuevos tipos de pintura, incluidos el naturalismo y el romanticismo, comenzaron a eclipsar las enormes "pinturas históricas" alegóricas que Ingres y muchos otros estaban trabajando. Los caricaturistas editoriales se burlaron de Ingres por su obstinado arte y puntos de vista. La famosa piel delgada del artista para la crítica y el rechazo solo lo hizo más divertido para la prensa. Así que Ingres abandonó París en 1835. Regresó a Italia para asumir el cargo de director de la Academia Francesa en Roma en Villa Medici. Reestiló las tradiciones clásicas y renacentistas con su énfasis en el dibujo y revivió la escuela en dificultades. Sus estudiantes y compañeros de trabajo lo adoraban.
En 1841 regresó a París, directamente en el abrazo de la nueva corte francesa (los Borbones habían vuelto), así como la poderosa nueva clase media. Aquí estaba su nuevo mercado para retratos y otras comisiones. Dibujó, pintó, enseñó y organizó cenas hasta 1867, cuando se resfrió y se convirtió en neumonía. Murió a los 87 años, dejando un cuerpo de trabajo que aún deslumbra.
"Sus dibujos se distinguen por su cuidadosa contención de formas, líneas perfectas y sombras sutiles", dice Phillip Wade, pintor e instructor de pintura en la Escuela de Arte del Museo de Arte de Austin, en Texas. "Nunca he visto a nadie que pueda hacer contornos tan bien como él".
"Ingres fue un técnico milagroso", agrega Frank Wright, pintor y profesor de arte en la Universidad George Washington y el Colegio de Arte y Diseño Corcoran, ambos en Washington, DC. “Fue uno de los dibujantes más notablemente seguros que jamás haya existido. Cuando puso una línea, lo hizo con tanta certeza. ¿Cómo dibujó con tanta autoridad? Es una de las cosas que no puedes enseñar sobre Ingres, pero puedes ser consciente de ello”.
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| Estudio para el retrato de Madame d'Haussonville
California. 1842-1845, carbón sobre grafito en papel fino tejido blanco, 14? x 8 ?. Colección del Museo de Arte Fogg en la Universidad de Harvard, Cambridge, Massachusetts. Ingres hizo casi dos docenas estudios similares antes ejecutando el retrato al óleo. |
"Creo que la palabra talento entra en juego aquí", dice Wade, quien ha examinado el trabajo y los materiales de estudio de Ingres en Montauban, la ciudad natal de Ingres. "Sus líneas de contorno son extraordinarias".
"Contour es la primera aprehensión del hombre primitivo que graba una bestia salvaje en el muro de piedra de su cueva", escribió Georges Wildenstein en su libro Ingres: The Paintings of JAD Ingres (Phaidon, Londres, Inglaterra). “O del niño que dibuja antes de distinguir los colores.
"El contorno, que también es la última referencia visual del ciego, es el aspecto más universalmente comprensible del objeto: el contorno dibujado también es el método más antiguo de reproducción", dice Wildenstein.
Contour fue la gramática y el código para el arte de Ingres. "Hablamos mucho en las clases sobre la 'línea de objetos perdidos', el 'borde de objetos perdidos' y la 'forma abierta' versus la 'forma cerrada'", dice Wade. “Botticelli e Ingres son considerados artistas de 'forma cerrada', encierran todo en línea; mientras que Delacroix y Rembrandt son ejemplos de "forma abierta": sus dibujos explotan sobre el borde de los contornos. Ni siquiera puedes encontrar la línea en algunos de sus dibujos. Con Ingres, sin embargo, se trata realmente de la contención de la forma con línea perdida y encontrada ".
"Ingres dibuja con una línea más sutil y variada que cualquiera de sus contemporáneos", escribió Agnes Mongan, quien dirigió el Museo de Arte Fogg en la Universidad de Harvard, en Cambridge, Massachusetts, desde 1969 hasta 1971 y fue pionero en el estudio de dibujos. “El sombreado a veces se hace con sombreado fino; a veces alisando con un muñón, y ocasionalmente hay un toque discreto de lavado. Pero estos tipos de modelado se mantienen al mínimo. Line es suprema”, escribió. “Con una línea de grafito que se ajusta constante y finamente, ahora estrecha, ahora gruesa, presionando con firmeza o más rápidamente, define contornos con una notable gama de modulaciones. La forma se describe sobre todo por tales calibraciones de contorno, así como por la dirección de una línea ".
"Siempre dibujaba con una punta afilada, a veces incluso en una 'punta en forma de cincel', que le permitía variar el grosor de la línea y cambiar de afilado a ancho, como en la música", escribió Avigdor Arikha en JAD Ingres: Fifty Life Drawings From the Musée Ingres at Montauban, el catálogo de una exposición en el Museo de Bellas Artes de Houston.
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| Retrato de Madame d'Haussonville
California. 1842-1845, grafito, 9 3/16 x 7¾. Colección del Museo de Arte Fogg en la Universidad de Harvard, Cambridge, Massachusetts. En este punto, Ingres tenía se decidió por la composición y cuadró el boceto para transferir. |
Ingres mismo empleó metáforas musicales al describir su proceso a sus alumnos. “Si pudiera hacer de ustedes músicos, se beneficiarían como pintores. Todo en la naturaleza es armonía; demasiado, o muy poco, perturba la escala y hace una nota falsa. Uno debe enseñar el punto de cantar con el lápiz o con el pincel tanto como con la voz; lo correcto de las formas es como lo correcto de los sonidos ".
"Fue excelente en el gesto, pero el contorno le ofreció esa musicalidad", dice Wright, quien como estudiante graduado que trabajaba bajo la dirección del museo Agnes Mongan investigó y analizó los dibujos de Ingres en la Colección Grenville L. Winthrop en el Museo de Arte Fogg. “Por supuesto, Ingres apiló la cubierta a su favor usando deliberadamente una luz frontal. “Si tienes luz proveniente de un lado, enfatiza el efecto escultórico. Pero la iluminación frontal enfatiza los bordes, la línea arabesca en la que Raphael, quien era el dios de Ingres, se involucró tanto. Raphael hizo mucho con las curvas de la forma, los bordes de la forma. Raphael, Ingres y otros sabían cuándo interrumpir la línea, para permitir que entrara la luz, por lo que la línea no es continua. Permiten que se rompa para mostrar la saturación de la forma en la luz, o sean más audaces en el otro lado para mostrar que la forma está alejada de la luz.
"Por supuesto, siempre enfatizaba o desestimaba la apariencia de la línea", continúa Wright. “A veces usaba una línea mínima y dibujaba pequeños nichos para dar la ilusión de que la forma era rica. Hizo líneas brillantes. A menudo desafiaba su propia brillantez para mantener vivo su dibujo ".
"Me gusta su forma de encontrar los lugares que son oscuros y los lugares que son claros, es muy espiritual", dice Sullivan. “Cuando vea que esa línea desaparece, puede ser que el área no necesite explorar más, y que el color pueda tomar el control. La gente dice que Ingres siempre estaba siguiendo las reglas y que era tan formal. Pero lo encuentro muy intuitivo y emocional ".
"Para realmente tener éxito en un retrato, primero hay que estar imbuido de la cara que se quiere pintar, reflexionar sobre ella durante mucho tiempo, con atención, desde todos los lados, e incluso dedicar la primera sesión a esto". Ingres dijo una vez. De hecho, tenía una forma de capturar la personalidad central de una niñera. Ingres creía que su precisión provenía de una observación cuidadosa. Wright cree que Ingres tenía un sentimiento maravilloso, una sensibilidad hacia las personas. Mongan señala: "Incluso captura su autoconciencia al posar".
Ingres era un cajón compulsivo, instando a los estudiantes a dibujar con los ojos cuando no podían hacerlo con un lápiz. Por sus retratos y murales pintados, Ingres a veces hizo cientos de dibujos preparatorios. Parecía encontrar este paso del proceso más satisfactorio que pintar los murales, que a veces abandonó. "Las etapas fueron: estudiar desde la vida, extraer la verdad de la experiencia, cuadrar, agrandar, transportar al lienzo, regresar, si es necesario al modelo para este o aquel detalle", escribió Arikha sobre el método de Ingres. “Pidiéndole al conde de Pastoret sus guantes o volviendo al brazo izquierdo de Madame Moitessier, dibujándolo a tamaño real para trasladarlo directamente al lienzo, volviendo una y otra vez. Esto es cuando Ingres se empantanó. Fue un procedimiento excesivamente elaborado, casi obsesivo, cuyo objetivo era acercarse a la verdad del asunto”.
Planteó modelos (a diferencia de sus sujetos de retratos) desnudos, para comprender mejor la estructura subyacente y así obtener los pliegues exactamente en las prendas o cortinas que caen sobre el cuerpo. Pasó nueve días pintando una mano para su famoso retrato de Louise d 'Haussonville. "A veces no somos conscientes de que las personas que son geniales son las que están dispuestas a pasar más tiempo minucioso en una pieza", dice Wright. "Mientras que alguien menos grande lo dejaría inconsciente y estaría satisfecho y se detendría, una persona como Durero o Rafael o Ingres realmente aportaría más humildad a la tarea".
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| Estudio para la figura de Francia en La apoteosis de Napoleón
1853, grafito y tiza negra sobre el contorno del lápiz sobre papel tejido de color canela, pegado a papel crema grueso y cuadrado para transferir, 20? x 10¾. Colección del Museo de Arte Fogg de la Universidad de Harvard, Cambridge, Massachusetts. |
Estudio desnudo de la figura de Francia en La apoteosis de Napoleón
1853, grafito 17¾ x 6 ?. Colección privada. |
"A pesar de que tanta gente podía dibujar bien entonces, sus obras eran más animadas y mucho más agradables de ver, espontáneas y frescas", dice Wade. "Para Ingres, el dibujo era un contorno, con un color muy simplificado y una forma muy simplificada".
Un concepto que no se pierde en Degas, Matisse y Picasso, por lo que los dibujos de Ingres influyeron en el arte moderno del siglo XX, al igual que continúan fascinándonos hoy.
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Verano 2011 número arte Ronda L por Whitfield Lovell 2006-2011, carbón sobre papel con tarjeta adjunta, 12 x 9
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En busca de tiempos perdidos por Kate Sammons 2007, carbón vegetal, 20 x 25
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