El dibujo es fundamental para el proceso creativo de Gary Akers, ya que lo ayuda a conocer el tema, decidir la estructura de valores y la composición, y definir el punto focal.
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por Lynne Moss Perricelli
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| El cubo blanco
2007, acuarela, 12¼ x 18¼. Cortesía de Hammer Galleries, Nueva York, Nueva York. |
Gary Akers comienza cada pintura de acuarela con un dibujo, que es una práctica común entre los practicantes del medio. Lo que distingue a Akers es su participación en esta etapa, ya que a veces hace casi una docena de bocetos para una pintura grande. Otros trabajos no requieren tanta planificación, pero casi todos comienzan con un estudio de grafito y acuarela como una especie de prueba para la pieza final. "No hay ningún razonamiento real para nada de eso", dice el artista. "Simplemente hago lo necesario para descubrir cómo componer la pintura final". Sin embargo, él cree que el dibujo es fundamental para su proceso. “Debes poder dibujar para pintar, y me encanta dibujar. Es lo que hago en mi pintura.
Con esto, el artista quiere decir que el dibujo es crítico no solo durante las primeras etapas de una pintura sino también al final, cuando a menudo incorpora el pincel seco para definir el punto focal o agudizar detalles importantes. Drybrush es una técnica mediante la cual el artista utiliza un pincel cargado con cerdas extendidas en su mayoría secas para aplicar detalles finos en áreas pequeñas. El interés de Akers en la técnica proviene de su trabajo con temple al huevo, en el que usa un pincel con punta de aguja para desarrollar una pintura con líneas rayadas. "La calidad lineal del temple al huevo es como dibujar con grafito", describe. "El uso del pincel seco en las acuarelas es una extensión del dibujo de la misma manera, pero no entre en tantos detalles".
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| Cesta de bayas
2005, acuarela, 13¾ x 9¼. Colección privada. |
Akers vive en la costa media de Maine cinco meses al año, y en el área rural de Kentucky por el resto, proporcionándole una gran variedad de temas diversos. La mayoría de sus temas los encuentra "por accidente", dice. “Vienen a mí inesperadamente. Veo la forma en que la luz golpea un objeto, y me gusta la sensación de profundidad o textura que se crea ". De esta manera, busca lo que describe como un" momento decisivo "en el juego de luces a través de las formas y los registros. ideas en bocetos y fotografías, así como en su memoria. Sin embargo, igualmente importante es la conexión emocional que el artista siente con el sujeto. Cellar Light, por ejemplo, el artista bajó una escalera en una antigua casa del sótano y encontró varias cestas de manzanas, papas y nabos bañados por el suave resplandor de la luz de arriba. "La pequeña habitación no tenía ventanas", recuerda el artista. “La única luz provenía de la puerta abierta en el piso. Cuando el sol golpeara la pared de yeso encalado, la habitación se iluminaría como si se hubiera encendido una bombilla. Yo no lo podía creer. Todas las tardes por un corto período aparecería este hermoso triángulo de luz brillante. Era como magia, y el lugar realmente me fascinaba. Me recordó a la granja de mis abuelos y me trajo recuerdos de mis días de infancia”.
Akers comienza cada nueva pintura en el estudio, donde primero hace varios bocetos de grafito para finalizar la estructura de valores y la composición. Luego realiza un dibujo a gran escala en grafito, que puede tomar hasta 10 horas, en la superficie final, que generalmente es el tablero Strathmore 500 series Bristol. La superficie lisa y dura no absorbe el pigmento y el agua, sino que permite que los lavados floten en la parte superior, creando colores más ricos y profundos. "Lo que pones en el tablero al principio es la misma intensidad al final", describe el artista. “Con el papel prensado en frío, se dejan los lavados y se pierde uno o dos valores a medida que la pintura desaparece en el papel”. Otra ventaja del tablero es que la superficie resbaladiza es similar al tablero de yeso que está acostumbrado a usar para el huevo. pintura al temple.
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| Reflexiones en
Estudio rojo 2006, acuarela, 10¼ x 15¼. Colección privada. |
El artista utiliza materiales básicos, sin mostrar preferencias por pinturas y pinceles. Su paleta, organizada de fría a cálida en una paleta John Pike que compró en la universidad en la década de 1970, consiste en azul cerúleo, azul cobalto, azul ultramarino, verde savia, verde oliva, luz roja cadmio, luz amarilla cadmio y ocre amarillo intenso., siena cruda, umber crudo y siena quemada. Sus pinceles son en su mayoría rondas en sable y mezclas, así como el pincel de un pintor de casas y una merluza de 3 ", que usa para colocar en grandes áreas." Abuso de mis pinceles y usualmente obtengo una pintura o menos de ellos ". El artista dice: "Me meto en el papel, en los movimientos, y froto y me froto mucho". Raramente emplea líquido de enmascarar, prefiriendo simplemente pintar alrededor de los blancos.
Akers comienza tendido en los lavados amplios, desarrollando primero los oscuros más oscuros y teniendo cuidado de preservar los blancos. Luego construye los colores y las formas con más capas, permaneciendo constantemente consciente de la estructura de valores que planeó en los bocetos iniciales. Si decide que la pieza necesita más textura y detalles, incorpora el pincel seco, empleando una de dos técnicas. Para mejorar la sensación de textura, como en la piel, la corteza o el césped, usa un pincel sintético viejo para presionar la pintura en su paleta, luego levanta el pincel con las cerdas extendidas en diferentes direcciones y lo aplica al tablero. "Este enfoque conserva cierta sensación de espontaneidad porque no puedo controlar la aplicación de la pintura", dice Akers. En el otro enfoque, el artista sumerge un pincel sable en la pintura, lo escurre con los dedos para hacer una punta afilada, luego coloca líneas finas, que controla para los detalles más precisos. "Cuando he creado demasiados detalles", dice, "reviso las áreas con un lavado para que se mezclen con las áreas circundantes". Admite que el pincel seco no es para todos, principalmente porque requiere más planificación y paciencia, pero él insta a los artistas a probarlo en áreas que pretenden como un punto focal. "Personalmente siento que la combinación de lavados sueltos y detalles apretados hace una pintura fuerte", dice.
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| Luz de la bodega
2006, acuarela, 10¼ x 15¼. Colección privada. |
Cuando Akers comenzó a trabajar en acuarela, después de terminar la universidad en la década de 1970, estudió las pinturas y técnicas de muchos artistas, sintiéndose especialmente atraído por Andrew Wyeth, Winslow Homer y Edward Hopper. Todos estos artistas lo influenciaron significativamente, aunque ahora Akers se siente menos atraído por otros artistas. “Al principio, como muchos artistas, estaba mirando todo. Ahora quiero hacer lo mío y no sigo el trabajo de otros artistas como solía hacerlo”.
Seguir su propio curso ha llevado al considerable éxito y aclamación del artista, con muchos premios y coleccionistas destacados en su haber. Akers atribuye su buena fortuna a su práctica de establecer objetivos, basándose en cada logro anterior. “Cuando recién comencé”, recuerda, “me puse la meta de convertirme en miembro de la American Water Society. Otro objetivo era aparecer en American Artist. Últimamente mis objetivos se han centrado en obtener representación de la galería de Nueva York”. La reciente exposición individual de Akers en las Galerías Hammer de Nueva York da fe de su logro en ese sentido. "Tener mi trabajo en exposiciones regionales y luego nacionales lo expuso a los galeristas y a las revistas, lo que condujo a más galerías y exposiciones", señala. "Por supuesto, todo esto trae más plazos y más estrés, porque no tomo ninguno de los programas a la ligera, pero se han construido uno encima del otro".
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| Maine Memories
1999, acuarela, 19 x 29. Colección privada. |
En todos sus logros como pintor, Akers es principalmente un dibujante, con el acto de dibujar informando cada paso de su proceso creativo. Alentando a otros artistas a dibujar tanto como puedan, sugiere "dibujar lo que sabes y con lo que te puedes identificar", tal como lo ha hecho. Es un consejo que se escucha una y otra vez y, sin embargo, siempre vale la pena repetirlo.
![Grandes Ideas De Pintura De Acuarela - Nada Más Que Flores [acuarela]](https://i.active-artists.com/preview/art-mediums/2953500-great-watercolor-painting-ideas-nothing-but-watercolor-flowers-j.webp "Grandes Ideas De Pintura De Acuarela - Nada Más Que Flores [acuarela]")
