De los miles de libros de instrucción artística disponibles, ofrecemos una lista de aquellos que han demostrado ser beneficiosos para los nuevos artistas.
por Naomi Ekperigin
Hay muchas opciones disponibles para los artistas que desean mejorar sus habilidades. Sin embargo, el compromiso de precio y tiempo requerido para clases privadas o grupales puede ser desalentador para un nuevo artista. Afortunadamente, hay cientos de libros de instrucción artística disponibles para aquellos que prefieren trabajar individualmente y desarrollar habilidades antes de ingresar a un entorno grupal. Los libros también permiten establecer el ritmo de aprendizaje: los estudiantes pueden detenerse y comenzar una lección a voluntad. Aquí, ofrecemos algunos de los libros más populares y útiles para artistas que recién comienzan a perfeccionar sus habilidades y pueden no estar seguros de qué elegir entre todas las ofertas disponibles.
Técnicas de pintura acrílica: Cómo dominar el medio de nuestra época, por Stephen Quiller (Watson-Guptill, Nueva York, Nueva York), combina ejercicios con consejos claros, lo que permite al lector aprender las técnicas utilizadas por artistas profesionales. El autor incluye sus propios estudios a todo color y piezas terminadas, demostrando no solo la versatilidad del acrílico sino también las similitudes entre el acrílico, la acuarela y el aceite.
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La guía completa del artista para dibujar figuras, de Anthony Ryder (Watson-Guptill, Nueva York, Nueva York), se centra en la importancia de aprender no cómo sino qué dibujar. Con esto, Ryder significa que es importante dibujar lo que realmente vemos, en lugar de lo que creemos que vemos. Esto requiere una observación cuidadosa, hacia la cual Ryder guía al lector en su método de dibujo de tres pasos. La técnica ofrecida en este libro permite a los artistas de todos los niveles lograr un mayor realismo, y al incluir su propio trabajo, Ryder es a la vez instructivo e inspirador.
El Manual del artista de materiales y técnicas, de Ralph Meyer (Viking Press, Nueva York, Nueva York), se publicó por primera vez en Inglaterra en 1951, y sigue siendo un elemento básico de muchas colecciones de artistas. Contiene consejos prácticos para usar todos los medios, así como información científica sobre la mezcla de pigmentos, propiedades químicas de los medios e información sobre toxicidad.
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La Guía de Carlson para la pintura de paisajes, de John F. Carlson (Dover Publications, Nueva York, Nueva York), es conocida como una de las guías más útiles para la instrucción de arte. Carlson comparte su vida de experiencias de pintura y enseñanza, e incluye varias de sus propias piezas y diagramas explicativos. El único inconveniente es que las imágenes están en blanco y negro, pero la belleza de sus paisajes realistas aún es evidente.
Color: un curso para dominar el arte de mezclar colores, de Betty Edwards (Penguin Group, Nueva York, Nueva York), ofrece al lector una comprensión de la estructura básica del color mediante una amplia gama de ejercicios. Diseñados para artistas y diseñadores principiantes y experimentados, los ejercicios en el libro de Edwards enseñan a los lectores cómo combinar y mezclar tonos con éxito.
Composition of Outdoor Painting, de Edgar Payne (Deru's Fine Art, Bellflower, California), es una guía clara y completa para pintores al aire libre y todos los artistas que buscan comprender los fundamentos de la composición. Aunque está orientado a los artistas del paisaje, Payne aborda temas tan básicos como el color, el ritmo, la repetición y el valor, que todos los artistas deben tener en cuenta.
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El dibujo para el principiante absoluto y absoluto, de Claire Watson García (Watson-Guptill, Nueva York, Nueva York), se basa en las lecciones que la autora enseña en sus exitosos talleres y cursos en la prestigiosa Escuela de Arte Silvermine, en New Canaan, Connecticut. García incorpora "tareas" y actividades en cada capítulo, incluso proporciona al lector una lista de los suministros necesarios para aprender las lecciones en cada sección. El tono de apoyo del autor y el enfoque práctico son apropiados para los nuevos artistas.
The Elements of Drawing, del destacado artista y crítico del siglo XIX John Ruskin (Universidad de Oxford, Oxford, Reino Unido), se publicó por primera vez en 1856 y sigue siendo relevante para los artistas. Ruskin le da al lector varios ejercicios, primero usando un bolígrafo y tinta, y luego avanzando a lápiz y acuarela. Además de establecer el objetivo de cada ejercicio, también sugiere otras obras de arte que pueden examinarse para su posterior estudio. Este libro fue leído por maestros como Georges Seurat y Claude Monet, y ciertamente es beneficioso para un artista de hoy.
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Hawthorne on Painting, de Charles Hawthorne (Dover Publications, Nueva York, Nueva York), no pretende ser un curso completo sobre pintura, aunque está dividido en secciones sobre el modelo para exteriores, modelo para interiores, naturaleza muerta, paisaje y acuarela. pintura. Aunque no ofrece un curso de estudio general, esta colección de notas tomadas por los estudiantes de Hawthorne a lo largo de sus 31 años de enseñanza en la Escuela de Arte de Cape Cod ofrece pepitas de sabiduría y consejos eternos para pintores principiantes y avanzados.
El nuevo dibujo en el lado derecho del cerebro, de Betty Edwards (Harper Collins, Nueva York, Nueva York), ha sido traducido a más de 10 idiomas y ha vendido más de dos millones de copias desde que se publicó por primera vez en 1979. Inspirado Mediante una investigación psicológica de la década de 1960, Edwards aplicó los conceptos de actividad cerebral derecha e izquierda a la tarea de aprender a dibujar. Ella presentó técnicas mediante las cuales puedes acceder conscientemente al lado derecho del cerebro al dibujar, lo que te ayuda a dibujar o pintar lo que ves en lugar de lo que sabes. Aunque esto puede parecer obsoleto para los artistas que trabajan hoy, ha ayudado a muchas personas que sintieron que eran incapaces de dibujar o que no estaban seguros de cómo comenzar.
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