Acuarela: Charles Reid: Acuarelas Naturales Y Auténticas

2023 Autor: Amelia Goldman | [email protected]. Última modificación: 2023-05-24 12:45

Reconocido por sus acuarelas de la figura, este artista recuerda a otros que simplifiquen, fusionen el tema con el fondo y respondan de una manera que sea natural y auténtica.

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Acuarela: ¿Cuál es tu formación en tu arte? ¿Cómo adquiriste tus habilidades en dibujo y pintura?

Big M 1998, acuarela, 30 x 21. Colección del artista.

Charles Reid: Cuando tenía 16 años, tomé el curso por correspondencia de la Famous Artists School, y aprendí mucho de las "críticas pintadas". Envié mi trabajo y luego hice correcciones basadas en la crítica que recibí. Fue una experiencia fabulosa. También tuve dos años y medio intensivos en la clase de Frank Reilly en la Art Students League de Nueva York. Era muy formal y académico, y era la única clase académica en la liga en ese momento, a principios de la década de 1960, porque era un período expresionista abstracto fuerte. Sacamos de la figura todas las mañanas y pintamos por la tarde o viceversa. Trabajamos con valores y no mucho con color. Más tarde enseñé en la Escuela de Artistas Famosos durante 10 años. Todo este tiempo dedicado a pintar y dibujar realmente me ayudó.

W: Eres especialmente conocido por tus pinturas figurativas. ¿Qué te atrae de este tema?

CR: Mi primer entrenamiento fue en pintura de figuras. Capturar la personalidad y el gesto de una modelo me fascina.

W: ¿Cómo decides una pose?

Tumbona, Baccaro, Nueva Escocia 2005, acuarela, 24 x 20. Colección privada.

CR: El modelo adopta una postura que es natural y cómoda, y la ajusto si es necesario para que sea agradable.

W: ¿Cuál es su enfoque general para pintar la figura en acuarela?

CR: Creo en el dibujo de contorno, y siempre conecto la figura al fondo. El dibujo es crítico para la figura en acuarela. La gente puede salirse con la suya dibujando mal con un trabajo audaz y libre, pero el dibujo tiene que ser adecuado para la figura y los retratos. Comencé a dibujar contornos a fines de los años setenta y ochenta, cuando viajaba mucho. Dibujé gente en los aeropuertos y descubrí que dibujar en el lugar es la forma más fácil de aprender a dibujar la figura. No es dibujar contornos en el sentido tradicional de no mirar el dibujo, pero mirar y dibujar en el acto es muy útil. He tenido buen éxito en clase con personas que aprendieron la figura de esta manera.

Aprendí a pintar al óleo, trabajando desde la mitad de la oscuridad hasta las luces, y pinto en acuarela de la misma manera, en lugar de comenzar con la luz y oscurecer. Nunca tuve lecciones de acuarela aparte de una breve introducción al medio, así que básicamente me enseñé a mí mismo. No uso el acristalamiento y trabajo directamente. A veces aplico un lavado ligero para tonos de piel, y luego me pongo en el medio a valores oscuros y trabajo a los valores más claros, suavizando los bordes a medida que avanzo. Siempre agrego al menos la mitad de la oscuridad al principio. Utilizo la misma paleta de colores en óleo y acuarela, y nunca me he preocupado por los pigmentos transparentes u opacos, ya que no estoy esmaltando.

Dave / Trinidad 2002, acuarela, 24 x 17. Colección del artista.

W: ¿Cómo evitas que te vuelvas demasiado detallado y específico en tu descripción de la figura?

CR: Pintar, como otras formas de arte como el jazz, es un "acontecimiento". Cuanto más sepas, mejor. En otras palabras, cuanto más sabes, más puedes improvisar. Tienes que saber lo que estás haciendo, pero una vez que tienes las habilidades, puedes inventarlo a medida que avanzas. No planeo fotos per se. Acabo de empezar a dibujar y pintar. Me parece que los pequeños bocetos preliminares no funcionan. No se traducen bien a un formato más grande. Y es más divertido no tener un plan. Intento fingir que no sé pintar, así que la experiencia es nueva cada vez. No quiero que mis pinturas se vean demasiado practicadas o repetitivas. No estoy contento con los errores, pero son esenciales para mantener una sensación de frescura. Quiero pintar cosas que están vivas. Me parece que algunos acuarelistas pueden ser tan buenos técnicamente que el trabajo parece muerto. He pintado tanto tiempo que no quiero seguir pintando las mismas cosas de siempre.

W: ¿Cómo lograr un equilibrio entre controlar el medio de acuarela y trabajar de una manera que aproveche al máximo sus cualidades inherentes de espontaneidad y luminosidad?

Trinidad amigo 2002, acuarela, 15 x 18. Colección privada.

CR: La pintura debe consistir en la proporción correcta de pintura y agua, y saber dónde se han perdido y encontrado bordes es muy importante. Trabajo muy lentamente, lo que puede ser una sorpresa porque la mayoría de la gente piensa que pinto libremente. Eso es una ilusión. Cada golpe cuenta. Menos golpes con más pensamiento es mejor. Cuando miro a mi sujeto, si entrecerro los ojos y pierdo un borde, lo pierdo en la pintura de inmediato. También pierdo los bordes en las sombras o los que están retrocediendo. Mantengo los bordes más duros, los de la luz. Desea una regla de mitad y mitad, donde se pierden la mitad de los límites y la mitad. Pero todo esto se hace con cuidado y con gran pensamiento. La gente piensa que soy espontáneo, pero no lo soy.

W: ¿Por qué la acuarela es tu medio principal?

CR: Me encanta pintar en óleo y acuarela por igual, pero soy más conocido como acuarelista. Diez de mis 11 libros han sido sobre acuarelas.

Arco natural, Bermudas 1990, acuarela, 15 x 20. Colección privada.

W: ¿Cuáles consideras que son los consejos más importantes que ofreces a los artistas que enseñas?

CR: Simplifique, sepa lo que quiere decir, retroceda de vez en cuando y mire su imagen al revés y vea si funciona.

W: Tu carrera como maestro incluye talleres y muchos libros de instrucción. ¿Cómo han beneficiado estas empresas su propia obra de arte y su vida como artista?

CR: Mi esposa y yo tenemos una vida muy interesante mientras viajamos a lugares maravillosos y conocemos gente encantadora. Pinto mucho en los 15 talleres que hago cada año, y me encanta escribir los libros. Es la resolución de problemas: ¿cómo me expreso más sucintamente? No creo que los libros hayan afectado mi pintura, pero sí me muestran lo importante que es la brevedad. La brevedad es importante en la escritura y en la pintura. Los dos se cruzan, y trato de mantenerlos a ambos lo más simple posible.

Skiff and Lobster Trap, Nueva Escocia 1998, acuarela, 15 x 20. Colección Judy Reid.