Después de completar más de 400 retratos en acuarela de niños, Jane Paul Angelhart sabe cómo evitar posibles problemas con pinturas embarradas, posturas inusuales, niños nerviosos y madres dominantes.
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por M. Stephen Doherty
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| Bailarinas
1998, acuarela, 30 x 22. Colección el artista. |
"Advierto a otros artistas que aunque pintar retratos de niños en acuarela puede ser una empresa muy rentable, también puede ser un negocio difícil, especialmente para un pintor que realmente quiere seguir su propia agenda", dice Jane Paul Angelhart. “Para la mayoría de los clientes, la comisión representa un compromiso financiero importante y los involucra en un proceso desconocido. No están seguros de qué esperar, y están acostumbrados a ver a sus hijos en instantáneas o fotografías escolares, ninguna de las cuales representa realmente la personalidad que un artista querrá capturar en una pintura. Como resultado, los pintores tienen que pasar mucho tiempo ayudando a los clientes a comprender cómo funciona mejor el proceso y por qué puede no ser lo que esperan.
"No pude encontrar a nadie que me enseñara cómo navegar por las aguas traicioneras de los retratos comisionados, por lo que me tomó un tiempo descubrir los aspectos técnicos del uso de la acuarela y el lado profesional de trabajar con clientes que pagan", recuerda Angelhart. “Experimenté durante años para encontrar una paleta de pigmentos que produjeran tonos de carne luminosos y realistas. Cuando comencé a pintar en acuarelas, el conjunto estándar que uno podía comprar tenía los elementos básicos (negro, blanco chino, ocre amarillo, siena quemada, umber quemado, viridian, azul ultramarino, amarillo de cadmio y rojo de cadmio). Estos pigmentos son adecuados para pintar con óleo, pero no eran lo suficientemente transparentes y vibrantes para mis pinturas de niños en acuarela. También evalué por qué algunas comisiones eran más difíciles de completar que otras para no repetir mis errores. Finalmente, descubrí cómo mantener una carrera rentable y satisfactoria, y luego comencé a enseñar a otros artistas para evitar que pasen por las mismas dificultades ".
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| Betty Jean
1990, acuarela, 22 x 18. Colección el artista. |
Angelhart cubre todos los aspectos del retrato en sus clases, talleres y en su nuevo DVD, pero el componente más crítico es la selección de los colores del tubo y la secuencia de la aplicación en papel de acuarela. "Después de haber mapeado cuidadosamente las características del niño, me muevo directamente con lo que llamo los 'colores del circo'", explica. “Esos pigmentos incluyen colores puros de quinacridona y verdes, colores brillantes y vivos que luego atenúo cuando aplico lavados posteriores. Es fácil atenuar un color, pero es difícil hacer que un color mate sea más vivo en acuarela. Los colores brillantes agregan profundidad e interés a la pintura, brillando a través de las capas y creando complejidad. Evito usar azules y púrpuras en las primeras etapas porque pueden enturbiar los colores y hacer que la piel parezca magullada o cansada”.
Para llegar a esta etapa de aplicar lavados de “colores de circo”, Angelhart pasa por un proceso de tomar cientos de fotografías digitales de su sujeto, seleccionar la mejor de esas instantáneas, desarrollar un dibujo a gran escala y transferir las líneas importantes de la imagen. dibujando y extendiendo su paleta. Cada paso es importante para capturar un sentido de la verdadera personalidad del niño, así como su semejanza. "He aprendido de todos mis años haciendo retratos que tengo que tener el control de la situación de principio a fin para crear una pintura que me satisfaga a mí y al cliente", explica. "Cualquiera puede hacer una copia exacta de una fotografía, pero se necesita mucha planificación y control cuidadoso para desarrollar una acuarela que realmente capture la personalidad de un niño".
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| Bailarín
1998, acuarela, 15 x 11. Colección el artista. |
Un aspecto importante para establecer el control es tener una conversación con un cliente para aclarar los parámetros de la comisión. "En términos generales, mis clientes son familias de clase media, no grandes corporaciones o herederas ricas, por lo que el costo de un retrato es una cantidad significativa de dinero para ellos", explica Angelhart. "Tienden a preocuparse por comprometerse con los gastos sin saber si realmente les gustará la pintura terminada, así que los tranquilizo y me doy la libertad necesaria diciéndoles que usaré a su hijo como sujeto de una pintura, y si quieren comprar la pintura, eso es genial; pero si no quieren comprarlo, lo guardaré para mi cartera. Al final, el 99 por ciento de ellos comprará el retrato, pero al darles opciones alivie su ansiedad y evito que los clientes tomen el control del proceso. Quiero saber qué tamaño de pintura tienen en mente, dónde pretenden colgarlo y si ya tienen retratos de otros miembros de la familia; pero no quiero que la madre pose a los niños, mire por encima de mi hombro mientras tomo fotografías o le diga al niño que sonría. Dejo en claro que quiero estar solo con el niño para que él o ella puedan conocerme y lo que haré; y les hago saber que no verán nada hasta que la pintura esté terminada ".
Angelhart viaja a la casa del cliente para que pueda fotografiar a los niños en un espacio donde estén relajados y cómodos. Si el clima lo permite, fotografía a los niños en su patio trasero o en un área de juegos. Si una pose al aire libre es imposible, el artista trabajará cerca de una ventana en la casa, preferiblemente en un dormitorio o área de juegos donde el niño esté tranquilo. "El punto es bajar al nivel de los niños, tanto física como mentalmente, y desarrollar un sentido de confianza y comodidad que les permita relajarse y ser ellos mismos", explica el artista. “Intento que me cuenten sobre ellos mismos: sus lugares favoritos, las actividades que más les gustan, sus mascotas, etc. y respondo cualquier pregunta que puedan tener sobre mi interés en pintar su retrato ".
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| Beth Con Snorkel
1998, acuarela, 20 x 28. Colección privada. |
Mientras se encuentra con el niño temprano en la mañana o al final de la tarde cuando la luz del sol es cálida y baja en el cielo, Angelhart toma cientos de fotografías en diferentes lugares, con y sin accesorios, y en diferentes ángulos (perfil, tres cuartos y cara completa) En la mayoría de los casos, Angelhart se encuentra a cierta distancia del niño y usa una lente larga para que el niño o la niña sean menos conscientes de mirar directamente a la lente, por lo que las fotografías resultantes serán más precisas con menos distorsión de la lente. "Aunque a veces las primeras fotografías resultan ser las mejores, en la mayoría de los casos son los últimos cuadros los que realmente capturan la verdadera personalidad del niño, porque se toman cuando el niño o la niña se ha olvidado de la cámara y está completamente relajado, "Explica el artista. "En ese momento no están preocupados por las poses o su postura, su expresión o sus gestos".
Aunque Angelhart les permite a los niños encontrar su posición más natural, ella trata de hacer que posen para que no tengan una sonrisa amplia y con dientes en sus caras. También tiene cuidado de que la luz del sol no atraviese sus caras y arroje sombras extrañas, y obtiene algunas fotografías con la luz del sol detrás de la cabeza del niño. "Una vez que los niños aceptan mis sugerencias, les pido que se sienten y se paren en varios lugares alrededor del patio o en el hogar".
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| Chase y Summie
2006, acuarela, 22 x 30. Colección privada. |
Una vez de vuelta en su estudio, Angelhart descarga todas las fotografías digitales a su computadora y revisa cuidadosamente cada imagen para identificar las tres o cuatro que se pueden usar para crear el retrato más atractivo y característico del sujeto. Realiza ampliaciones en color de esas fotografías para utilizarlas como referencia y desarrolla un dibujo de grafito bastante detallado en una hoja de papel del tamaño de la pintura prevista. Una vez que está satisfecha con ese dibujo, transfiere cuidadosamente un número mínimo de líneas a una hoja limpia de papel de acuarela prensado en frío Arches de 300 lb o un peso similar de papel Fabriano. "Quiero mantener la cantidad de grafito en el papel de acuarela al mínimo, así que solo uso puntos o líneas cortas para indicar la ubicación de puntos de referencia como el ancho de los ojos, la parte inferior de la nariz, los bordes de la boca, y así sucesivamente ", explica el artista. La mayor parte del 'dibujo' en el papel de acuarela se realiza con el pincel con colores muy pálidos y sin manchas. Angelhart llama a esto el plano o mapa para su pintura.
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| Mona Lisa Eyes
2004, acuarela, 22 x 15. Colección privada. |
Con sus fotografías de referencia iluminadas en la pantalla de una computadora cercana, Angelhart comienza a mapear los rasgos faciales con los cepillos redondos Loew-Cornell Serie 7020 (números 4 a 12) y colores brillantes y transparentes, como el oro de quinacridona, el naranja quemado de quinacridona, el coral de quinacridona, rojo antraquinona, naranja perinona, naranja amarillo, oro verde, verde oliva (Holbein), verde ftalocianina, azul manganeso, azul ultramarino, azul cobalto, violeta cobalto y ópera. "Los colores de la tierra, como el amarillo ocre, la siena quemada y el ámbar crudo, pueden combinarse para crear excelentes tonos de carne en la pintura al óleo, pero son demasiado granulados y fangosos para la acuarela", dice. “Tengo algunos cadmios disponibles para situaciones especiales, pero prefiero comenzar con los colores más brillantes y vibrantes que pueda encontrar, y luego los modulo cuando pinto las sombras o cuando floto lavados de color sobre las primeras capas de pintar."
Establece las áreas de sombra agregando colores complementarios a los colores cálidos de la carne, por ejemplo, un azul cobalto o verde oliva caído en un charco de quinacridona naranja quemada. "Es importante no saltar demasiado pronto con azules y lavandas fríos que harán que las formas de las sombras parezcan duras", explica. “Esos acentos fuertes están bien para los adultos que tienen estructuras faciales angulosas, pero son demasiado afilados para la piel suave de un niño. Se necesita muy poca pintura para poner una mejilla o representar una sombra proyectada junto a la nariz en la cara de una persona joven”.
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| Grands Candler
2007, acuarela, 22 x 30. Colección privada. |
Angelhart pasa bastante tiempo definiendo los rasgos faciales porque son críticos para el éxito del retrato. “A diferencia de muchos otros artistas, inmediatamente establezco los reflejos en la nariz, en los ojos y alrededor de la boca pintando un color tenue alrededor del área que se dejará blanca; y establezco muchos otros detalles finos desde el principio. Siempre puedo ajustarlos más tarde, pero me resulta útil tener esas áreas críticas establecidas antes de llegar muy lejos en el proceso de pintura. Los lavados posteriores suavizan estos detalles más adelante ".
Una vez que la cara del niño se ha definido claramente, Angelhart bloquea la masa del cabello y el fondo del niño. "Tengo que tener una idea de una gama completa de valores para saber cómo equilibrar la composición general", dice ella. “Pinto el cabello y el fondo con pinceladas mucho más sueltas de color húmedo sobre húmedo. El fondo es el lugar donde me divierto con mezclas de colores y lavados al azar ".
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| Phillip
2006, acuarela, 30 x 22. Colección privada. |
Una vez que Angelhart ha marcado las áreas más oscuras de la composición, puede volver a la cara para agregar capas de color para profundizar y enfriar las sombras, intensificar el rosa en las mejillas, oscurecer la forma del labio superior y puntuar las esquinas de la boca. "En un taller, les muestro a los estudiantes cómo mezclar colores en la superficie del papel de acuarela en lugar de en la paleta", explica. “Mientras menos pigmento se cepille, más brillantes serán los colores. Les muestro cómo colocar la pintura en el papel o dejarla caer en un área húmeda y luego persuadir a los colores para que fluyan donde los quiero ".
El último paso en el proceso de pintura es resolver la pintura de los ojos del niño. "Hay muchas cosas que hago antes de pronunciar una pintura terminada", explica. “Por lo general, tomo fotografías digitales mientras pinto y convierto una de las tomas en una impresión en blanco y negro para poder volver a verificar los valores; y constantemente miro la imagen inversa de la pintura en un espejo para buscar distorsiones leves. Los ojos son la primera y la última consideración en el proceso de pintura, por lo que los reviso por última vez antes de agregar mi firma a la pintura.
"Pintar un retrato en acuarela es muy parecido a criar a un niño", concluye Angelhart. "Es un buen equilibrio entre dejar que los colores transparentes y vibrantes crezcan y florezcan en direcciones inesperadas, sin embargo, ser un guía cuidadoso y atento que entrena y observa".
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| Kerry
2006, acuarela, 22 x 16. Colección privada. |
