Pastel: Patricia A. Hannaway: Dibujando Lo Que Está Haciendo La Modelo

2023 Autor: Amelia Goldman | [email protected]. Última modificación: 2023-05-24 12:45

La californiana Patricia A. Hannaway enfatiza que los mejores dibujos de seres vivos honran la línea de acción y el gesto, sugiriendo sus movimientos en el pasado, presente y futuro recientes. Este enfoque dinámico y cinematográfico tiene sentido para alguien que se ha hecho un nombre como animadora exitosa.

¿Te gusta lo que lees? Suscríbete a Dibujo hoy!

por Bob Bahr

Actitud 2006, pastel sobre papel tonificado, 21 x 12. Todas las ilustraciones de este artículo colección del artista.

Cuando Patricia A. Hannaway ve algunas de las pinturas más dinámicas de Tintoretto, ve el trabajo de un animador. "Juraría que una pintura de Tintoretto se movió cuando no la estaba mirando directamente", exclama. “Las cifras están en transición de un movimiento a otro; ¡Están llenos de energía! Me atrae esa energía ".

Hannaway es parcial de alguna manera: es mejor conocida por su trabajo en el campo de la animación. La artista con sede en California fue la animadora principal del personaje de Gollum en El señor de los anillos: Las dos torres, y también trabajó en las películas animadas Shrek y Antz. Se cortó los dientes en el departamento de animación de Walt Disney Feature Animation, donde trabajó en Mulan. Sus esfuerzos artísticos también le han valido el reconocimiento; Está representada por Kathleen Avery Fine Art, en Palo Alto, California. Pero cuando Hannaway ve que algunos de los dibujos académicos son creados por artistas realistas contemporáneos, queda consternada. "Completar el contorno externo, denominado 'sobre', no es la forma en que muchos de los Viejos Maestros dibujaron en absoluto", afirma. “El sobre endurece el dibujo, es por eso que muchos dibujos académicos pueden ser firmes y fijos. Son solo modelos en un stand. No respiran ni se mueven. Pero la vida está en continuo movimiento ".

Comience con la línea de acción Hannaway cree firmemente que el La mejor manera de comenzar un dibujo es primero establecer la línea de acción, una línea que muestre la forma, la fuerza y la dirección del movimiento de la figura. "La línea de acción no es el contorno externo", dice ella. "Debes dar un salto conceptual y considerar cuál es la acción". Dibuja la forma del movimiento, no la cosa, dice el artista. Ella aboga por mantener su bolígrafo o lápiz en la superficie mientras dibuja y dibuja desde su hombro, no desde su mano. Levantar el punto del papel rompe su línea de pensamiento y hace que pierda su lugar, y Hannaway dice que todo debe ir a la página en un solo flujo. "Una vez que hayas mejorado en la representación de la línea de acción, encontrarás que sirve como una especie de percha, y todos los detalles simplemente cuelgan", explica. “La perspectiva estará en eso, todo. Es asombroso." CLICK PARA AGRANDAR. Para este artículo, el artista dibujó la línea de acción para tres etapas de un lanzador de béisbol lanzando una pelota. En el boceto en el extremo izquierdo, el lanzador se está enrollando para lanzar, y Hannaway comenzó en el pie derecho del lanzador, donde sintió que la acción comienza, y dibujó la línea de acción a través de la pierna, a través de la espalda y dentro del espiral. brazo. "La energía proviene de los pies y la tensión se enrosca en el brazo de la herida", afirma. Los siguientes dos bocetos muestran líneas de acción que indican la fuerza que abandona el cuerpo a través de la mano que lanza. El gesto es exagerado, pero Hannaway lo frenó más tarde cuando desarrolló el dibujo. El boceto a la derecha ilustra cómo las líneas de acción muestran no solo la dirección sino también la fuerza. Observe cómo una línea que se inclina hacia arriba a lo largo de la espalda de la figura sugiere una fuerza relativamente pequeña, mientras que la línea de la espalda que se inclina hacia afuera implica un fuerte empuje. "Al comenzar con la línea de acción y permanecer en ese estado de ánimo, te mantienes en modo de búsqueda", dice Hannaway. “Si está enfocado en el contorno, encontrará que está pensando en la necesidad de hacer que una parte u otra se vean de cierta manera: se encontrará relacionando las piezas en lugar de relacionar la idea. La idea es la acción, y esto es lo que necesita ser comunicado ".

Estudio de figura masculina 2007, pastel sobre papel tonificado, 18 x 11.

La educación del artista se basó en lo tradicional. Se especializó en historia del arte en Smith College, en Northampton, Massachusetts, y obtuvo un MFA de la Academia de Arte de Nueva York. Pero un segundo MFA, este en animación por computadora, obtenido en la Escuela de Artes Visuales, en la ciudad de Nueva York, señaló su carrera actual, y cuando Hannaway fue a trabajar para Disney, sintió que estaba cruzando algún tipo de línea hacia ilustración comercial Hannaway ahora siente que el movimiento fue todo lo contrario. "Puedo hacer cualquier cosa, puedo hacer que cualquier cosa parezca una fotografía, pero descubrí que era un callejón sin salida", dice ella. "Me sorprendió encontrar un sentimiento de conexión con los Viejos Maestros a través de la animación". Comenzó a notar la línea de acción prominente en los dibujos de Miguel Ángel y Rubens. Ella vio cómo Kollwitz y Degas construyeron sus dibujos sobre el gesto más grande de la figura. Observó los martillos oscilantes, los caballos de cría y la lucha vigorosa representada en los cuadernos de Leonardo y los fugaces momentos capturados en la obra de Velázquez. Y se maravilló del dinamismo de los sujetos de Tiepolo. "Sus figuras giran y giran y son muy exageradas, pero de alguna manera todavía funcionan en sus pinturas", dice Hannaway. “Probablemente nunca verás a nadie girando o apretando tanto como algunas de sus figuras; si lo intentaras, probablemente te romperías la espalda. ¿Pero a quién le importa?"

Estudiar para la tempestad 2006, carbón y tiza sobre papel tonificado, 24 x 18.

El punto no es la exageración. Es cómo se usa la línea de acción, el gesto, para avanzar en la idea compositiva más amplia. "A veces distorsiono las formas del cuerpo para acentuar la línea de acción", dice ella. “Lo que sea que haga que el dibujo funcione y se lea correctamente en papel, eso es lo que intento lograr. No copio lo que veo; Empujo la pose, usando el modelo como referencia”. Hannaway enfatiza que un artista siempre puede atenuarlo si la línea de acción es demasiado extrema. "Pero siempre vaya al extremo, luego retírelo", aconseja. “Es muy difícil hacer que una pose amortiguada sea más dinámica. Hago que la línea de acción sea más extrema de lo que es en la vida real, de modo que cuando renderizo encima de ella, queda algo de movimiento”.

Las figuras que participan en movimientos dramáticos no son las únicas con una línea de acción. Cualquier cuerpo que tenga peso tiene una línea de acción. En una figura de pie, la línea de acción describe cómo el cuerpo maneja el peso: qué pierna soporta más, si la cadera está inclinada, qué hombro responde con una leve inclinación, cómo se curva la columna vertebral, incluso cómo se sostiene la cabeza por el cuello "En una pose de pie, la fuerza de la acción es el peso que cae al suelo", dice Hannaway. Determinar dónde está el peso, la compresión o la extensión en una pose da dirección a dicho dibujo y determina el centro de interés.

Huelga! 2005, carbón sobre papel crema, 24 x 18.

El artista tiene algunos consejos simples para los dibujantes que quieran aprender cómo poner la línea de acción de manera rápida y precisa: ir al zoológico y dibujar monos. Te obligarán a capturar simplemente la forma en que se mueven; no se detendrán lo suficiente como para realizar un procesamiento cuidadoso. "No puedes capturar sus contornos", dice el artista. “Pero puedes capturar la línea de acción y, en consecuencia, la esencia del mono. Observe la transferencia de peso, las acciones típicas, cómo se sienta. Aprende el carácter del animal. Vea cómo se cuelga y se desploma, cómo funciona la tensión en su cuerpo. No puede preocuparse por la mosca en su oído u otros detalles”. Hannaway enfatiza la línea de acción hasta el punto de que está dispuesta a sacrificar la corrección anatómica, y cita a Goya como un ejemplo convincente de este concepto, en particular los dibujos altamente efectivos. de su serie Los desastres de la guerra. "A nadie le importa que la anatomía de un brazo o un hombro no esté bien en uno de ellos", explica el artista. "La forma en que se dibuja el brazo sirve la poderosa idea detrás del diseño del dibujo". Puede ser difícil ignorar la técnica en la mayoría de los casos, pero Hannaway sirve a un maestro diferente. Ella está en una búsqueda incesante de "la idea", y esa idea se expresa más en las líneas de acción de las figuras en sus piezas que en su información de superficie. Su arte es sobre cosas que suceden, eventos que ocurren o que están por ocurrir. Ella lo compara con el cine, excepto que un pintor está limitado a un solo cuadro. Este artista valora lo cinestésico sobre lo meramente exacto.

Lejos 2006, pastel y tiza en papel tonificado, 20 x 10.	¡Victoria! 2007, carbón en papel crema, 24 x 18.

De hecho, la esencia del enfoque de Hannaway está encapsulada en un lema que su mentor, Jim Smyth, expresó: "Dibuja lo que está haciendo la modelo, no lo que parece". Explica que esta forma de pensar promueve un diálogo entre el artista. y el modelo, que le permite al artista capturar las relaciones más grandes y "sentir" la pose en su propio cuerpo mientras dibuja. “Mi proceso de pensamiento mientras dibujo es: el modelo está haciendo esto y algo así: me comprometo con lo que está haciendo el modelo y mentalmente tomo la postura, sintiendo el movimiento en mi propio cuerpo. Esto se transfiere a la página a través de una línea energizada; el dibujo procede de un sentimiento interno hacia afuera. En contraste, cuando el foco está en cómo se ve el modelo, este diálogo se cierra. De repente, el dibujo se centra en los detalles de la superficie y en el dibujo de un contorno externo. Progresa a 'rellenar' un contorno en lugar de 'sentir' las relaciones más grandes y el peso. ¡Nada mata un dibujo más rápido que ese proceso de pensamiento! Solo renderizo lo que realza el gesto ". Hannaway menciona que la palabra animado proviene del latín animatus:" para dar vida ".

Si alcanzar el delicado equilibrio entre una línea de acción fuerte y una línea inapropiadamente exagerada es una tarea difícil, la aversión de Hannaway a los dibujos bien representados plantea una tarea aún más difícil: saber cuántos detalles son suficientes, saber cuándo detenerse. "El dibujo de animación, y en mi opinión, los grandes dibujos de bellas artes en general, favorecen solo capturar lo que es esencial para un personaje o forma en lugar de representar las cualidades superficiales de una forma", explica el artista. "Un buen dibujo funciona de adentro hacia afuera, de lo general a lo específico". Lo resumió simplemente diciendo que más detalles no dan como resultado una mayor verdad o precisión. "El discernimiento intelectual de qué enfatizar es la gran delicia de hacer un dibujo atractivo y animado", explica Hannaway. “Un movimiento estresante de dibujo es más veraz que una fotografía que congela una figura en un instante de tiempo. Los grandes artistas pretenden capturar la esencia del modelo, y eso es lo que buscan los animadores”.

Los bailarines 2006, carbón sobre papel crema, 18 x 24.	Las tres gracias 2006, carbón y tiza en papel tonificado, 26 x 21.

Ella recuerda con cariño cómo Disney arregló para que un lagarto gigante visitara sus oficinas cuando los animadores necesitaban estudiar el movimiento del animal para crear un personaje, y cómo los artistas pasarían un día dibujando un halcón vivo en preparación para una escena particular con ese pájaro en eso. "Dibujar es como respirar en Disney", dice Hannaway. “La gente de allí ni siquiera lo piensa, es tan natural y son tan buenos en eso. Entonces, en lugar de dibujar lo que ves, dibujas para entender algo”. No es que dibujar no sea importante; Hannaway todavía se basa en la vida al menos 10 horas a la semana, y su idea de un buen día es dibujar a los clientes en un café durante horas. Pero el dibujo no se trata de mostrar o justificar una técnica o crear una imagen fotográfica. Es construir un banco de imágenes mentales; para observar y aprender sobre su entorno, física y humanidad; e internalizar los elementos más importantes de poses y formas para que pueda hacer que sirvan a sus propósitos. "El diseño en una composición siempre es la prioridad: sacrificaré todo por el diseño", dice el artista. “Luego, según el diseño, saco cosas que quiero enfatizar. Es selección, y tiene muy poco que ver con pintar lo que veo. El diseño está determinado por la idea, y la idea es lo que deseo transmitir ".

Sensibilidad 2007, pastel sobre papel tonificado, 21 x 13.

Recientemente, eso ha significado pinturas figurativas temáticas a gran escala. Hannaway ejecuta muchos estudios de carbón y gouache en preparación para una pintura, luego pinta pequeños estudios al óleo para resolver la iluminación de la pieza y aclarar la composición. Los acontecimientos actuales y el comportamiento humano contemporáneo constituyen el tema. "Creo que es importante que los artistas sean la conciencia de su época", dice ella. “Es bueno aprender sobre los materiales y habilidades de siglos pasados, pero el arte debería ser de nuestro mundo. Estoy buscando significado en la condición humana ".