Acuarela: Carla O ' Connor: Figuras En Acuarela Y Gouache

2023 Autor: Amelia Goldman | [email protected]. Última modificación: 2023-05-24 12:45

Uno de los objetivos de Carla O'Connor en un taller es persuadir a los estudiantes para que dejen de pensar en las herramientas de la pintura al agua (pinceles, pinturas y papel) y se concentren en la expresión. Para ella, centrarse en los materiales es como preguntarse si un gran escritor usó un lápiz número 2, un bolígrafo o una computadora para revelar sus pensamientos más profundos.

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por M. Stephen Doherty

Modelo de nueva york 2007, acuarela y gouache, 30 x 20. Todas las ilustraciones de este artículo colección del artista a menos que se indique lo contrario.

Los estudiantes en mis talleres pueden enfadarse mucho al verme aplicar continuamente y luego lavar capas de gouache”, dice Carla O'Connor. “Piensan que debería ser más deliberado. Lo que tengo que explicar es que el proceso es una parte esencial de cómo me expreso. Además, ¿a quién le importa si uso los materiales económicamente si termino con una pintura que no significa nada para mí?

Ese proceso aparentemente sin rumbo le permite a O'Connor crear pinturas magistrales que resuenan con otros artistas, jueces de exhibición, curadores y coleccionistas. Solo el año pasado fue invitada a realizar 15 talleres, juzgar cuatro exhibiciones internacionales, participar en tres exhibiciones grupales y ayudar a juzgar los premios para la exhibición de la American Water Society de 2008. Una de esas exposiciones colectivas, la Exposición por invitación de los Maestros contemporáneos internacionales de Watermedia, continúa viajando por China y Taiwán y se documentó en un libro de 76 páginas.

O'Connor tiene la notable capacidad de integrar figuras representativas en espacios pictóricos abstractos, un enfoque que ha trabajado mucho para desarrollar durante su carrera. "En un nivel u otro, cada artista aborda las cualidades abstractas de las imágenes y la ilusión de una realidad tridimensional en una superficie bidimensional", comenta. “Para mí, casi siempre necesito relacionar lo que estoy haciendo con una forma humana, y la mayoría de las veces esa forma es una mujer. A veces pinto hombres y niños, pero experimento el mundo como una mujer, y ese es el mejor punto de referencia para mí ".

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El artista presenta figuras de una de dos maneras, ya sea al comienzo del proceso creativo o después de que una rica superficie de colores, formas, líneas y texturas esté bien establecida. “No puedo explicar por qué sigo un enfoque u otro, pero a veces empiezo con una figura que se convierte en la clave de la pintura; otras veces busco un método más intuitivo para permitir que una figura emerja del interior de una pintura y me sorprenda”, explica O'Connor. “Las figuras generalmente se basan en dibujos o pinturas hechas de una modelo que posó para un taller, o alguien que contraté para que viniera a mi estudio para poder fotografiarla en blanco y negro. Si la pose de la modelo o la expresión de su rostro me sugieren algo, comienzo la pintura estableciendo su forma en el papel y luego construyo la pintura a su alrededor. Puedo responder a las sugerencias de que su cuerpo gire, se doble, se estire o se agache; o podría empatizar con las emociones expresadas en su rostro, voz o gestos, y esas se convierten en la razón para pintar la imagen.

Piedras sagradas 2006, gouache, 30 x 22.

"La motivación para pintar puede ser algo tan simple como la forma de la camiseta de una modelo o la elegante extensión de sus brazos", continúa la artista. “A menos que sienta una fuerte conexión emocional con la persona que necesita convertirse en el contenido de la pintura, solo evalúo las formas en el cuerpo, la ropa y el entorno de la modelo. No todas las pinturas rezuman contenido, pero siempre hay un mensaje que descubrir y transmitir a través del lenguaje corporal de la modelo y los patrones que creo a su alrededor para respaldar eso.

"El segundo enfoque es agregar la figura más adelante en el proceso de pintura y asegurarse de que la forma humana no sea la parte dominante de la pintura", agrega O'Connor. “Solo pongo un color, agrego otro, lavo la pintura y repito ese proceso hasta que estoy satisfecho con las formas, patrones, texturas y colores. A lo largo de esas etapas, trato de evitar visualizar la pintura terminada porque no quiero que ninguna de mis decisiones se tome en anticipación de lo que vendrá después.

"Debido a que creo que es importante permanecer en el momento y no anticipar el proceso creativo, aconsejo a los estudiantes que identifiquen el punto focal más obvio en el tema que están considerando y tomen una decisión consciente de ignorarlo", dice O'Connor. “Quiero que descubran y desarrollen algo inesperado cuando pintan. Es por eso que a veces comienzo mis pinturas aplicando y quitando aguadas y luego introduciendo una figura en un lugar inusual para que soporte pero no abrume la composición.

Pintura base para viajeros en el tiempo El diseño inicial de la pintura se basó en dibujos de un modelo.	Viajeros del tiempo en progreso O'Connor aplicó capas de aguada, lavó parte de la pintura y acumuló capas adicionales.	Viajeros del tiempo 2007, medios fluviales mixtos, 30 x 22.

"Con cualquiera de los enfoques de la pintura, trato de mantenerme enfocado en disfrutar el proceso y no establecer la meta de hacer un producto", enfatiza O'Connor. “Con demasiada frecuencia, los artistas tratan el proceso de pintura como si estuvieran realizando una tarea en lugar de disfrutar una experiencia. Entiendo que es difícil cambiar de una preocupación de por vida por lograr objetivos y medir los logros de uno en términos de dinero, premios o reconocimientos; pero crear arte significativo no tiene nada que ver con ese tipo de proceso, ni puede medirse de acuerdo con un estándar objetivo y cuantificable. Eso es difícil de aceptar para muchas personas, pero una vez que lo hacen, son libres de ser realmente creativos”.

Segundas oportunidades 2007, acuarela y gouache, 20 x 30.

O'Connor tiene muchas ideas claras sobre cómo podría ayudar a otros artistas a disfrutar más del proceso creativo, y esa es una de las razones por las que está dispuesta a realizar tantos talleres y por qué los estudiantes vuelven a trabajar con su año despues del año. "Una de las mejores maneras de crecer y desarrollarse como artista es enseñar a alguien más, y ciertamente he aprendido sobre mí misma mientras he tratado de ayudar a otros", explica. "El proceso creativo es casi 80 por ciento mental y 20 por ciento físico".

Esa aclaración ocurre en un programa de taller muy estructurado que incluye mini demostraciones, recomendaciones claras, discusiones grupales y conversaciones individuales. "Sugiero a las personas que adquieran una nueva identidad cuando participan en uno de mis talleres", dice O'Connor. “Quiero que estén preparados para probar algo completamente nuevo. Supongo que se inscribieron en un taller con Carla O'Connor u otra persona porque quieren aprender de ese instructor. ¿Por qué gastar todo ese tiempo y dinero asistiendo a un taller si el alumno solo tiene la intención de demostrar lo que ya sabe?

Bolsa de espíritu 2006, medios fluviales mixtos, 30 x 22. Colección Sr. Alan Long.

"Mi proceso de pintura es tan abierto que ni siquiera intento completar una pintura durante una de las demostraciones que ofrezco en una clase", agrega O'Connor. “Es un proceso de prueba y error, de ida y vuelta, bajarlo, levantarlo, experimentar, hasta que todo el esfuerzo utilizado para producir la pintura ya no sea evidente. Se están produciendo tantos cambios que los estudiantes pueden confundirse, frustrarse y, a veces, aburrirse si les hago pasar por todo. En cambio, solo hago breves demostraciones de ideas, materiales y enfoques específicos para ilustrar algunos de los puntos que cubro en la conversación. Puedo regresar y trabajar en la misma pintura, pero solo si puedo hacer un punto que pueda ser útil para los participantes.

"Si una modelo posa para el taller, insisto en que las personas trabajen y no pierdan el tiempo charlando, tomando un refrigerio o distrayéndose", dice O'Connor. “Estamos pagando por el tiempo del modelo y necesitamos tener una colección de dibujos disponibles cuando comenzamos a pintar, por lo que es imperativo que aprovechemos al máximo la oportunidad de dibujar. El modelo es una mercancía preciosa y el dibujo es la base de todo arte ".

O'Connor trabajó recientemente con Creative Catalyst Productions (www.ccpvideos.com), un productor de destacados programas de instrucción de arte en DVD que cuentan con algunos de los mejores instructores de la nación. “Los productores hicieron un trabajo tan bueno que estoy seguro de que los espectadores pensarán que simplemente entraron a mi estudio mientras yo estaba trabajando; pero como la mayoría de los programas filmados, en realidad fue un procedimiento mucho más complicado de lo que cualquiera podría imaginar ", explica el artista. “Estaba en un estudio completamente insonorizado bajo luces calientes con cinco cámaras dirigidas a mí, y tuve que pararme en una marca indicada en el piso del estudio sin poder caminar. Después de un largo día de filmación, los editores lo reconstruyeron todo, por lo que fue un programa continuo y rápido lleno de información valiosa para los artistas de los medios acuáticos, especialmente porque la tecnología de DVD les permite detener, congelar fotogramas, rebobinar y reiniciar el programa; o pueden seleccionar los capítulos que más quieren ver de nuevo. Es como tener tu propio instructor privado que repetirá lo que quieras volver a ver o que dejará de pintar para que puedas ver su trabajo todo el tiempo que quieras. Es realmente increíble."

Viajeros 2007, acuarela y gouache, 32 x 32.