Acuarela: Shanna Kunz: Tonalismo Y Diseño Contemporáneo En Acuarela

2023 Autor: Amelia Goldman | [email protected]. Última modificación: 2023-05-24 12:45

Una elegante combinación de tonalismo tradicional y diseño contemporáneo permite a la artista de Utah Shanna Kunz hablar con sus espectadores con una voz suave y atractiva.

por Jennifer King

Prados de navidad 2003, acuarela, 20 x 24. Colección privada.

"Todas sus pinturas me hablan de alguna manera", escribió recientemente un coleccionista en una carta a la artista de paisajes Shanna Kunz. “La elección y combinación de colores, el enfoque progresivamente disminuido, la presencia de atmósfera física y la difusión de la luz, todos son realmente hermosos. ¡Y cada parte de ella la representa la mano humana!”. Estos sentimientos hicieron que el corazón de Kunz se disparara porque, como ella dice, “no hay nada mejor que saber que has tocado a alguien al hablar con éxito con tu propia voz”.

La voz de Kunz combina conceptos encontrados en obras de arte tradicionales y contemporáneas mientras pinta el paisaje occidental que le es tan querido. Las sutiles gradaciones tonales se remontan a los tonalistas de finales del siglo XIX, mientras que sus fuertes líneas horizontales y su interesante recorte mantienen sus pinturas con un aspecto igualmente moderno. "Lo único que me preocupa al hacer el trabajo tonal tradicional es ser trillado", explica, "así que trato de aportar algunas cualidades contemporáneas a mis piezas para que no se vean demasiado grandiosas".

Balada 2004, acuarela, 14 x 16. Colección privada.

Mantenerse fiel a su voz, a sus interpretaciones personales únicas de sus temas y su respuesta emocional a ellos, es una de las principales prioridades de Kunz. Desde el momento en que tomó por primera vez un pincel de acuarela a los 29 años, dice que sabía que la pintura sería su mejor medio para comunicar su amor por la naturaleza fomentada en la infancia durante las salidas familiares y los viajes de campamento. De hecho, Kunz guarda su voz tan completamente que tuvo mucho cuidado al elegir con quién estudiar para aprender el arte de la acuarela. "Muchos artistas toman talleres y salen pintando al estilo del maestro", advierte. “Quería encontrar mi propio estilo. Es muy importante para un artista encontrar su propia voz ".

A pesar de que tomó clases formales en el estado de Utah y estudió con una variedad de artistas regionalmente conocidos, incluidos Adrian Van Suchtelen, Carl Purcell, Osral Allred, Dave Dornan y Paul Davis, Kunz ha recurrido repetidamente a los grandes artistas paisajistas estadounidenses de los últimos tiempos. Siglo XIX y principios del XX para fomentar su educación y comprensión del arte. "Estudiar artistas de un período diferente al nuestro es como tomar el taller más valioso", dice, con un tono de asombro y asombro en su voz. Algunos de sus favoritos incluyen grandes nombres como Winslow Homer, James McNeill Whistler, John Singer Sargent, George Inness y John Henry Twachtman, así como artistas menos conocidos como el artista de Hudson River School Sanford R. Gifford y el acuarelista de California Percy Gray.

Inicio de la primavera 2005, acuarela, 12 x 16. Colección privada.

Kunz cree que estudiar a sus artistas favoritos del pasado le permite entrar en sus mentes y descubrir la fuente de su mayor logro: una auténtica expresión de emoción. "Lo más importante", explica, "es comprender cuál era la pasión de cada artista. Por supuesto, también es una excelente manera de aprender habilidades técnicas, pero esas deberían ocupar el segundo lugar al corazón que se encuentra en las grandes pinturas ".

Como ejemplo de cómo aprende de maestros históricos, Kunz describe su experiencia al ir a la Galería Freer, en Washington, DC, para observar personalmente la colección de originales del museo de uno de sus héroes, Dwight W. Tryon. "Lo que aprendí al mirar su trabajo es cómo organizar una pintura para desarrollar relaciones profundas y espaciales", dice ella. “La 'realidad' de su pintura es bastante oscura, por lo que también comencé a ver cómo logra ese realismo sin todos los detalles técnicos o la corrección. Además, rompe todas las reglas y todavía hace que sus pinturas funcionen. Sobre todo, descubrí cómo emplea la sutileza del color, el valor y la luz para agregar un aspecto emocional a sus pinturas. Eso fue valioso porque esa emoción es lo que más quiero lograr en mis pinturas ".

Montañas de la laguna 2006, acuarela, 8 x 10. Cortesía de Kneeland Gallery, Ketchum, Idaho.

Para comenzar uno de estos paisajes de acuarela cargados de emociones, Kunz engrapa una hoja de papel Arches de 140 libras prensado en frío en su tablero. El uso de grapas sin cinta le permite volver a estirar el papel si es necesario más adelante en el proceso, que a menudo es el caso porque aplica tantos lavados y esmaltes húmedos y jugosos durante el primer 90 por ciento de la ejecución de sus pinturas. En el papel blanco limpio, ella crea un dibujo de grafito muy ligero, solo para posicionar los elementos principales de la composición.

Abundancia Weber Valley 2006, acuarela, 8 x 10. Cortesía de Meyer Gallery, Park City, Utah.	Álamos en clave alta 2004, acuarela, 14 x 16. Colección privada.	Millcreek Pines 2003, acuarela, 9 x 14. Colección privada.

Mucho está sucediendo en la mente de Kunz mientras se embarca en esta etapa preliminar. "Planifico la composición, generalmente organizo la paleta de colores y planifico la logística de cómo voy a completar la pintura antes de comenzar", explica. “Con las cosas técnicas planificadas de antemano, puedo estar tranquilo y permanecer abierto a lo que la pintura me dice, a cómo me dirige a medida que avanzo. Puedo ver venir las sorpresas, y con la acuarela siempre hay sorpresas”.

Sobre el dibujo lineal gestual, Kunz coloca un lavado de valor ligero a medio. "Este lavado es importante", señala el artista, "porque comienza a establecer mi temperatura general general, indica mi paleta de colores y comienza a desarrollar mi sentido del espacio desde el principio".

Aria en acuarela 2004, acuarela, 8 x 10. Colección privada.

Justo cuando el brillo de este primer lavado deja el papel, Kunz comienza a cobrar más color local, lo que también ayudará a construir los valores a los que apunta. Será el primero de una larga serie de capas, que es un proceso que requiere un tiempo experto. Es esencial que sepa exactamente qué tan húmedo está el papel para poder controlar sus bordes y evitar hacer barro.

Agrega Kunz, “Como acuarelista, debes conocer tus herramientas íntimamente, incluido el agua misma. Debe conocer su papel, y debe poder reconocer el aspecto de cada grado de humedad en ese papel. Es por eso que uso el mismo tipo de papel cada vez; es tan familiar que sé exactamente cómo responderá en cada situación. Y lo mismo ocurre con sus pigmentos. Debes saber cuáles son transparentes y cuáles son opacos, cuáles se manchan y cuáles se levantarán, y cuáles tienen mucho sedimento”. Kunz cree que dominar sus herramientas y poder predecir cómo funcionarán juntas elimina algunas de las la lucha con los aspectos técnicos de la pintura para que pueda poner más energía en transmitir cualidades emocionales en su trabajo.

Prado de la montaña 2005, acuarela, 12 x 16. Colección privada.

Desde este punto hasta casi el final de la pintura, Kunz mantiene su atención en el "panorama general" literal, cómo todos los elementos están trabajando juntos en conjunto para expresar su respuesta emocional a la escena que está pintando. Las relaciones espaciales son especialmente importantes, y a menudo utiliza cambios de valor y bordes progresivamente más suaves para indicar la profundidad de los diversos planos y el sentido de la atmósfera que se encuentra en sus sujetos. Un equilibrio delicado de calor y frío, junto con un sentido del color exquisitamente armonioso, son igualmente importantes para crear los diversos estados de ánimo que habitan en su trabajo.

Kunz construye y afina todas estas cualidades a través de capas sobre capas de esmaltes, a menudo aplicadas en áreas específicas en lugar de en toda la superficie. En algunos casos, carga el color en una capa todavía húmeda, mientras que en otros permite que la aplicación anterior se seque por completo. En varios puntos, se detendrá para levantar parte de la pintura con agua limpia donde algo se haya vuelto demasiado oscuro o pesado. Sin embargo, a lo largo de todo esto, trabaja para mantener todos sus bordes suaves, y evalúa constantemente cómo los diferentes elementos de la pintura se relacionan entre sí.

Prados de pino 2005, acuarela, 8 x 10. Colección privada.

A medida que la pintura comienza a materializarse ante sus ojos, Kunz comienza a pensar en orquestar la pintura. Ella explica: "Quiero dirigir su ojo a través de la pintura desde el área focal alrededor de los planos de primer plano y hasta la distancia, luego de regreso, como si estuviera diciendo: 'Mira aquí, mira aquí, ahora mira aquí.'"

Con esmaltes posteriores, Kunz inyecta más contraste de valor y algunos bordes más duros en el área focal para atraer la atención del espectador, pero también tiene varias otras técnicas para guiar el ojo allí. Una es aplicar pigmentos opacos más pesados a los objetos dentro y alrededor del área focal. "Los colores de la tierra, como la siena ocre o cruda, tienden a presentarse debido a su peso, por lo que los uso para presentar algunos de los elementos importantes". de acentos a lo largo de cada pintura.

Solo cuando está en el último 10 por ciento de la pintura, Kunz comienza a considerar los detalles más finos de su tema y los toques finales que servirán para mejorar las cualidades emocionales que ya ha establecido con valor, color, textura y similares. “El ultrarealismo no me interesa”, dice ella, “así que cuanto menos diga, mejor. Quiero lograr ese medio feliz de hacer que se sienta real con el menor detalle posible”. Aun así, Kunz profesa tener una pasión por el dibujo, por lo que en las etapas finales, a menudo usa un aparejador o un pincel fino, bastante seco, para agregar algún detalle lineal. Es una paradoja que el mismo dibujo lineal que agrega un grado de detalle realista también sirva para acentuar el hecho de que lo que estamos viendo es una interpretación pintada de la naturaleza, no una reproducción fotográfica de la misma.

Skyline mexicano 2006, acuarela, 12 x 16. Cortesía de Meyer Gallery, Park City, Utah.

A primera vista, es evidente que Kunz se inspira específicamente en la naturaleza, en la tierra que rodea su hogar en Utah. Pero más que eso, está motivada por el deseo de hablar con una voz artística tan elocuente como los artistas de principios de siglo que tanto admira. "Sé que si trabajo lo suficiente, podría ser capaz de hacer algo sustancial que iguale esos trabajos", dice ella. “Cuando veo esas pinturas, sé que necesito intensificarlas tanto mental como emocionalmente. Grandes obras me humillan mientras me ponen tan entusiasta y listo como siempre”.

Y, sin embargo, al mismo tiempo, Kunz quiere asegurarse de que su voz no sea "tan fuerte y clara que la gente no pueda aportar sus propias interpretaciones a las pinturas". Su mayor esperanza es que sus paisajes sutiles y discretos le hablen espectadores en un susurro, tocando suavemente sus corazones de una manera tranquila.