Este pintor de Massachusetts utiliza una paleta estrechamente controlada y un enfoque de pintura abierta para crear visiones muy sugerentes de interiores y figuras.
por John A. Parks
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| Familia al atardecer
2005, óleo sobre lino, 48 x 72. Todas las ilustraciones son colección de artículos del artista a menos que se indique lo contrario. |
Susan Lichtman adora la luz de un fuerte sol de la tarde que atraviesa el interior de una casa familiar, fracturando las vistas de figuras y muebles, y provocando una sensación de sorpresa y revelación. En Family at Sundown, por ejemplo, una mujer se pierde en las sombras de una cocina mientras un niño sale de la puerta con un hula hoop, su cuerpo dividido por la mitad por un rayo de sol. En primer plano, otro niño agarra una pelota y un hombre mira un pedazo de papel, tal vez una carta. Ambas figuras tienen sus cabezas envueltas en sombras. La poderosa acción de la luz desvía nuestra atención de la fisonomía de las figuras hacia el espacio general y el drama indeterminado que parece estar teniendo lugar. También le da a la imagen un fuerte sentido de un momento particular en el tiempo.
"Soy un narrador terrible", dice Lichtman. “En la literatura me interesan esos momentos entre eventos: las descripciones de los escenarios y la forma en que los personajes se miran entre sí. También amo esos momentos en el cine. Algunas de mis pinturas simplemente representan un momento particular en el día de una familia, cuando todos hacen algo diferente muy cerca unos de otros. En otras imágenes he usado narraciones o personajes bien conocidos para guiar las elecciones en mis composiciones. Recientemente me interesé en pintar diferentes tipos de personajes maternos. Por ejemplo, trabajé con el personaje de Anna Karenina, una madre glamorosa pero alienada. Ahora mismo estoy trabajando en dibujos sobre cazadores de casas. Tal vez todas las noticias sobre el mercado inmobiliario han inspirado esta idea”. La estrategia narrativa de la artista, como su enfoque de representación, es una de pistas y sugerencias, en lugar de historias completamente realizadas y formas perfectamente transformadas. "Me encantaba la cita de Mallarmé que decía que deberías sugerir y no nombrar, porque ahí es donde se encuentra la poesía", recuerda. Por otro lado, la artista no deja que sus pinturas se vuelvan demasiado generales. "Estoy tratando de obtener misterio y especificidad al mismo tiempo", agrega, "a pesar de que parecen ser cosas completamente opuestas". El desafío de equilibrar las fuerzas opuestas del misterio y la revelación se puede ver en Woman With Overcoat Leaving, en el que figuras cuidadosamente delineadas en primer plano comparten un espacio con figuras más etéreas que habitan en las profundidades sombrías en la parte posterior de la pintura. Sin embargo, incluso en primer plano, a Lichtman no le importa representar completamente la forma, confiando en cambio en el poder del contorno y la función sugerente de áreas planas de color cuidadosamente colocadas.
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| Mujer con abrigo, dejando
2006, óleo sobre lino, 30 x 32. |
A pesar de toda la luz dramática en su trabajo, las pinturas de Lichtman están unificadas por una paleta cuidadosamente controlada. "Para mí, el color de valor cercano es mágico", dice el artista. “Es una forma de que la pintura implique la ficción de la luz y el aire. Una paleta de valores cercanos también le da a la imagen una especie de sobre en el que se coloca todo”. Para lograr este fin, el artista utiliza un conjunto muy limitado de colores. "Durante muchos años usé una paleta de rojo tierra, azul cobalto, amarillo cadmio y blanco", dice ella. “El color más oscuro que pude mezclar fue el rojo y el azul cobalto, por lo que todo permaneció en un rango bastante estrecho, tonalmente. Y debido a que el cobalto se abruma fácilmente con el rojo, las pinturas tienden a tener un tinte rojizo”. En los últimos años, Lichtman ha agregado negro y cromo o verde permanente a su paleta, aumentando el rango de los oscuros y dando un tono mucho más fresco. sintiendo a las fotos. El artista también considera la propiedad decorativa general de una imagen lograda con una paleta limitada. "Creo que mi idea de la belleza en la pintura tiene que ver con la tensión entre la representación del espacio profundo y las propiedades de la forma y la superficie", dice ella. “Veo esa tensión en las pinturas interiores de los artistas que más amo, desde la pintura mural romana hasta De Hooch, Vuillard, Bonnard y Gwen John. La luz del sol o la luz de la lámpara yuxtapuesta con sombras se suman a la complejidad de las formas. Estoy interesado en cómo la luz puede desviar la atención de las figuras y ralentizar la lectura de las imágenes ".
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Figuras debajo un tulipán 2006, gouache sobre panel, 7 x 5. |
Lichtman comienza una imagen pintando directamente, sin pintura de fondo. En general, el entorno es la casa en la que ella y su familia han vivido durante los últimos 15 años. La artista no pinta de la vida, sin embargo, prefiere trabajar en la imagen en el estudio que mantiene en la propiedad. "Siempre puedo ir y comprobar algo si lo necesito", dice ella. "Pero pintar de memoria de alguna manera permite una imagen más resuelta". Las figuras que la artista incorpora en sus pinturas se basan en bocetos o imágenes que ha seleccionado de revistas y fotografía de moda. A menudo, las figuras se convierten en híbridos cuando fusiona imágenes de modelos de moda con las de los miembros de la familia. La artista también usa sus propias fotografías de luz que rebota alrededor de los interiores como referencia.
En lugar de planificar sus composiciones, Lichtman les permite evolucionar a través de una especie de proceso de descubrimiento. "Comencé a trabajar de una manera nueva y un poco loca hace unos años", explica. “Trabajo de lo específico a lo general. En un lienzo grande, podría comenzar pintando algo muy pequeño, por ejemplo, un jarrón con flores. A continuación, agregaré algo: el brazo de una figura detrás de él, tal vez. Sigo añadiendo a las primeras partes poco a poco, para que la pintura crezca orgánicamente a partir de esa primera semilla. Algunas de las partes están pintadas de la vida, y algunas de la memoria o las fotos”. Eventualmente, cuando el artista ha cubierto la mayor parte del lienzo, descubre que tiene que comenzar a mover las cosas, sumar o restar. "No recomendaría este método a todos", admite el artista, "pero para mí me ayuda a unir cada parte de la imagen". Y me gusta el hecho de que no tengo idea de cómo se verá la composición final cuando comience”. La artista también informa que esta forma de pintar encaja con su ajetreada vida de enseñanza y cuidado de su familia, lo que hace largos tramos ininterrumpidos. Tiempo de estudio una rareza. El enfoque se ve reforzado por su adherencia a una paleta limitada, asegurando que cuando regrese a una pintura pueda mantener el color de manera consistente durante todo el trabajo.
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| Monedero amarillo
2006, óleo sobre lino, 42 x 48. Colección privada. |
Lichtman aplica su pintura de manera amplia y directa, usando pinceles de cerdas para aplicar un color intenso a sus superficies. "Pinto sobre lino", dice ella. “Solía usar una pintura muy buena, que luego mezclé con polvo de mármol y cera para hacer una pintura seca, mate y casi cementosa. Recientemente he descubierto el medio Maroger. Es un gel que está hecho de mezclar varios ingredientes y transforma radicalmente la consistencia de la pintura al óleo. Algunas personas lo llaman el "secreto de los viejos maestros"; otras personas dicen que es arriesgado de usar. Lo he estado usando durante cinco años y soy un gran admirador; odiaría dejarlo. Los nuevos medios artificiales Maroger no son lo mismo”. El artista reconoce que las mezclas de barniz y aceite como Maroger conllevan un riesgo de agrietamiento y oscurecimiento, pero como muchos otros pintores, Lichtman está dispuesto a correr ese riesgo a cambio del control superior. y manejo que ofrece la mezcla. El artista también cree en las virtudes de la pintura blanca con plomo a pesar de su toxicidad.
Además de sus grandes pinturas sobre lino, Lichtman ha producido muchas obras pequeñas en paneles con caseína y gouache. En menor escala, el toque y pincelada del artista es mucho más evidente. En Family Dog, por ejemplo, los pinceles rotos le dan a la imagen una sensación casi como de alfombra, rompiendo figuras y accesorios en un espacio intrigantemente profundo. "Solía usar la caseína en tubos", dice el artista, "pero luego tuve un proyecto mural en el Centro de Investigación de Estudios de la Mujer de la Universidad de Brandeis, en Waltham, Massachusetts, y pedí caseína teatral". Lo he estado usando para algunas de las piezas pequeñas”. Cambiar a pequeña escala también produce cambios en las posibilidades de composición. En varias imágenes, como Figuras debajo de Tulipán y Tulipán claro, el artista experimentó con un elemento de primer plano muy grande en primer plano y las figuras disminuyeron por perspectiva en la distancia. "Es algo que nunca haría en una pintura grande", dice ella. "Simplemente no creo que funcione a una escala mucho mayor".
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| Tulipán claro
2006, gouache sobre panel, 7 x 5. |
El viaje de Lichtman como artista comenzó en la escuela secundaria cuando se basó en la modelo y estudió la perspectiva. "Aunque el arte era mi gran interés, quería ir a una universidad de artes liberales donde pudiera estudiar literatura, historia del arte y ciencias", dice. "Vengo de una familia de científicos, y me encantó la idea de Constable de que la pintura de paisajes podría considerarse una rama de las ciencias naturales". Lichtman estudió en la Universidad de Brown, en Providence, y luego asistió a la Escuela de Arte de la Universidad de Yale, en New Haven, Connecticut, donde trabajó con William Bailey, Bernard Chaet, Gretna Campbell y Andrew Forge. "La clase de pintura de figuras de Bailey fue maravillosa para mí", dice ella. “Aunque él dio mucha información particular, y para mí, fue un entrenamiento de recuperación ya que no fui a la escuela de arte, nunca nos enseñó a pintar de una manera particular. Simplemente alentó la realización de imágenes como una forma de expresión ".
Lichtman habla sobre el futuro de su trabajo con considerable ambición. "Me gustaría que las pinturas fueran más sucintas formalmente", dice ella, "al tiempo que transmite figuras humanas que son más psicológica y visualmente creíbles". Un artista de mucho tiempo en la Universidad de Brandeis, en Waltham, Massachusetts, el artista reflexiona sobre el consejo que da a los jóvenes que consideran una carrera en el arte. "Les aconsejo que persigan sus pasiones, incluso si eso significa preocupar a sus padres y renunciar a una opción de carrera más lucrativa y estable", dice ella. “Les aseguro que tendrán una vida maravillosa si aman su trabajo. Una vida en el estudio está llena de asombro y revelación ".
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| Noche madre
2006, caseína y gouache en panel, 9 x 12. Colección privada. |
