La mayoría de los artistas conocen las trampas del uso de materiales fugitivos que hacen que su obra de arte se deteriore, pero a menudo son menos conscientes de otras amenazas a la calidad y el valor futuros de su arte. La principal de ellas es la falta de documentación sobre lo que crearon, cómo ejecutaron su trabajo y cómo siguieron sus carreras comerciales artísticas.
por Peter Ouyang
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| Este bosquejo preliminar y
entrada de diario acompañante de un trabajo terminado realizado por Artista de Massachusetts Susan Pecora mostrar el proceso que usan algunos artistas para documentar su obra de arte de concepción hasta la creación final, un activo a la hora de vender arte y marketing artístico. |
La mayoría de los artistas conocen las trampas del uso de materiales fugitivos que hacen que su obra de arte se deteriore, pero a menudo son menos conscientes de otras amenazas a la calidad y el valor futuros de su arte. La principal de ellas es la falta de documentación sobre lo que crearon, cómo ejecutaron su trabajo y cómo siguieron sus carreras. Esas consideraciones pueden afectar la validez, la comercialización futura y el valor potencial de la creación de un artista. Existen casos notables de artistas con grandes cuerpos de trabajo que han sido examinados, exhibidos y estudiados extensamente, pero que todavía están en disputa debido a la inexactitud en el mantenimiento de registros y las preguntas de autenticidad asociadas con su producción. Por ejemplo, la disputa en curso sobre las pinturas que supuestamente fue creada por Jackson Pollock puede que nunca se resuelva porque el artista no firmó ni documentó gran parte de su trabajo.
Autenticando tu obra de arte
Los artistas pueden evitar los problemas de autenticidad que puedan surgir considerando la importancia que tiene la documentación sobre la validez de su trabajo. Siempre hay un aspecto personal en el arte, y quienes lo coleccionan valoran sus asociaciones con artistas vivos y aprecian la evidencia dejada por aquellos que ya no están vivos. Por esa razón, es beneficioso para los artistas establecer registros de archivo para proteger sus perspectivas futuras y los intereses de su patrón. "Cuando un artista se toma el tiempo de desarrollar un archivo de su trabajo, demuestra que se toma en serio su arte, lo trata con respeto y actúa de manera responsable", cree Peter M. Fairbanks, presidente y copropietario de Montgomery Gallery., en San Francisco. “Picasso fue un buen hombre de negocios que mantuvo registros meticulosos y se comercializó bien. Robert Motherwell también fue escrupuloso sobre el seguimiento de sus pinturas.
La experiencia de Fairbanks dirigiendo una galería que se especializa en obras de los siglos XIX y XX, así como pinturas del Viejo Maestro, lo hace muy consciente de la importancia del mantenimiento diligente de registros. "Hay artistas estadounidenses que mantuvieron registros cuidadosos de su trabajo, pero que no documentaron sus ubicaciones", explica. “Por ejemplo, John George Brown (1831–1913) no hizo un seguimiento de sus pinturas, y hoy no sabemos dónde se encuentran sus pinturas. Los artistas estadounidenses del siglo XXI deberían organizar sus pinturas en un orden secuencial. Los Archivos del Arte Americano del Smithsonian (www.aaa.si.edu) muestran los registros de artistas estadounidenses, que son excelentes para los historiadores del arte que desean seguir la existencia de una pintura, o para artistas contemporáneos que quieren ver cómo funciona el trabajo de artistas pasados. ha sido documentado ".
Un factor clave para que los artistas autentiquen su trabajo es asegurarse de que los materiales que usan para firmar sus pinturas o escribir comentarios de acompañamiento sean de calidad de archivo. Las anotaciones manuscritas no solo son apreciadas por los coleccionistas, sino que también son esenciales para los estudiosos del arte que investigan la vida y el trabajo de un artista, por lo que garantizar que la firma perdura es imprescindible para este proceso. Los artistas deben firmar una obra mientras la pintura aún está húmeda, escribiendo la firma en la parte posterior con una fecha. Mediante el uso de tinta resistente a la decoloración, sin plumas, a prueba de agua y productos químicos, así como papel o papelería libre de ácido, los artistas pueden garantizar que sus firmas y comentarios durarán por generaciones.
Más allá de una firma duradera, a algunos artistas les gusta establecer aún más el vínculo entre generaciones de creadores y coleccionistas al mantener diarios escritos a mano que relatan las motivaciones para crear un trabajo, experiencias de vida significativas, relaciones que involucran el trabajo y lugares de vida. También es una buena idea hacer un seguimiento de las fechas y el lugar de las exposiciones, cualquier cobertura de prensa de esos eventos y tal vez fotografías del artista y las obras de arte en la exposición. Crear una lista de clientes que compraron una obra de arte, completa con su nombre, fecha, ubicación de la galería / exposición y dónde reside la obra de arte, también es un buen paso para proporcionar la cronología de una pieza en particular.
Muchos artistas contemporáneos están utilizando métodos más modernos para organizar y preservar su trabajo, incluyendo fotografiar sus pinturas y organizarlas en un portafolio con subtítulos apropiados; o almacenar archivos digitales en su computadora en carpetas marcadas con un tema específico, medio y el año creado. También se deben considerar los problemas de longevidad en estos casos: con respecto a las fotografías, las fotografías en blanco y negro de haluro de plata duran más que el color; y si se van a almacenar archivos digitales, es mejor guardarlos en CD-ROM con respaldo de metal dorado. Algunos artistas incluso tendrán un microchip incrustado en una pieza de arte, y si esto se considera, es importante determinar la vida útil del chip y cuánto tiempo durará en el entorno incrustado.
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| Este conjunto de
firmas por maestro artista Muestra Monet cómo escribir a mano los analistas lo harán a veces referencia cruzada el de un artista firma de pinturas pasadas y personal documentos para verificar el procedencia de una pieza. |
El proceso de verificación: académicos, firmas y ciencia
Procedencia y razón de ser del catálogo son dos términos clave utilizados por los estudiosos de arte o tasadores que están asociados con el proceso de autenticación de las obras de arte. La procedencia se refiere a la historia de propiedad de la obra de arte y los detalles de cuándo se creó una obra de arte, su tamaño y dimensiones, y las fechas de adquisición y venta. Los estudiosos del arte compilan fotografías, documentación y procedencias de la obra de un artista (incluso si la pieza se pierde o se destruye) para crear un catálogo razonado. Las raisonnés de catálogo se convierten en la referencia definitiva del cuerpo de trabajo de toda la vida de un artista.
Si una obra de arte no está firmada o si la autenticidad está en duda, se realizará una investigación exhaustiva para determinar el creador de la obra. Aunque los evaluadores pueden señalar inconsistencias en una obra de arte, generalmente no se consideran autoridades para determinar la autenticidad de una obra. De hecho, no se puede usar una autoridad única para decidir el creador de una pintura, sino que es más bien una colaboración entre muchos investigadores y expertos en el campo. Este esfuerzo grupal puede involucrar la experiencia y la investigación de académicos de arte, científicos y analistas de firma, entre otros.
Durante el proceso de verificación, un experto en arte primero inspeccionará visualmente una pintura para establecer el estilo artístico y el método utilizado, determinando cuándo se creó la pieza y si la firma refleja el mismo período de tiempo. "Los elementos históricos de la pieza corroboran el período de tiempo", explica Fairbanks. "Miro la moda de la ropa, el diseño de los muebles, los paisajes y la arquitectura del edificio, todo lo cual puede indicar períodos de tiempo y ubicaciones geográficas del lugar donde se realizó la pintura". Si una obra de arte no está firmada o la firma está en duda, un analista de escritura a mano investigará firmas de varios períodos de la vida del artista.
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| Picasso era conocido como un
diligente hombre de negocios de arte y vendedor cuando se trataba de su obra de arte, siempre firmando y documentando cada pintura que creó. |
Inicialmente, el analista de escritura a mano analiza la ubicación y fluidez de la firma, así como la congruencia de la escritura a mano dentro de la pintura misma. Esta verificación visual incluye la búsqueda de fechas que pueden grabarse o la escritura a mano que está integrada en el arte. "Miro las firmas dentro del contexto del estilo del artista", comenta Heidi Harralson, la examinadora de documentos certificada para Spectrum Consultants. "La firma de un artista puede ser tan expresiva y estilizada como su obra de arte; si su obra de arte es detallada, su firma también puede tener muchos detalles". En un examen de las obras de Frida Kahlo, Harralson investigó y comparó entradas de diarios, cartas personales, y frases encontradas en pinturas, así como en escritos sobre cerámica.
Los documentos revisados durante el proceso de verificación de firma pueden incluir transacciones comerciales, como cheques, testamentos o contratos, y correspondencia personal, incluidas cartas, diarios o notas. Diez a 15 firmas son el requisito mínimo para la comparación, y estas generalmente caen dentro de los dos años posteriores a la creación de la obra de arte. Los atributos de las firmas se comparan dentro del período de tiempo, el medio y otras firmas en la vida comercial y personal del artista. La firma de un artista confirma la originalidad y puede señalar el período de tiempo real cuando se creó la obra de arte.
Los exámenes científicos de los materiales utilizados para crear la obra de arte ayudan a determinar el período de tiempo en el que se creó una pintura, si es real o una reproducción, y si se puede conectar con el artista. "La identificación de las pinturas, basada en las propiedades cristalinas de las muestras de color, revela los pigmentos utilizados para crear el trabajo y cuándo se pudo haber creado la pieza", afirma Joseph Barabe, el microscopista de investigación senior y director de imágenes científicas en McCrone Asociados y el líder de científicos que analizaron la tinta sobre el códice del Evangelio de Judas. “Si descubrimos que los materiales no estaban disponibles en el momento en que el artista pintó, entonces se cuestiona la autenticidad. La ciencia de los materiales solo puede señalar la autenticidad; El estilo histórico y la procedencia también son componentes esenciales, y el análisis de firmas es cada vez más importante”.
Las medidas científicas simples a complejas que se utilizan para examinar piezas de arte incluyen luz ambiental brillante regular, luz de baja intensidad para mostrar la textura y luz ultravioleta para estimular la fluorescencia. La reflectografía infrarroja puede mostrar dibujos subterráneos, y los rayos X pueden mostrar pintura insuficiente. La pintura también se puede muestrear y analizar usando un microscopio de luz polarizada (PLM) o un microscopio electrónico de barrido (SEM) con espectrómetros para análisis elemental. Otra instrumentación analítica comúnmente utilizada incluye espectroscopía infrarroja y Raman y difracción de rayos X.
Procedimientos de archivo adecuados
"Aunque los Archivos de Arte Americano del Smithsonian no toman una posición oficial ni tienen pautas sobre los tipos de información que los artistas pueden reunir sobre sí mismos y su trabajo", afirma Richard Manoogian, jefe de servicios de referencia de la compañía, "ciertamente alentamos que conserven una documentación cuidadosa y completa de su trabajo y carrera para que puedan beneficiar a los académicos ".
El proceso de autenticación puede llevar mucho tiempo, y puede tomar el mismo tiempo llegar a un acuerdo entre los estudiosos del arte con respecto a los resultados de la investigación, todo lo cual se lleva a cabo mucho después de la vida del artista. La planificación y el mantenimiento de registros de archivo pueden evitar este proceso, consolidar la reputación de un artista y mantener la conexión genuina con la obra de arte creada para durar generaciones. “Los artistas no son bibliotecarios ni contadores; es posible que no presten atención a los detalles de seguimiento, y podría ser difícil acostumbrarlos al mantenimiento de registros”, dice Fairbanks. "Por esta razón, los artistas deben seleccionar un método de seguimiento que sea lo más simple posible".
