A medida que uno estudia el dibujo, puede ser útil aprender de los maestros anteriores para obtener inspiración y encontrar formas de abordar los desafíos que surgen. Para aquellos que descubren el dibujo, hay varios dibujantes maestros de los que uno puede aprender.
por Naomi Ekperigin
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| Retrato de Madame d'Haussonville
por Jean-Auguste- Dominique Ingres, ca. 1842, grafito, 9 3/16 x 7¾. Colección El Museo de Arte Fogg en la Universidad de Harvard, Cambridge, Massachusetts. |
"Creo que el dibujo es la base de todo arte", dice la artista Mary Reilly. Ella no está sola en este sentimiento. Muchos artistas creen que las habilidades de dibujo son cruciales para trabajar en cualquier medio, incluso si el dibujo no es el interés principal de uno. Desde el principio hubo artistas que valoraron los dibujos como obras completas por derecho propio. Estos artistas elevaron aún más el medio y demostraron la amplitud de oportunidades disponibles para aquellos que deseaban explorar más el dibujo.
Jean-Auguste-Dominique Ingres
El pintor neoclásico francés Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867) fue un dibujante nato. Desde temprana edad, su padre cultivó sus habilidades en el dibujo, y a los 17 años Ingres fue a París para estudiar con Jacques-Louis David, quien era el "zar del arte" oficial de Napoleón durante la Revolución Francesa. Aunque profundamente influenciado por el pintor renacentista Raphael y un pintor talentoso, son los dibujos y retratos de Ingres por los que es mejor conocido.
Ingres se mudó a Italia en 1808 después de ganar el Gran Premio de Roma, la principal beca de arte de Francia. Allí, perfeccionó su oficio, inspirado en el trabajo de los viejos maestros. Para mantenerse a sí mismo y a su esposa, aceptó encargos de pintura del estado y completó cientos de retratos de grafito para turistas, dignatarios viajeros y emigrantes ricos. Estos pequeños retratos son "grandes obras de arte, atrapando un milagro de talento, características, poses, disfraces, atmósfera y carácter", escribió el historiador de arte Stephen Longstreet. “La gente es real. Respiran y existen sólidamente en la tierra ".
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| Hoja de estudios de mujeres para el baño turco
por Jean-Auguste- Dominique Ingres, ca. 1830, bolígrafo, tinta marrón y grafito en dos hojas unidas, 6¾ x 4¾. Colección del Louvre, París, Francia. |
La capacidad de capturar la realidad se debió a su habilidad técnica y a su familiaridad con la anatomía. Con tal conocimiento innato de la forma humana, el artista podría representar adecuadamente las cortinas de una manera que siguiera la forma del cuerpo en cada pliegue y pliegue. La habilidad del artista para capturar una semejanza vino de su devoción a la exactitud, que desarrolló a través del dibujo. Ingres era un cajón compulsivo, instando a los estudiantes a dibujar con los ojos cuando no podían hacerlo con un lápiz. Por sus retratos pintados y murales, a veces hizo cientos de dibujos preparatorios. Parecía encontrar este paso del proceso más satisfactorio que la pintura real de los murales, que a veces abandonó. "Las etapas fueron: estudiar desde la vida, extraer la verdad de la experiencia, cuadrar, agrandar, transportar sobre lienzo, regresar, si es necesario al modelo para este o aquel detalle", escribió Avigdor Arikha en JAD Ingres: Fifty Life Drawings From the Musée Ingres en Montauban, el catálogo de una exposición en el Museo de Bellas Artes de Houston. “Pidiéndole al conde de Pastoret sus guantes o volviendo al brazo izquierdo de Madame Moitessier, dibujándolo a tamaño real para trasladarlo directamente al lienzo, volviendo una y otra vez. Esto es cuando Ingres se empantanó. Fue un procedimiento excesivamente elaborado, casi obsesivo, cuyo objetivo era acercarse a la verdad del asunto”.
Artistas de todos los niveles pueden aprender de la atención al detalle de Ingres. Su ética de trabajo era admirable, y creó dibujos que eran técnicamente agradables y emocionalmente resonantes. "De todos los maestros que he estudiado, he disfrutado más el trabajo de Ingres", dice Reilly. “Los materiales preferidos de Ingres fueron el lápiz de grafito puntiagudo y el papel blanco liso. Él creía que el color no era más que un accesorio para dibujar. Para él, dibujar no era solo la línea. Fue la expresión, la forma interna, la composición y el modelado”. Es esta visión la que ha influido en el arte moderno del siglo XX y en generaciones de artistas desde Degas hasta Dinnerstein.
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| Mujer desnuda sentada
por Pierre-Paul Prud'hon, 22 x 15. Colección el metropolitano Museum of Art, Nueva York, Nueva York. |
Pierre-Paul Prud'hon
Al igual que Ingres, Pierre-Paul Prud'hon (1758-1823) fue aclamado como pintor, pero el dibujo fue la base de su trabajo. Conocido en su época por sus pinturas alegóricas y mitológicas, ahora son sus dibujos de figuras los que inspiran y aturden a los espectadores. Como estudiante de arte en la Academia Dijon a principios de la década de 1780, Prud'hon se dedicó a la rigurosa capacitación en dibujo que se consideró necesaria para todos aquellos que esperaban una carrera exitosa como artista. Las academias, estudios de figuras extraídas del modelo en vivo, fueron la forma en que los estudiantes perfeccionaron sus habilidades, completando cientos de estos dibujos cuando estuvieron listos para ejercer sus profesiones. El proceso tomó años y eliminó a varios aspirantes, ya sea por falta de dedicación o talento. Si bien esta capacitación rigurosa y prolongada puede parecer engorrosa para los estudiantes de hoy, estos dibujos de figuras fueron cruciales para los artistas, muchos de los cuales crearon estos estudios a lo largo de su carrera por ideas y práctica.
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| Academia de un hombre sentado
por Pierre-Paul Prud'hon, tiza en blanco y negro sobre papel azul, 14 9/17 x 10 ?. Colección Museé Baron Martin, Gray, Francia. |
Prud'hon fue uno de esos artistas, y más que sus contemporáneos, se aferró a los académicos a lo largo de su carrera. Lo que es aún más notable, tal vez, es que Prud'hon llegó a favorecer estos dibujos de figuras sobre pinturas completas, incluso a medida que avanzaba su carrera. Para 1788, el artista había desarrollado un estilo característico de figuras dibujadas con tizas de colores sobre papel teñido. Los dibujos a menudo se construyen en varias capas, incluida la eclosión y amplios pasajes de tonificación y mugre. Al mezclar líneas, tonos y diversas técnicas, Prud'hon presentó a los artistas una gama completa de posibilidades expresivas de tiza y papel. "Los estudios de Prud'hon transmiten una fuerte sensación de emoción", dice Reilly. "Sus marcas parecen flojas y libres, pero están perfectamente ubicadas". El artista Kenneth Procter está de acuerdo: "Prud'hon completó algunos dibujos donde el núcleo de la sombra corre como una franja a lo largo de una pose, exponiendo cada matiz muscular". Es absolutamente impresionante”. Con su conocimiento del cuerpo humano tan profundamente arraigado, podría concentrarse en su tema y darle vida, marcar rápidamente y responder de inmediato a sus propios pensamientos sin preocuparse por la anatomía o la verosimilitud.
A una edad temprana, Prud'hon agregó "Paul" a su nombre, en honor del pintor flamenco Peter Paul Rubens (1577-1640), que también fue un gran dibujante. Prud'hon compartió el amor del artista por la figura humana y el profundo conocimiento de la anatomía, pero ahí es donde terminan sus similitudes. Rubens fue un defensor del estilo barroco, conocido por su énfasis en el color, los lujosos detalles y el movimiento dinámico. Prud'hon, por otro lado, eliminó el movimiento dramático y se centró en la forma en que la luz se movía a través de las formas. Sin embargo, lo que Prud'hon aprendió de su predecesor es la importancia de crear constantemente nuevos trabajos, independientemente del estilo. Rubens fue uno de los artistas más prolíficos y diversos de su tiempo, con una producción que incluía retablos, pinturas de historia, retratos y paisajes, así como ilustraciones de libros y diseños arquitectónicos.
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| La asunción de la virgen
por Peter Paul Rubens, ca. 1612, tinta marrón y lavado marrón, color de cuerpo blanco y tiza negra sobre marrón papel, 11? x 9 ?. Colección Albertina Museo de Viena, Austria. |
Mujer joven sentada con los brazos levantados
por Peter Paul Rubens, 1631–1632, tiza negra y roja con blanco aumento, 16 x 19 11/16. Colección Staatliche Museen zu Berlín, Kupferstichkabinett, Berlín, Alemania. |
Peter Paul Rubens
Además, el artista produjo cientos de dibujos, que desempeñaron una variedad de papeles secundarios en su trabajo desde el comienzo de su carrera. Como joven artista, pasó gran parte de su tiempo copiando obras maestras; Una mudanza a Italia en 1600 cambió su tema a la obra de los maestros del Renacimiento. El propósito de dibujar obras de Tiziano, Miguel Ángel y Rafael no era simplemente aprender. Como señala el artista-instructor John A. Parks: “En realidad fue un intento de saquear la iconografía y las composiciones disponibles para poder acumular una biblioteca personal de imágenes para su uso posterior. Lo que el artista más valoraba en estos dibujos no era su caligrafía personal o calidad de representación, sino simplemente su información de diseño .
Rubens usó esta biblioteca de imágenes para servir de inspiración para los grandes retablos que le encargaron crear. Comenzaría estas grandes obras con un dibujo preliminar en tiza negra o marrón, luego crearía un boceto al óleo. Después de esto, el artista volvió al dibujo, haciendo piezas más grandes de modelos en vivo con tiza negra. Este dibujo más grande le permitió incluir más detalles y precisión anatómica, e infundió a su sujeto una vivacidad de la que los artistas barrocos estaban orgullosos.
Aunque Rubens probablemente pensó poco en sus dibujos, los artistas de hoy pueden extraer mucho de sus trabajos preparatorios. Sus dibujos sirvieron para enriquecer sus pinturas y lo ayudaron en cada etapa del proceso. Cuando finalmente puso el óleo sobre lienzo, tuvo una visión clara y estaba seguro de cómo ejecutarlo. A través del dibujo, Rubens amplió su vocabulario visual, permitiéndole crear cientos de obras brillantes.
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| Mujer con niño muerto
por Käthe Kollwitz, 1903, grabado. Colección de la Galería Nacional de Art, Washington, DC. |
Käthe Kollwitz
La pintora, grabadora y escultora alemana Käthe Kollwitz (1867–1945) puede ser mejor conocida por su tema que por su habilidad. Sus grabados, litografías y dibujos fueron principalmente de las personas de la clase trabajadora que vio a su alrededor, y presentó a los espectadores relatos conmovedores del sufrimiento y la lucha humanos. Su profunda conexión emocional con sus temas le permitió crear arte que aún resuena en el público de hoy, y puede inspirar a los artistas que desean abordar temas personales y / o políticos. "Me impresionaron los primeros trabajos de Kollwitz y la profundidad de la forma que obtuvo de su abundante trabajo lineal", dice el artista e instructor Dan Gheno. “También aprecié la fuerza emocional en su trabajo. Ella me enseñó que podía ir mucho más allá de la superficie si miraba dentro de mí ".
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| Auto retrato
por Käthe Kollwitz, 1924, litografía. |
Kollwitz a menudo trabajaba en ciclos, abordando el tema de los levantamientos y cambios históricos. La primera de estas series fue The Weavers, que consistía en tres litografías y tres grabados basados en la dramatización del dramaturgo alemán Gerhart Hauptmann de la revuelta fallida de 1842. Las obras de Kollwitz no eran una ilustración literal de los hechos históricos o la adaptación de Hauptmann; en cambio, se centró en la miseria, la esperanza y la fortaleza de los trabajadores. Cuando estas piezas se exhibieron al público en 1898, la artista obtuvo una gran acogida y sigue siendo uno de sus proyectos más famosos. Esto fue seguido más tarde por su serie La guerra de los campesinos (1902-1908), basada en la rebelión de los campesinos alemanes de 1522-1525. En el momento de esta serie, la artista era considerada una de las artistas gráficas alemanas más importantes de su tiempo.
Además de variar su tema, Kollwitz exploró una serie de técnicas de grabado con estas series, que incluyen fotograbado, huecograbado e impresión litográfica en color. En este momento, ella simplificó su trabajo, dejando atrás su enfoque realista altamente detallado a favor de una narrativa de emoción. Es este compromiso con los temas humanistas y una conexión emocional lo que ayuda a distinguir el trabajo de Kollwitz.
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| Retrato de Igor Stravinsky
por Pablo Picasso, 1920, grafito, Colección Museé Picasso, París, Francia. |
Pablo Picasso
Pablo Picasso (1881–1973) es un artista de renombre internacional, que vivió en Europa durante tiempos turbulentos y usó su arte para interpretar los cambios rápidos y, a veces violentos, que tuvieron lugar a su alrededor. Si bien el artista completó cientos de pinturas por las cuales es conocido, sus dibujos son el núcleo de su trabajo. "El corazón de la evolución de Picasso como artista e ícono radica en su dibujo, ahí es donde se generó su experimentación y avances visuales", dice la artista y maestra Lisa Dinhofer. Artista con un profundo conocimiento de los fundamentos y una amplia formación académica, Picasso fue capaz de deconstruir un tema, diciéndolo en la menor cantidad de líneas necesarias y llegar a su esencia. "Se necesita el conocimiento detallado de un dibujante maestro para representar un objeto en su forma más simple", dice Dinhofer. "No con una marca Conté suavizada, no con una acumulación de trama cruzada para el volumen, no en tonos de grafito en capas para modelar un área, sino una línea directa que transmite toda la forma y el espacio".
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| Nusch Eluard
por Pablo Picasso, 1938, carboncillo y grafito sobre lienzo. |
La línea de trabajo de Picasso indicaba las formas internas y externas de su sujeto, y podía llenar el plano de la imagen eliminando detalles volumétricos. Esto se puede ver en retratos como Max Jacob, Retrato de Erik Satie y Helena Rubenstein. Al observar su experimentación con líneas y formas, los artistas pueden entender cómo Picasso obligó a los espectadores a ver objetos de nuevas maneras, y aún hoy supera nuestros límites. Su obra maestra Guernica, creada en 1937, encarna las teorías cambiantes del artista y la experimentación con la línea. Como señala Dinhofer, “La composición se basa únicamente en la yuxtaposición del espacio y la línea. El interior y el paisaje representados se aplanan, empujando a cada figura al primer plano. El resultado es un asalto abrumador … logrado con una línea audaz e ininterrumpida, formas recortadas y un plano de imagen comprimido .
