Los artistas que buscan trabajar con pastel pueden aprender valiosas técnicas y consejos al estudiar a los artistas que primero exploraron el medio y descubrieron las posibilidades que ofrece el medio.
por Naomi Ekperigin
Aunque el trabajo de pintores y dibujantes de aceite es bien conocido y bien documentado, la historia del pastel no se ha registrado tan bien. "El medio se usó inicialmente como un estudio para obras más grandes, y no destinado a la realización de una idea", señala el artista Kim Casebeer. "Hasta hace poco no vemos pastel aceptado como un medio digno en sí mismo". Aunque los pasteles no son tan populares como las pinturas al óleo, la naturaleza del medio lo convierte en una excelente opción para aquellos que favorecen la portabilidad. La pintura en colores pastel requiere poca configuración, no hay necesidad de solventes y no hay cepillos para limpiar. Por esta razón, muchos pintores de plein air trabajan en colores pastel, y muchos retratistas del siglo XIX trabajaron en colores pastel para facilitar una ejecución rápida.
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| Seis amigos en Dieppe
por Edgar Degas, 1885, pastel, 45¼ x 28. Colección del Museo de Arte, Rhode Island School of Design, Providence, Rhode Island. |
La Toilette (Mujer peinándose)
por Edgar Degas, ca. 1886, pastel sobre cartón, 21 x 20½. Colección del Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia. |
Edgar Degas
Hilaire-Germain-Edgar Degas (1834-1917) fue un pintor, escultor, grabador y dibujante francés asociado con el movimiento impresionista. Aunque es considerado como uno de los fundadores del movimiento, rechazó la etiqueta y prefirió ser considerado realista. A diferencia de los pintores impresionistas, no estaba tan interesado en el juego de luces a través de las formas, y no favorecía la tendencia impresionista de pintar al aire libre. Sin embargo, su tema era claramente impresionista, y su amistad con impresionistas notables como Mary Cassatt y Edouard Manet lo vinculaba estrechamente con el movimiento.
Los tonos puros del pastel, junto con su aplicación directa, lo convirtieron en el medio perfecto para los artistas impresionistas que buscaban trabajar rápidamente y capturar la esencia de sus temas. Degas es considerado el artista más responsable de la transformación del pastel en un medio importante. Cuando comenzó a trabajar en pastel, se utilizaron principalmente para retratos, y a menudo como precursores para completar pinturas al óleo. Degas, sin embargo, creó un gran cuerpo de pinturas en colores pastel de las cuales muchos artistas han aprendido. "El pastelista Old Master que viene a mi mente de inmediato es Edgar Degas", dice la artista Liz Haywood-Sullivan, quien fue profundamente influenciada por su trabajo como estudiante. “Su marca transmite una sensación de movimiento e intencionalidad, pero lo que más me fascina de su trabajo son sus composiciones dinámicas y ángulos de visión inusuales. Uno de mis favoritos es Six Friends en Dieppe. La pintura es esencialmente un retrato grupal, pero la dinámica de la composición crea una tensión e intriga que hace que el espectador se pregunte qué está pasando realmente. Las poses no son estáticas, y los trazos visibles de pastel casi ponen en movimiento la pintura ".
Degas trabajó en pastel a lo largo de su carrera y en 1880 se convirtió en su medio principal. El artista a menudo combina pastel con otros medios como acuarela, óleo y monotipo, creando superficies ricas con una variedad de calidades de pintura aplicadas en capas complejas. "Estudiar las diversas formas en que aplicó pasteles es especialmente educativo", dice el artista Alan Flattmann, quien fue incluido en el Salón de la Fama de la Pastel Society of America en 2006. "A veces se mezcló para lograr efectos delicados, pero sobre todo aplicó pasteles en trazos puros de color roto al tramar y superponer amplios trazos pictóricos. Utilizó ampliamente los fijadores para construir capas de pasteles y tampoco tuvo miedo de experimentar combinando pastel con otros medios para crear efectos únicos ".
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| Madre e hijo contra un fondo verde (maternidad)
por Mary Cassatt, 1897, pastel sobre papel beige montado sobre lienzo, 22 x 18. Colección Musée d'Orsay, París, Francia. |
Bebé soñoliento
por Mary Cassat, ca. 1910, pastel, 25½ x 20½. Colección Museo de Arte de Dallas, Dallas, Texas. |
Mary Cassatt
Mary Cassatt (1844-1926) es conocida como una de las artistas más influyentes del arte estadounidense del siglo XX. Pintor y grabador prolífico, Cassatt nació en Pittsburgh y comenzó sus estudios en la Academia de Arte de Pensilvania. En 1865 se estableció en París, donde realizó estudios privados con artistas como Jean-Léon Gérôme y Thomas Couture y se convirtió en parte del movimiento impresionista. Se hizo amiga íntima de Edgar Degas, quien la inspiró a comenzar a trabajar en pasteles. Cassatt adoptó muchas de sus técnicas y pronto comenzó a producir un alto volumen de trabajo en el medio.
Cassatt se ganó la vida como pintora y retratista, y pintar retratos en colores pastel le proporcionó una fuente de ingresos constante mientras vivía en París. Para muchos artistas en este momento, el pastel era la opción preferida para el trabajo de retratos, especialmente para retratos de niños, porque podían manipularse con mayor velocidad y facilidad, no tenían olor y permitían interrupciones frecuentes. En la década de 1880, comenzó a tomar la vida familiar como tema principal y creó una serie de pasteles de niños con sus cuidadores. Además de evocar emociones y compartir sus propios puntos de vista sobre las relaciones madre-hijo, en estas pinturas al pastel Cassatt mostró una técnica innovadora de la que los artistas actuales pueden aprender. "Creo que Mary Cassatt es una gran artista para estudiar por su magnífico uso de trazos pastel", dice Flattmann. "Es especialmente interesante ver cómo podría tejer trazos lineales en colores pastel a lo largo de sus figuras y retratos y aún así crear formas sólidas, convincentes y sensibles". Esto se puede ver en Mother and Child Against a Green Background (Maternity), en el que Los trazos le dan a la escena una sensación de vitalidad y movimiento, además de conectar el fondo con la madre y el niño.
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| Auto retrato
por William Merritt Chase, ca. 1884, pastel, 17¼ x 13½. Colección de la Galería Nacional de Arte, Washington, DC. |
Fin de la temporada
por William Merritt Chase, 1885, pastel, 13¼ x 17¾. Colección Mount Holyoke College Art Museum, South Hadley, Massachussetts. |
William Merritt Chase
El pintor estadounidense William Merritt Chase (1849-1916) trabajó en una variedad de medios, incluyendo óleo, pastel, acuarela y grabado. Sin embargo, son sus retratos al óleo por los que es mejor conocido. Sus niñeras iban desde miembros de su propia familia hasta los hombres y mujeres más importantes de su época. Formado en la Academia Nacional de Diseño, en la ciudad de Nueva York, y en la Real Academia de Múnich, en Alemania, Chase comenzó a trabajar en colores pastel a fines de la década de 1870, justo cuando el estilo de Múnich en el que se formó comenzó a caer en desgracia. El trabajo del artista en pastel probablemente fue impulsado por su exploración de la pintura al aire libre mientras recorría varias partes de Europa. La portabilidad del pastel, así como la riqueza del color y la velocidad con la que se pueden aplicar los colores, lo hicieron perfecto para trabajar al aire libre y capturar la luz que los artistas impresionistas disfrutaron tanto.
En 1882 fundó la Society of American Painters in Pastel, que incluía a artistas como John Henry Twachtman, Childe Hassam y Robert Reid. La Sociedad solo duró ocho años y realizó cuatro exposiciones, pero llamó la atención sobre el pastel y le ayudó a ganar respeto como medio. Flattmann señala en su libro The Art of Pastel Painting (Pelican Publishing, Gretna, Louisiana) que Chase fue una de las pastelerías estadounidenses más influyentes. "Utilizó pastel con una frescura y vitalidad que rivaliza con la de cualquier maestro europeo", dice Flattmann. “Algunos de sus pasteles eran muy grandes, de hasta seis pies de altura, y estaban hechos sobre lienzo. Al igual que Degas, a menudo mojaba su pastel y trabajaba sus piezas con pinceles”. Los artistas de pastel pueden aprender mucho de Chase, que combinó cualidades de dibujantes y pintores en diversos grados en sus pinturas al pastel. En algunas piezas, se destaca su mano como dibujante, con trazos visibles que llaman la atención del espectador. Esto se puede ver en su Autorretrato, donde los reflejos en su rostro no se mezclan sutilmente; en cambio, cada golpe se pone en primer plano. El trabajo de Chase evolucionó con el tiempo, y experimentó con el medio, trabajando con una paleta limitada y empleando varias técnicas. Un análisis de las pinturas al pastel de Chase muestra todas las posibilidades que el medio ofrecía no solo en el siglo XIX sino también en la actualidad.
Jean-Baptiste Siméon Chardin (1699-1779)
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| Autorretrato con gafas
por Jean-Siméon Chardin, 1771, pastel, 18 x 15. Colección El Louvre, París, Francia. |
Autorretrato con sombreador de ojos
por Jean-Siméon Chardin 1775, pastel, 18 x 15. Colección del Louvre, París, Francia. |
Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699 - 1779) fue un maestro pintor al óleo que trabajó de la manera realista tradicional y tomó bodegones como su tema predominante. En gran medida autodidacta, fue fuertemente influenciado por los maestros del Bajo País del siglo XVII y, como ellos, se dedicó a temas simples y temas comunes. La obra de Chardin tenía poco en común con la pintura rococó que dominó el arte francés en el siglo XVIII, y la reputación del artista tuvo un mayor éxito después de su muerte. En un momento en que la pintura de la historia se consideraba el más alto arte público, las simples pinturas de Chardin de artículos comunes para el hogar, junto con su asombrosa capacidad para retratar la inocencia de los niños de una manera poco sentimental, todavía le dieron al artista una audiencia apreciativa en su tiempo, y explicaron su atractivo intemporal.
Hacia el final de su carrera, Chardin comenzó a trabajar en pasteles, explorando temas más allá de la naturaleza muerta. El artista tomó el medio ya que su vista comenzaba a fallar, lo que puede explicar su aplicación de color en trazos visibles en lugar de mezclarlos. Utilizó formas simples y cuadradas perfectamente organizadas en el espacio, y su paleta consistía principalmente en tonos tierra. Era un maestro de las texturas, las formas y la suave difusión de la luz. En Self -Portrait With Spectacles, su uso de rosas y azules en la cabeza y la chaqueta demuestra su disposición a jugar con el color y usarlo para crear un ambiente intrigante. El uso de trazos amplios, que muestra la mano del artista en el trabajo, marca el final de la mezcla suave favorecida por las pastelerías tradicionales, y mostró a los artistas posteriores qué direcciones podrían tomar con el medio.
Jean François Millet
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| Regando caballos, puesta de sol
por Jean-François Millet, 1866, crayón Conte en colores pastel y negro sobre papel tejido, 15 x 19. Colección del Museo de Bellas Artes, Boston, Massachusetts. |
Pastora y su rebaño
por Jean-François Millet, 1862, tiza negra y pastel, 14 5/16 x 18 11/16. Colección J. Paul Getty Museum, Los Ángeles, California. |
Nacido en una familia de granjeros, el pintor francés Jean-François Millet (1814-1875) estaba más interesado en pintar la vida cotidiana del campesinado. Sus primeros trabajos consistieron en retratos y escenas pastorales, pero es la pintura The Gleaners por la que es más conocido. La pintura muestra a dos mujeres recogiendo los restos de la cosecha, agachándose para recoger tan poco. Recoger lo que quedaba de la cosecha fue considerado como uno de los trabajos más bajos de la sociedad, sin embargo, Millet ofreció a estas mujeres como el foco heroico de la imagen; La luz ilumina los hombros de las mujeres mientras realizan su trabajo. Si bien fue criticado por presentar inclinaciones socialistas en su trabajo, sus pinturas aparecieron en el Salón de París año tras año.
A medida que su popularidad creció en la década de 1860, Millet recibió constantemente comisiones, y en 1865 un mecenas comenzó a encargar pasteles. De 1865 a 1869 pintó casi exclusivamente en colores pastel para una colección que eventualmente incluiría 90 obras. Con esta colección, Millett exploró las posibilidades y los límites del medio. "Fue uno de los primeros en dibujar realmente con el medio y usar trazos de color rotos, en lugar de mezclar los colores ampliamente como lo hicieron muchas de las primeras pastelerías", dice Flattmann. Muchas de sus imágenes posteriores son paisajes, con la figura humana completamente ausente. A medida que crecía, el artista prefería procesos más simples y directos, como el uso de grafito o pastel, en lugar de la pintura. En lugar del color oscuro y pesado de muchas de sus pinturas de la vida campesina, Millet a menudo dejaba ver el papel teñido y usaba su color con moderación en sus pasteles, destacando su dibujo.
