Pastel: El Yo En Autorretratos Contemporáneos

2023 Autor: Amelia Goldman | [email protected]. Última modificación: 2023-05-24 12:45

Varios artistas contemporáneos establecidos han abordado el tema del autorretrato de diferentes maneras, describiendo quiénes son o quienes desean ser en diferentes momentos de sus vidas.

por Ephraim Rubenstein

Autorretrato, impresión de Matisse

por Mary Beth McKenzie, 1991, aceite, 32 x 26.

Colección El Museo Metropolitano

of Art, Nueva York, Nueva York.

Mary Beth McKenzie se para frente al espejo, abierta y sencilla, con una intrigante mezcla de preguntas y afirmaciones sobre ella. Ella proyecta un sentimiento de familiaridad sufrida, mezclada con suficientes dudas para que algunas preguntas sobre ella se entrometan. Emplea un tropo familiar de autorretratos, situándose frente a una reproducción de una obra que admira. En este caso, es The Studio de Matisse, Quai St. Michel, París. La pintura de Matisse es una especie de autorretrato menos el yo, el artista se levantó y abandonó momentáneamente el estudio. Pero el modelo no se ha movido. Ella todavía mantiene la pose, y la silla y el dibujo de Matisse, como un perro fiel, esperan su regreso inminente, pero no antes de que McKenzie se haya deslizado y se haya insinuado en el lugar de Matisse en esta imagen del artista en el trabajo en su estudio.

Sin embargo, McKenzie ha hecho más que formar parte de la pintura de Matisse. La pintura del maestro francés se ha convertido en parte de ella. La imagen lírica de Matisse ha sido internalizada, digerida y reorganizada por McKenzie, pero esta vez en sus propios términos. Como burbujas de pensamiento en una novela gráfica, los elementos del mundo de Matisse parecen salir de la cabeza de McKenzie. La diagonal de la repisa de la ventana sale disparada de su frente, mientras que la modelo desnuda prácticamente se derrama de su oreja. Además, con una tremenda inteligencia pictórica, McKenzie ha relacionado cada tono en su pintura con los del Matisse. El gris general, que recuerda al invierno en París, está marcado por los ocres en el lado oscuro de su cara, que McKenzie ha tomado de las cortinas y las sillas, mientras que el rojo rosado debajo de su ojo también está prestado de la tela debajo del modelo..

McKenzie, como Rembrandt y Käthe Kollwitz antes que ella, y como Harvey Dinnerstein y Sigmund Abeles hoy, se ha pintado continuamente a lo largo de su carrera. Este cuerpo de trabajo constituye una crónica conmovedora de su desarrollo artístico y personal, relatando sus transformaciones personales y archivando el curso de su vida desde sus inicios como artista hasta el momento presente.

Auto retrato

por Ephraim Rubenstein, años 70, óleo sobre lino, 24 x 20.

Colección Amelia y

Madeleine Rubenstein.

Sin embargo, este continuo retorno al autorretrato representa un compromiso inusual con el esfuerzo. Los autorretratos de la mayoría de los artistas parecen congregarse en torno a su juventud o vejez, o en palabras de Shakespeare, sus entradas y sus salidas. Por lo general, los artistas que están interesados en el autorretrato tendrán una explosión de actividad cuando sean jóvenes. Esto a menudo representa un intento incipiente de descubrir quiénes son, o más importante, quiénes desean ser. Para las entradas, ninguna era más romántica que las imágenes de Courbet o Fantin-Latour que exudan el deseo de ser los héroes entusiastas de sus sueños. Recuerdo vívidamente que cuando pinté mi Autorretrato, acababa de ver una exposición de Goya, y recuerdo haber pensado que ser un joven noble español me convenía mucho mejor que ser un niño de Brooklyn que jugaba balonmano. David Kassan, alternativamente, adquiere una personalidad misteriosamente sin ego en su autorretrato temprano. Con los ojos desviados, con bolsas oscuras debajo que dan una sensación de angustia fatigada, evita deliberadamente proyectarse activamente al espectador. De hecho, parece que podría retirarse completamente de la pintura, probablemente lo haría. Pero independientemente de cómo se interpreten, los jóvenes son conocidos por la cantidad de tiempo que pasan frente a los espejos. Por lo tanto, el autorretrato, para muchos artistas, es una forma de asumir identidades, de probar los roles que desempeñan, con cada hombre en su tiempo desempeñando muchas partes.

Algunos artistas explorarán el otro extremo de la vida, sin embargo, examinando qué ha sido de ellos, un relato un tanto aturdido de lo que la vida les ha lanzado. Sigmund Abeles nos confronta inquietantemente en su Retrato de un parasomniac, atrapado en los cables y las redes de prisión del mundo médico moderno. Abeles seguramente debe preguntarse si puede ser el mismo hombre que nos miró tan generosamente y tan poderosamente como en su autorretrato Measuring-Up [no se muestra]. Burton Silverman sobrevivió de manera similar a una pesadilla médica, en su caso, un ataque al corazón, y se presenta a sí mismo como tal en su autorretrato, Survivor. Pero a diferencia de Abeles, Silverman está bien al otro lado del desastre. Con pinceles y cámara en mano, Silverman ha vuelto al trabajo, pero cambió para siempre. Su camisa está portentosamente apagada, un recordatorio de que los cirujanos tuvieron que cortar su pecho desnudo para mantenerlo con vida, y que la falta de camisa nunca puede tener el mismo significado para él.

Retrato de un parasomniac

por Sigmund Abeles, 2007, Pastel sobre papel, 31 x 41.

Colección del artista.

Para Silverman, el episodio médico es simplemente el trasfondo; lo que es realmente importante es que él está de vuelta en el trabajo. Y estar en el trabajo es una de las formas más importantes en que los artistas se imaginan a sí mismos. Para la mayoría de los artistas, nuestro trabajo está en el centro de lo que sentimos que somos. Como dijo un instructor de la Art Students League of New York: "Tengo dos tipos de pantalones: el tipo que tiene pintura en ellos y el tipo que los va a pintar". Vivimos para trabajar y ver nosotros mismos en el trabajo es cómo nos imaginamos más claramente. ¿Qué podría ser más revelador, al investigar quiénes somos, que representarnos en el caballete?

En el invierno de 2006, Ellen Eagle está trabajando, con tiza roja en la mano, atrapada en esa fracción de segundo entre mirar y grabar. Está representando el momento de la respuesta gráfica, un momento crucial para el pintor. Eagle ha capturado el instante entre cuando vemos lo que estamos buscando y cuando hacemos el movimiento para grabarlo. Es ese momento cuando tenemos una observación en nuestras mentes durante el tiempo suficiente para que podamos convertir nuestra impresión de luz en un pasaje de tiza de colores.

Con su vestido blanco griego, tan simple en sus pliegues que se lee como una túnica antigua, y su cabello oscuro repleto de rizos y rizos rizados por el costado de su rostro, Eagle se revela como una diosa a punto de atacar. Ella es Diana en la caza, su mano derecha sostiene sus flechas de colores. Ella está en el proceso de capturar a su presa, solo que esta vez, eres tú, la niñera.

Autorretrato: fin del día

por Joe Peller, 2003, óleo sobre lino, 72 x 44. Colección privada.

Joseph Peller también está en el trabajo, pero no está a punto de atacar, sino que está evaluando lo que ha hecho. Autorretrato: Day's End es un título revelador. Él mira con intenso escrutinio pero también con obvio placer por lo que ha logrado. La banda para la cabeza del atleta / guerrero habla del trabajo, del sudor y el trabajo, de las muchas horas que pasa de pie. Y mientras Eagle usa flechas, Peller empuña espadas. Pero Peller es una batalla altamente civilizada. Se ha plantado firmemente en medio de su estudio, un espacio lleno de hermosa luz del norte y con otras pinturas y esculturas, recompensas del trabajo de otros días fructíferos.

Tener pinturas de otros artistas a nuestro alrededor es una forma de referirnos a nuestro linaje artístico. Al incluir en el fondo de nuestras pinturas el trabajo de artistas a quienes admiramos, no solo expresamos nuestra gratitud hacia estos maestros sino que también reclamamos nuestras propias aspiraciones y ambiciones. Anthony Panzera intensifica esta noción de referencia histórica del arte al insertarse directamente en una idea pictórica anterior. En su Autorretrato como Medusa, Panzera rinde homenaje a Caravaggio sustituyendo su propia cara por la más famosa de las hermanas Gorgona.

Si Eagle es una diosa a punto de atacar, entonces Panzera es la que ha sido salvajemente golpeada. Por el "crimen" de haber sido violada en su templo sagrado, Atenea hizo que la hermosa Medusa fuera horrible. Donde exuberantes rizos oscuros una vez enmarcaban su rostro, Athena hacía brotar serpientes venenosas retorciéndose. Hizo que sus rasgos fueran horribles, medio derretidos, adoloridos, tanto que nadie podía mirar a Medusa sin convertirse en piedra. Fue solo cuando Perseo cortó la cabeza de Medusa y se la presentó a Atenea que se calmó la ira de la diosa. Este es el momento en que Panzera ha insinuado su propia cara trágica. Con la cabeza colgando del poderoso agarre de Perseo, la carne se despega de su cráneo mientras las serpientes horribles pero elegantes continúan retorciéndose en cumplimiento de su cruel destino.

La Gorgona de Panzera es una forma extremadamente dramática de referirse al linaje artístico propio. En su Autorretrato de 1994, Costa Vavagiakis hace una referencia igualmente personal a sus raíces estéticas y culturales, pero de una manera más sutil. El interés de toda la vida de Vavagiakis en el retrato lo llevó a los retratos de momias Faiyum, el arte funerario de los inmigrantes griegos que vivían en Roma en el primer siglo. Percibió de inmediato, como la mayoría de los espectadores, sus asombrosas cualidades paradójicas: la combinación de sofisticación con torpeza ingenua, una intensidad formal con una casualidad sin pretensiones y una extraña calidad realista junto con una estilización pronunciada. Estas caras antiguas te paran en seco porque viste a alguien que se veía exactamente así, a pesar de que han estado muertos durante 2, 000 años.

Estas cualidades paradójicas atrajeron enormemente a Vavagiakis, y en un intento de unir su propia historia personal con la historia más amplia del arte, se convirtió en el sujeto de su propio retrato de momia. A pesar de que el retrato de Vavagiakis está pintado al óleo, hizo que la acumulación de sus pinceladas se pareciera a la encáustica de Faiyum. Con su rostro empujado hacia el plano de la imagen y sus rasgos igualmente acentuados en una súplica al espectador para que se detenga por un momento y conversen, ¿qué podría ser una meditación más conmovedora sobre la muerte y la vida eterna que la que el arte nos otorga? ?

Reflexiones Nocturnas

por Harvey Dinnerstein, 2008, aceite, 24 x 42. Cortesía de Frey Norris Gallery, San Francisco, California.

La contemplación de la muerte se vuelve cada vez más apremiante a medida que envejecemos, mientras nos preparamos para nuestras propias salidas. Las reflexiones nocturnas de Harvey Dinnerstein contienen ambas reflexiones literales: su propia imagen oscura comprimida en una de esas columnas cilíndricas de metal que uno ve sobre la ciudad en las estaciones de metro y vestíbulos de oficinas, y también una reflexión sobre la brevedad de la vida, como lo ve uno de los habitantes de la ciudad. Los viajeros más sensibles. Y, de hecho, es un viajero: al aire libre, en ruta en una de las muchas estaciones anónimas de la ciudad, con señales de tráfico amarillas para indicar su movimiento. La pintura es una meditación sobre The Journey, sobre el hombre que está a punto de convertirse en ese reflejo en la columna, ese destello de luz tan comprimido que se siente como si fuera a ser expulsado de la pintura y se deslizara hacia adentro. la oscuridad.

Dinnerstein se detuvo en algún lugar de su viaje para mirarnos. Sus ojos son asombrosos: rojos, hinchados, rosados en las cuencas, con bolsas llenas debajo delineadas por pliegues pesados. Sus ojos son ojos que han visto mucho. Su sola presencia parece hacer una pregunta. ¿Qué está a punto de decir, este misterioso viajero nocturno, en su abrigo, en el camino?

El artista y escritor Ephraim Rubenstein es instructor en la Art Students League de Nueva York y en la Academia Nacional de Diseño de la Escuela, ambos en la ciudad de Nueva York.