Durante casi 30 años de entrevistas a artistas paisajistas para American Artist, M. Stephen Doherty ha visto a cientos de pintores usar una variedad de materiales y técnicas. Aquí, toma lo mejor de ese conocimiento recogido y lo resume en siete consejos útiles para los pintores de plein air.
por M. Stephen Doherty
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| Misty Morning, Trinchera
por M. Stephen Doherty, 2006, óleo, 11 x 14. Colección del artista. |
A menudo les pregunto a los suscriptores qué artículos recuerdan haber leído y disfrutado porque sus respuestas me ayudan a encargar funciones que provocarán la misma reacción positiva. La primera vez que hice esa pregunta, en 1979, al menos una docena de personas recordaron un artículo publicado en la edición de julio de 1972 de Susan E. Meyer, editora de la revista, en el que describía cómo pintaban los 11 miembros del Fairfield Watercolour Group. sus opiniones individuales de una granja de Connecticut en un día de octubre. Los claros recuerdos de ese artículo informativo me llevaron a interesarme por los pintores al aire libre y a organizar grupos de artistas que encontrarían sus propias formas de responder a un tema común del paisaje.
Durante los siguientes 29 años, seguí artistas por senderos de montaña, a lo largo de costas rocosas, hasta techos, junto a edificios históricos, dentro de exuberantes jardines y a lo largo de senderos cubiertos de nieve con mi cámara y mi bloc de notas. Traté de averiguar qué los atraía a los lugares, cómo seleccionaron y prepararon sus materiales de pintura, por qué desarrollaron sus imágenes de cierta manera y qué consejos ofrecerían a otros interesados en la misma búsqueda. Algunos presentaban artistas pintados en acuarela, otros en acrílico, algunos en caseína y pastel, muchos en óleo, y bastantes fotografías tomadas mientras dibujaban y pintaban. Aprendí algo valioso de cada uno de esos artistas, y mi intención es compartir lo que aprendí mientras aseguro a los lectores que el proceso de convertirse en un pintor competente es tan difícil y lento como agradable y gratificante. Incluso después de casi 30 años de estudiar con los mejores artistas, todavía tengo mucho que aprender sobre el proceso de creación de obras de arte a partir de lo que mis ojos observan, mi mente interpreta y mis manos ejecutan. Aunque las recomendaciones que ofrezco aquí pueden parecer bien consideradas y ligeramente profundas, representan mi lucha constante por mejorar la calidad de mis pinturas.
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| Atardecer en el valle del Hudson
por Frederic Edwin Church, 1870, grafito y óleo sobre cartón delgado de color crema, 11 1/8 x 15¼. Colección Museo Nacional de Diseño, Nueva York, Nueva York. |
Los artistas que probablemente tuvieron la mayor influencia en mi enfoque de la pintura al óleo son los artistas contemporáneos Thomas S. Buechner, Clyde Aspevig, Joseph McGurl y Jack Beal; así como los grandes pintores del siglo XIX Jean-Baptiste-Camille Corot (1796–1875) y la Iglesia Frederic Edwin (1826–1900). Buechner me mostró cómo adaptar la pintura al aire libre en un horario de trabajo ocupado, Aspevig me ayudó a identificar temas valiosos en lugares inesperados, McGurl demostró cómo manejar la pintura para crear la ilusión de detalles, y Beal me abrió los ojos a las composiciones dinámicas. Y cuando tuve la oportunidad de estar en la lona con un Corot o una pintura de la Iglesia, me sentí honrado por la capacidad del artista de crear la sensación de estar con él en un paisaje, compartiendo las experiencias creadas. por la luz y el ambiente.
Siempre he sido reacio a reproducir mi propia obra de arte en American Artist porque no quería confundir la misión de la revista con mi agenda personal. Aunque puedo dar forma al contenido de la publicación, trato de mantener mi enfoque en los mejores intereses de los lectores. Sin embargo, la gente me ha instado a hablar sobre mi obra de arte como una forma de personalizar la revista y dejar que los lectores sepan que comparto su pasión. He llegado a estar de acuerdo con ese punto de vista.
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| Otoño en la Iglesia Bautista Kent
por M. Stephen Doherty, 2006, óleo, 11 x 14. Colección del artista. |
También debo confesar que, como muchos de ustedes, espero que mi obra de arte viva más allá de mí como un registro de una persona que vio las cosas de manera creativa y, tal vez, conmovedora en un momento dado. Por ejemplo, hay todo tipo de razones por las que pinté Otoño en la Iglesia Bautista de Kent, algunas relacionadas con la belleza de la escena del otoño y otras relacionadas con el edificio de la iglesia, el cementerio y las hojas caídas como símbolos de vida, muerte y renovación. Lo que no puede saber al mirar la pintura es que tuve un accidente automovilístico menor en este sitio en 2006. Regresé siete meses después para pararme en el lugar exacto donde mi auto chocó contra un trozo de hielo y voló hacia el bosques junto a la entrada de la iglesia. Me alejé ileso pero consciente de cuánto puede cambiar la vida en una fracción de segundo.
¿Por qué te abrumo con estos detalles? Porque quiero enfatizar que mientras escribo sobre los mejores procedimientos para pintar cuadros, me uno a usted en la búsqueda de un lenguaje visual que ayude a expresar ideas más claramente. He tenido la suerte de pasar tiempo con artistas que son brillantes al hacer eso, y espero poder compartir algo de lo que me han dado generosamente.
Estos son algunos de los consejos específicos que he recibido que me ayudan al pintar:
IMAGINE DONDE, CUANDO Y CÓMO PINTARÁS
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| Aspen Road
por William Hook, 2004, acrílico, 24 x 36. William Hook pintó este paisaje durante una clase presentada en el primer número de Workshop. |
John Singer Sargent pudo haber comenzado a pintar en cualquier lugar o durante cualquier hora del día, pero el resto de nosotros necesitamos seleccionar un lugar de pintura en función de la hora del día, la estación del año y las condiciones que prevalecen. Un lugar puede ser inspirador por la mañana y aburrido por la tarde, o la ubicación puede requerir más tiempo para pintar de lo que está disponible. Por lo tanto, es importante tener en cuenta cuáles son las condiciones de pintura en los distintos lugares que está considerando. La mayoría de los profesionales toman nota de los lugares que pasan e intentan recordar el mejor punto de vista y el momento óptimo para regresar.
Thomas S. Buechner, uno de los artistas más cotizables que he conocido, dijo: "Cuanto más viejo me hago, más atractivo se vuelve el tema más cercano al baño". Estaba bromeando, por supuesto, pero él intenta evitar pasar demasiado tiempo buscando la ubicación de pintura "perfecta" porque siempre hay una variedad de opciones disponibles, algunas más convenientes que otras. Matthew Daub y William Hook tuvieron el mismo consejo cuando advirtieron contra la expectativa de que el paisaje sería más verde o más pintoresco al otro lado de la colina. Clyde Aspevig, un hombre de intensa motivación personal, elige lugares donde puede crear varias buenas pinturas sin tener que empacar y mover su equipo.
CONSIDERE LA DIRECCIÓN DE LA LUZ EN SU UBICACIÓN ELEGIDA
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| Bosque de Fontainebleau
por Jean-Baptiste Camille Corot, 1834, óleo. Colección Galería Nacional de Arte, Washington, DC. |
La mayoría de las pinturas plein air tardan varias horas en terminar, por lo que es útil considerar lo que sucederá con el ángulo y la intensidad de la luz mientras pinta en un sitio en particular. ¿La luz del sol atravesará la superficie de la pintura y creará un resplandor no deseado? ¿Se despejarán las nubes y crearán un fuerte contraste en el patrón de luz solar y sombra? ¿La distinción entre colores cálidos y fríos se hará más pronunciada a medida que el sol comience a ponerse?
Por supuesto, los artistas no necesitan ser esclavos de las condiciones climáticas. Una vez que una buena pintura está en marcha, las experiencias pueden guiarlos hacia su finalización exitosa. "Miente, engaña y roba", dice Jack Beal con una sonrisa. Con eso quiere decir que los artistas no están obligados a pintar exactamente lo que observan. De hecho, la composición se trata de abstraer el mundo tridimensional en una superficie bidimensional. "Si Corot y Albert Bierstadt pueden ayudarlo, entonces déjenlos por todos los medios", aconseja Beal.
VERBALIZA LO QUE QUIERES QUE LOS VISITANTES SABAN
Muchos maestros experimentados les piden a los estudiantes que escriban lo que quieren transmitir a los espectadores y peguen ese pedazo de papel en sus caballetes. El punto es permanecer enfocado en el aspecto más importante de su imagen. Cada vez que tome un descanso, lea el mensaje nuevamente y evalúe si está logrando su objetivo central. "Por lo general, recomiendo a los estudiantes que escriban esos mensajes en una tarjeta de 3" -x-5 "para que sea breve, simple y específico", dice Sondra Freckelton. “Cuando me detengo para revisar el progreso de los estudiantes, les pregunto si están desarrollando sus pinturas de manera que transmitan el mensaje en la tarjeta. Si no lo son, hablamos de elementos de la obra de arte que pueden confundir el mensaje. Prefiero hablar sobre materiales y técnicas en el contexto de ese objetivo enfocado ".
PLANEAR LA COMPOSICIÓN, VALORES, LÍNEAS, FORMAS Y COLORES
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| Vista suprema del monte. Blanca
por M. Stephen Doherty, 2006, óleo, 11 x 14. Colección del artista. |
Hay muchos aspectos importantes de la pintura, pero los que se discuten con mayor frecuencia en artículos de revistas, clases de arte y talleres de pintura son los que afectan los arreglos compositivos de los elementos abstractos. Los instructores hablan sobre el valor relativo y la temperatura de color porque separan un árbol de otro, el primer plano del fondo y la luz solar de las áreas de sombra. También les piden a los estudiantes que consideren cómo las direcciones implícitas en los caminos, cercas, ríos y caminos dirigen la atención de los espectadores hacia y alrededor de una imagen; y señalan cómo la repetición de colores y patrones puede establecer un sentido de unidad y armonía en una imagen.
Jack Beal habla sobre la composición cada vez que tiene la oportunidad de dirigirse a los estudiantes, y desearía que sus ideas fueran difundidas y entendidas de manera más amplia porque pueden ayudar a los artistas a crear pinturas más emocionantes y atractivas. Él va más allá del consejo obvio de mantener el punto focal de una pintura lejos del centro y diagramar el flujo direccional de formas y líneas. Les muestra a los estudiantes cómo usar el espacio positivo y negativo de manera más efectiva, cómo equilibrar las formas que mueven a los espectadores a una imagen y sacarlas nuevamente, y alienta a los artistas a doblar, torcer y inclinar las formas para que la composición sea más efectiva. Por ejemplo, señala a los artistas del Renacimiento y el Barroco que establecieron formas triangulares, circulares o trapezoidales subyacentes y organizaron las figuras, los objetos y las formas naturales en sus pinturas para que encajen libremente dentro de esas formas geométricas. Por ejemplo, estaba pensando en el consejo de Beal cuando compuse mi pintura Otoño en la Iglesia Bautista de Kent y usé una serie de formas triangulares para dirigir a los espectadores y dejarlos con una sensación de inquietud acerca de una escena agradable.
ESCULPIR CON PINTURA
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| El viñedo de Pietra Santa
por Randall Sexton, 2006, óleo, 11 x 14. Colección del artista. Arriba hay una demostración que Sexton completó en un taller presentado en la edición de otoño de 2006 de Workshop. |
Randall Sexton me enseñó a prestar más atención a la cantidad de pintura que aplico a una pintura, y Matt Smith me mostró los beneficios de "esculpir" el movimiento direccional de la pintura al óleo con un pincel. Ambos artistas ofrecían el mismo consejo dado por la mayoría de los instructores: trabajar desde aplicaciones de pintura delgadas a gruesas, dejar las sombras delgadas y los reflejos gruesos, y mover el pincel como si siguiera la topografía del paisaje.
El objetivo de todos estos consejos es reconocer que la densidad, la textura y la translucidez del aceite afectan la percepción de los objetos o lugares que representamos en nuestras pinturas. Este punto nunca fue más claro para mí que cuando vi una exposición de las impresionantes pinturas de Jacob Collins en Hirschl & Adler Galleries, en la ciudad de Nueva York, en octubre de 2006. Las sombras cálidas, de color marrón rojizo en los cuerpos de los reclinables los desnudos eran tan delgados que podía ver las líneas de grafito que el artista había dibujado para identificar los bordes de esas formas, y los oscuros colores de fondo detrás de las figuras se volvieron más delgados y cálidos a medida que llegaban al borde de los gruesos reflejos en la carne. Esas manipulaciones sutiles del volumen y la temperatura de los colores al óleo crearon una luz brillante en las imágenes.
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| Jardín Squeteague Harbour
por Joseph McGurl, óleo, 9 x 12. Colección privada. Joseph McGurl solo lleva a cabo dos talleres de jardinería al año, y una de esas clases se presentó en la edición de la primavera de 2007 de Workshop. |
El mismo día que vi la exposición de Collins, me detuve en un espectáculo de los paisajes de Joseph McGurl en las Galerías Hammer, también en la ciudad de Nueva York, y me fascinó ver cómo construyó la textura de la pintura que describe el primer plano de su Nueva Inglaterra escenas En algunos casos, utilizó un lienzo grueso que podía suavizarse con aplicaciones gruesas de color de aceite o dejarse en un estado áspero. En otras situaciones, texturizó el gesso acrílico subyacente en los paneles para que incluso una aplicación delgada de color de aceite se lea como una textura con pincel. Y parte de la pintura utilizada para establecer los primeros planos se aplicaba con una espátula, se mezclaba con arena o piedra pómez, o se raspaba justo antes de que estuviera completamente seca para que las pinceladas fueran menos obvias.
HACER UN ESFUERZO ADICIONAL
Alguien me dijo una vez que es mejor trabajar con inteligencia que con esfuerzo, lo que significa que usar el cerebro es generalmente más eficiente y efectivo que usar los músculos. Pero a menudo me he dado cuenta de que lo que hace que una pintura sea excepcional y otra bastante normal es la cantidad de tiempo y esfuerzo que el artista ha dedicado a la imagen. Es decir, las pinturas pueden mejorar dramáticamente cuando los estudiantes están dispuestos a comenzar de nuevo si su dibujo subyacente resulta ser inexacto; pasar más tiempo mezclando el valor correcto en lugar de elegir lo que está en su paleta; o para agregar una mayor cantidad de detalles a una imagen, especialmente cerca del punto focal. A veces la eficiencia no es una cualidad admirable, y la impaciencia es un obstáculo. Lo sé porque tengo la costumbre de ser muy impaciente, pero me recuerdo a mí mismo que no tiene sentido apilar una pintura más mediocre en la pila que se sienta en mi sótano. Si no estoy dispuesto a tomar el tiempo necesario para hacer una fotografía excepcional, entonces no tiene sentido comenzar una nueva.
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| Tractores y camiones, Trinchera
por M. Stephen Doherty, 2006, óleo, 11 x 14. Colección del artista. |
