En abril publiqué una entrevista con Clyde Aspevig en la sección Plein Air de nuestro antiguo sitio web. Quería trasladar la entrevista a nuestra nueva área de blog para aquellos que no han tenido la oportunidad de leer las respuestas de Clyde. Clyde es muy generoso con su conocimiento, tiene una gran comprensión de lo que hace que una pintura sea más que una simple imagen y tiene experiencia en todos los aspectos del negocio de las bellas artes. Entonces, si aún no has leído esto, prepárate para algunas perlas de la leyenda del paisaje.
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Gotas de lluvia y libélulaspor Clyde Aspevig, 2006, aceite, 50 x 40. |
Allison Malafronte: ¿Qué te hizo elegir la pintura de paisajes sobre otros géneros?
Clyde Aspevig: Siento que la pintura de paisajes me da una gama más amplia de interpretación. Los diversos patrones climáticos y las estaciones cambiantes dan inspiración constante. Debido a que el paisaje siempre ha sido una parte integral de mi vida, he desarrollado un profundo sentido de pertenencia a la naturaleza en lugar de sentirme separada de ella o por encima de ella.
AM: Creciste en una granja en Montana rodeada de montañas y belleza natural. ¿Crees que es importante que los pintores plein air pasen períodos de tiempo estudiando y analizando la naturaleza para profundizar su comprensión de su tema?
CA: Paso mucho tiempo fuera observando y aprendiendo sobre el mundo en que vivimos, y siento que esto mejora absolutamente mis habilidades para retratar con mayor precisión y profundidad la naturaleza. Comprender cómo crecen las plantas, cómo la geología ha dado forma a la tierra y cómo la luz afecta la apariencia de los objetos produce un enfoque mucho más reflexivo para interpretar el paisaje. Es extremadamente gratificante pasar mucho tiempo observando y disfrutando de la naturaleza, y no cuesta nada. Es mi forma favorita de entretenimiento.
AM: Cuando comienzas una pintura de paisaje, ¿qué pasa por tu mente? ¿Qué te preguntas, cuál es tu objetivo y propósito ?
CA: Mi primera preocupación al comenzar un paisaje exterior es capturar la sensación general de luz, ya que afecta las formas. Utilizo pinceladas amplias para bloquear el color general y los valores de las masas al mismo tiempo que intento crear movimiento. A medida que avanzo, mi intuición me lleva a concentrarme en la idea o el propósito detrás de lo que estoy pintando. La mayor elaboración del concepto llega, más tarde en el estudio. Los estudios de campo le proporcionan información que luego puede usar en una pintura más completa.
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| Wind River Mountains
por Clyde Aspevig, 2007, aceite, 30 x 40. |
AM: Dices que has construido tu propia forma de realismo, en el sentido de que sugieres detalles con efectos de pintura como escombros, impasto y esmaltes transparentes y dejas que la imaginación del espectador interprete el resto. ¿Puedes explicar cómo haces esto mientras logras efectos tan realistas?
CA: Trato de pintar el paisaje de la forma en que ve el ojo humano. Realmente no pinto todos los detalles, aunque pueda parecer de esa manera. En cambio, me concentro en el resumen general de formas y siluetas que aparecen a contraluz. El detalle proviene de las texturas y las capas de pintura, que crean efectos o formas abstractas que explican los detalles.
Intento mezclar la escena con el concepto de un todo mediante el uso de diversas técnicas que involucran bordes suaves y duros para explicar el enfoque, la distancia y la profundidad. Si exageras los detalles, la pintura se vuelve aburrida. Trato de acercarme al realismo de una manera que normalmente no esperarías. La calidad de la superficie de la pintura, si se realiza correctamente, debería realzar el misterio de cómo funciona el efecto general. Métodos como la lucha y el acristalamiento se suman a ese misterio. Cuando se logra la unidad del todo, el trabajo es exitoso. La parte divertida de pintar es cuánta variación e interés puedes lograr en la construcción de las partes que forman el todo.
AM: Un hecho poco conocido sobre ti es que usas los principios de la música en tu proceso de pintura regularmente. ¿Cuál fue exactamente tu formación en música y cómo la aplicaste a tu pintura?
CA: La música siempre ha sido una parte importante de mi vida. Estudié piano clásico cuando era niño y adulto joven. Todos sabemos que la música es sonido organizado. La pintura es "música silenciosa" en cierta forma porque muchas técnicas de pintura pueden estar relacionadas con la teoría de la música. Los bordes suaves y duros son similares a las notas fuertes y suaves en la música. La armonía, los acordes, el tono, el ritmo, la síncopa y la madera se pueden traducir a las artes visuales. Muchos científicos dicen que la música se originó antes que el lenguaje en los humanos, por lo que no es sorprendente que estemos conectados para conectar la expresión de la pintura con la mecánica de la música.
Scriabin dijo que sus composiciones eran "pinturas sonoras", es decir, que las notas y las melodías eran forma y forma, y que el timbre era color y valor. Utilizo la idea de las notas, y más importante el espacio entre ellas, para organizar pasajes ocupados (una ladera boscosa, por ejemplo) para que el espectador pueda experimentar el propósito en estas formas. Los temas complejos se pueden simplificar organizando formas como notas mientras se conserva el concepto complejo que agrega interés a la pintura. Los árboles esparcidos a lo largo de una ladera son solo notas que esperan ser organizadas en "música silenciosa".
AM: Wind River Mountains, que se vendió a través de la Subasta de Arte de Scottsdale por poco más de $ 72, 000, es una de tus piezas más bellamente concebidas y ejecutadas. ¿Puedes llevarnos a través de la concepción de esta pintura?
CA: Wind River Mountains fue concebido a partir de estudios de campo, diapositivas y recuerdos de un reciente viaje de mochilero en Wyoming y luego ejecutado en el estudio. Con los años he desarrollado una memoria visual para el paisaje. En esta pintura, simplemente subí mentalmente la escena, creando rocas y árboles, colinas y cielo a medida que avanzaba. Es como crear tu propio mundo de alguna manera. Esta pintura es un compuesto, pero aún se mantiene fiel al paisaje real.
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| Snorkel en tierra
por Clyde Aspevig, 2008, óleo, 40 x 50. Colección privada. |
AM: Usted ha tenido mucho éxito como pintor paisajista a lo largo de su carrera y se sabe que no se "vendió" a aquellos que tratarían de encasillar su trabajo. ¿Qué consejo le darías a los pintores de paisajes a la hora de elegir galerías e interactuar con comerciantes de arte?
CA: Tratar de encontrar una galería o distribuidor que esté dispuesto a promocionarlo como artista de acuerdo con sus propias metas y objetivos personales es una tarea muy difícil. Las galerías están en el negocio de vender arte, y generalmente quieren grandes inventarios o muy buen arte que se venda por mucho dinero. Muy rara vez una galería nutrirá a un artista joven a menos que haya algo para ellos, y eso es dinero. Mi consejo para los artistas es que nunca firmen ningún contrato, pero sean leales a la galería si hacen lo que prometen. Si trabaja muy duro y pinta desde el corazón y su trabajo es bueno, lo hará bien. Hay más compradores de grandes obras de arte que crea grandes obras de arte, así que concéntrese en la calidad y no aumente los precios más rápido de lo que el mercado puede soportar.
AM: Si en teoría tuvieras a un aprendiz pasar un año en tu estudio aprendiendo de ti, ¿dónde comenzarías a destilar todo lo que has aprendido y dominado en tu carrera? ¿Cuáles serían los principios principales que le gustaría transmitir a la próxima generación?
CA: Si pudiera transmitir algo a la próxima generación sería seguir tu pasión, trabajar duro, jugar, sentir curiosidad por todo, leer mucho, viajar, explorar, vivir, amar y profundizar. Y no bebas vino barato.
