En Plein Air: Una Conversación Con Joseph McGurl

2023 Autor: Amelia Goldman | [email protected]. Última modificación: 2023-05-24 12:45

Joseph McGurl creció bajo la tutela artística de su talentoso padre mientras cultivaba una pasión por la navegación y un amor por el mar. Esta influencia temprana, junto con años de duro trabajo y práctica, lo han convertido en uno de los pintores de paisajes más importantes de la actualidad, y en esta entrevista comparte su conocimiento, experiencia y visión sobre el arte de pintar la naturaleza.

Sun Main Coast por Joseph McGurl, 2008, aceite, 18 x 24. Cortesía de Tree's Place, Orleans, Massachusetts.

Entrevista realizada por Allison Malafronte.

Artista estadounidense: habla un poco sobre tu formación artística, específicamente sobre el papel influyente que jugó tu padre para inspirarte a convertirte en artista

Joseph McGurl: Debería prefacio mis respuestas diciendo que sé que muchos artistas estarán en desacuerdo con algunas de las cosas que digo. Esto es bueno y como debería ser. Si todos estuvieran de acuerdo con mis puntos de vista, todos estarían pintando como yo, y el arte sería muy aburrido.

Desde que tenía unos 5 años, sabía que quería ser artista. Esto fue probablemente porque mi padre era uno, y parecía natural, y me gustaba dibujar. Además de ser un modelo a seguir, mi padre me ayudó a corregir mis dibujos cuando no podía ver por qué no se veían bien. Cuando era adolescente, lo ayudé con su trabajo, que incluía pintar murales, mármoles, estampados, pintura de estatuas, vetas de madera, pintura decorativa, representación arquitectónica, diseño de monumentos y casi todo lo que tenga que ver con la pintura. Principalmente pintaba en fondos, limpiaba pinceles, mezclaba pintura y realizaba otras tareas asociadas. A temprana edad también me sentí cómodo con el uso de pintura y la explotación de sus cualidades asociadas. Probablemente el impacto más profundo que mi padre tuvo en mí fue su ética de trabajo dedicada. Tuvo que encontrar una manera de mantener a una familia de siete y fue capaz de hacerlo gracias a su talento y trabajo duro. Trabajamos largos dias.

Durante mi adolescencia, asistí a clases los sábados en el Museo de Bellas Artes de Boston con Ralph Rosenthal. Era otro modelo a seguir que, entre muchas otras cosas, me enseñó a analizar lo que estaba dibujando o pintando para comprenderlo mejor y retratarlo de una manera más convincente, lo cual era importante para mí. Asistí a la Facultad de Arte y Diseño de Massachusetts y me gradué con una doble especialización en educación y pintura. Realmente no había mucho énfasis académico en los conceptos básicos del dibujo y la pintura, y sentí que mi educación era incompleta. Más tarde, me enteré de los discípulos de la Escuela de Boston y su enfoque del dibujo, que se basó en las enseñanzas de la Academia Francesa. Este enfoque del dibujo evolucionó a lo largo de cientos de años para convertirse en un método muy efectivo para capacitar a los estudiantes para que vean con claridad y dibujen con precisión. Estudié dibujo de figuras con Robert Cormier, y realmente se convirtió en un punto de inflexión en mi capacidad para expresar lo que buscaba.

Pasando el embarcadero por Joseph McGurl, 2008, aceite, 23 x 25. Colección Robert Wilson Galleries, Nantucket, Massachusetts.

AA: Después de estudiar dibujo de figuras con Robert Cormier, ¿qué te llevó al género del paisaje?

JM: En mis años más jóvenes pinté, esculpí, imprimí e hice todo tipo de proyectos de arte. Gradualmente, los tipos de arte y materiales que me dieron la mayor satisfacción triunfaron sobre los que encontré menos interesantes. Recibí los comentarios más emotivos de los paisajes y decidí no perder el tiempo en un trabajo menos apasionante. Si no estoy totalmente comprometido con lo que estoy pintando, pierde su entusiasmo, y creo que la falta de pasión se vuelve obvia. Aunque disfruto dibujando figuras, realmente fue un medio para un fin. Quería dibujar mejor, y el método enseñado por los artistas de la Boston School es la mejor manera de hacerlo.

AA: ¿Cuánto tiempo estudiaste arte en Inglaterra e Italia? ¿Fue durante este tiempo que te interesaste por el enfoque tradicional y antiguo de la pintura?

JM: Estos fueron programas de verano que tomé en la universidad. El viaje a Inglaterra fue en la Universidad de Londres. Desafortunadamente, el departamento de bellas artes no estaba bien administrado y resultó decepcionante. La historia del arte fue mejor. El valor real era ir a los museos y ver a los agentes y los Turners. También fui a Holanda para ver a los maestros holandeses. Fue entonces cuando me di cuenta de que podía aprender mucho más estudiando el arte en los museos. El viaje a Italia estuvo a cargo de la Universidad de Boston y fue excelente. El profesor de historia del arte, Sam Edgerton, fue uno de los mejores maestros que he tenido. Una vez más, me quedé absorto en la obra de arte en los museos. Esto me enseñó que la mejor manera de abordar mi arte era aprender de quienes vinieron antes que yo y tratar de avanzar un poco mientras desarrollaba mi propia identidad.

AA: Los artistas a menudo admiran su obra de arte por su capacidad de capturar luz y crear luminosidad y atmósfera. ¿Podría resumir cómo hace esto, tanto desde un punto de vista técnico como mental?

JM: Los aspectos técnicos de pintar luz y atmósfera son bastante sencillos. Realmente se reduce a mezclar el color y el valor correctos para una ubicación particular en el espacio ilusorio de la pintura. A veces modifico un pasaje con un esmalte o un escándalo. También uso la textura, o la falta de ella, para ayudar a definir el espacio y la luz. Una de las cosas que aprendí de los maestros es que la pintura gruesa ayuda a que los objetos avancen y hace que los objetos ligeros parezcan más brillantes, por lo que frecuentemente usaré este "truco". La pintura delgada y transparente le da profundidad a una pintura. La importancia de la exactitud del color y el valor se hace evidente para mí cuando veo una reproducción de una de mis pinturas. A veces, un color o valor en particular no se reproduce correctamente, y salta de su posición en el espacio.

Mentalmente, es realmente importante imaginar la escena en tres dimensiones. He pasado años estudiando el paisaje y tratando de entender lo que está sucediendo y por qué. Por ejemplo, el color de un objeto cambia a medida que retrocede en la distancia de manera diferente al atardecer que al mediodía. Al comprender cómo el espacio y la luz afectan el color y el valor, puede exagerar o minimizar los colores para aumentar aún más la profundidad. Recuerde, está tratando de pintar un espacio tridimensional en una superficie plana y la luz del sol con solo pigmentos, por lo que no puede pintar lo que ve. También tienes que pintar lo que sabes para explotar todas las posibilidades.

A través del mar por Joseph McGurl, 2007, óleo, 24 x 36. Colección privada.

AA: Describa su conexión con el mar, incluido su "estudio flotante", Atelier

JM: Crecí en el agua y pasé mis veranos nadando, navegando y explorando las islas y calas cercanas. Probablemente hay razones psicológicas por las que tengo una conexión tan fuerte con el océano, pero también hay otras artísticas. El océano y la costa tienen muchos aspectos de lo que me interesa intelectual y visualmente sobre nuestro mundo. Hay un espacio infinito y una luz maravillosa, que son los temas principales en mi arte. No es un entorno estático. El sol, la marea, los patrones de viento y las formaciones de nubes cambian cada minuto. También me atrae el desafío de tratar de pintar la profundidad, la reflexión, la transparencia, el peso y el movimiento del océano.

He estado pintando desde barcos desde que era un adolescente. A principios de mis 20 años trabajé como capitán de un yate y desde entonces he usado recipientes para pintar. El Atelier es lo último. Es un velero con aparejo de ketch de 44 pies de largo. Fue construido en 1965 y tiene bonitas líneas clásicas. Muchos barcos modernos son feos y se parecen más a electrodomésticos de cocina que a barcos. Mi familia y yo pasamos la mayor parte del verano navegando por Nueva Inglaterra, y pinto con mucha frecuencia desde a bordo, o llevo el bote a la orilla y pinto desde la tierra mirando. Navegar me da una mejor comprensión de mi tema.

AA: ¿Cuál es su proceso de plein air? ¿Qué tan importante es para usted crear estudios y bocetos in situ, en lugar de utilizar fotografías como referencias para su trabajo de estudio?

JM: Estoy tratando de retratar mi respuesta al mundo real, no una representación visual plana del mismo. Estoy tratando de pintar todo el árbol, incluso el lado que no puedes ver. También estoy tratando de pintar un árbol vivo que morirá en el invierno y florecerá nuevamente en la primavera. La ciencia nos ha enseñado que el espacio y el tiempo no son estáticos y que en el nivel subatómico hay un frenesí de actividad. Sabiendo esto, no puedo pintar a partir de una foto que carece de todas estas realidades. También estoy tratando de entender la naturaleza de la manera más completa posible, y estudiarla atentamente mientras la interpreto en pintura es la forma más efectiva que sé para lograr esto. El desafío de ir al campo con solo mis pinturas y salir con una imagen útil también es atractivo. A veces no tengo suficiente tiempo para capturar un cierto efecto, pero así es como funciona. Es difícil confiar solo en mis propias observaciones, y puede parecer más fácil pintar a partir de fotos, pero mi objetivo no es hacerlo de la manera más fácil sino de la mejor manera. Al igual que todos, a veces tengo tendencia a ser flojo, y si sé que tengo una foto que me respalde, es posible que no busque tanto o trabaje tanto en el bosquejo como debería.

AA: Para aquellos artistas que no pueden obtener un lugar muy codiciado en uno de sus dos talleres anuales, por favor deles una visión general de lo que se enfoca en un taller típico.

JM: Intento ayudar a los participantes a ver el paisaje en términos más simplificados y mostrarles algunos trucos prácticos que he aprendido para que sea más fácil pintar al aire libre. Hay tanta información para resolver. Creo que la pintura al aire libre es la forma de arte más difícil de dominar. Además de las preocupaciones habituales de concepción, composición, dibujo, valor y color, los pintores de plein air tienen una cantidad infinita de detalles para simplificar. El rango de valor no es lo suficientemente amplio como para pintar el brillo del sol o la profundidad de una sombra, y ¿cómo se pintan cinco millas de distancia, el movimiento de las olas o todas las hojas de un árbol? Además, la luz cambia constantemente, puede ser caliente o ventoso, el sol está en sus ojos y debe limitar sus suministros a lo esencial.

En mis talleres, comienzo con una descripción general de mi proceso de pintura y les muestro a los estudiantes mi equipo de pintura y cosas que han facilitado un poco el procedimiento. Luego abordo a través de demostraciones y críticas algunos de los principales problemas que la mayoría de los participantes tienen al pintar el paisaje. Un ejemplo es que pierden de vista el hecho de que cada objeto tiene una forma definida. Una roca y un árbol tienen formas subyacentes similares. Las texturas superficiales superficiales confunden a los estudiantes. Discuto la importancia de ver la verdadera forma del objeto y luego idear formas abreviadas de implicar la textura de ese objeto. También paso mucho tiempo en perspectiva lineal y atmosférica para ayudarlos a crear profundidad en la pintura. Por lo general, hago una demostración por la mañana, y luego trabajan en sus pinturas por la tarde. Paso al menos una sesión de demostración en el estudio mostrando el proceso mecánico de hacer una pintura de estudio a partir de un boceto. También muestro algunas de las herramientas únicas que a veces uso y analizo cómo configuré el estudio. Esta demostración incluye algunos métodos de manipulación de pintura, como el acristalamiento, el empaste y el scraffito.

Paz por Joseph McGurl, 2008, aceite, 24 x 36. Cortesía de Tree's Place, Orleans, Massachusetts.

AA: ¿Crees que es posible enseñar a los artistas a pintar al nivel de habilidad y habilidad que has logrado? ¿Es eso transferible o crees que es algo con lo que naces de forma innata?

JM: Creo que es un poco de ambos. Tienes que tener algo de talento, y debes tener algo de entrenamiento. También tienes que trabajar muy duro durante mucho tiempo. Así como los médicos o los plomeros tienen que pagar sus cuotas, los artistas también lo hacen. Cuando miro hacia atrás a la obra de arte que estaba haciendo en mis 20 años, fue realmente malo, pero finalmente mejoró.

AA: ¿Qué artistas del paisaje, pasado y presente, admiras?

JM: Artistas pasados incluyen Frederic Edwin Church, Sanford Gifford, Worthington Whittredge, John F. Kensett, JMW Turner, Arthur Streeton, John Singer Sargent y Hugh Bolton Jones. Para artistas contemporáneos, Andrew Wyeth, Jamie Wyeth, Antonio López García, Don Demers, William Davis, Matt Smith, Marcia Burtt, Ken Auster.

AA: ¿Qué es lo que más te inspira como artista? ¿A dónde recurres para la motivación creativa?

JM: A veces me inspiro al ver un espectáculo en una galería o museo. Cuando pinto al aire libre con otros artistas, me inspira cómo adoptarán un enfoque diferente de la misma escena. Además, la naturaleza en todas sus formas, a veces con la impronta del hombre, es probablemente la forma más inspiradora para entusiasmarme con la pintura.

Para motivarme creativamente solo voy a trabajar. A veces he estado pensando en un problema particular toda la noche, y si creo que he encontrado la solución, me entusiasma el trabajo del día siguiente. Otras veces no me siento particularmente creativo, pero tengo que ser productivo. Realizo mi trabajo y, a menudo, la inspiración llega después de un tiempo. A veces estos terminan siendo mis mejores días, y el día pasa demasiado rápido.

Para obtener más información sobre Joseph McGurl, visite su sitio web en www.josephmcgurl.com.

Fin de semana con el maestro instructor Joseph McGurl impartirá dos talleres magistrales y dará una demostración durante el American Artist's Weekend With the Masters Workshop & Conference, del 10 al 13 de septiembre de 2009. Para obtener más información, visite www.aamastersweekend.com.