El enfoque de la pintora paisajista de California, Camille Przewodek, para pintar al aire libre se trata de capturar el color de la luz. Ella le da crédito a su maestro Henry Hensche por haber abierto los ojos a esta nueva forma de ver cuando era estudiante, y ahora ayuda a otros pintores al aire libre a ver la luz a través de su instrucción directa centrada en las tradiciones de la histórica escuela del Cabo de Charles Hawthorne y Henry Hensche. de arte.
| Perspectiva aérea
por Camille Przewodek, 2007, aceite, 11 x 14. Colección Joan Irvine Smith. |
Artista estadounidense: Henry Hensche fue su mejor mentor y el artista que dijo cambió la forma en que veía la luz y el color. ¿Cuáles fueron los principios fundamentales de su enseñanza?
Camille Przewodek: Hensche era estudiante de Charles Hawthorne y se hizo cargo de la Escuela de Arte del Cabo, en Provincetown, Massachusetts, cuando Hawthorne murió. Hensche hizo que sus alumnos pintaran bloques simples de colores primarios al aire libre bajo condiciones de luz variables, lo que les permitió enfocarse únicamente en el color de la luz. Otro punto que propuso fue dejar que la naturaleza sea su guía. Hensche realmente terminó desarrollando la comprensión del color más allá de lo que hicieron Hawthorne o Monet.
AA: ¿Por qué crees que es tan importante centrarse en cómo ve un artista, especialmente como pintor de plein air?
CP: Como dijo Hawthorne, "La visión del artista es la visión de ver y la capacidad de decirle al mundo algo que él o ella piensa inconscientemente sobre la naturaleza". Vivimos en una época en que los pigmentos y las herramientas para recrear esta visión son disponible para nosotros. La capacidad de pintar los efectos de la luz con precisión lleva toda una vida de estudio, y no hay límite para el desarrollo de esta visión. Nosotros, como artistas, tenemos la capacidad de mostrar la belleza en lo mundano.
AA: ¿Por qué has decidido hacer que la luz sea el foco de tu trabajo y la comprensión de la luz sea el foco de tu carrera? ¿De qué se trata la luz en el paisaje que te atrae?
CP: Cuando conocí y estudié con Hensche, mi vida como pintor cambió. ¿Con qué frecuencia asistes a un taller que altera toda tu percepción? Donde antes había sombras grises, ahora esas sombras estaban llenas de color y luz. Sabía que estaba en presencia de la grandeza cuando estaba con Hensche, y quería lo que él tenía para ofrecer. Fue muy honesto, a diferencia de cualquier otra instrucción que haya recibido. Me convertí en un pintor nacido de nuevo.
AA: ¿Considera que su enfoque para pintar la luz es similar o diferente al de los impresionistas franceses?
CP: Los impresionistas franceses estaban a la vanguardia de una nueva forma de ver. Estaban experimentando con la yuxtaposición de color, y su color era de color roto. Me gustan más los impresionistas estadounidenses porque ponen más énfasis en los puntos sólidos de color y forma.
AA: Muchos pintores de plein air luchan con la captura de luz que se mueve rápidamente. ¿Qué consejo les ofreces a tus alumnos sobre este tema?
CP: Pintar de forma rápida y eficiente. Hawthorne sintió que los comienzos son los más importantes. Después de hacer lo suficiente con muchas luces diferentes, desarrollas un recuerdo de pintura. Además, si la luz está entrando y saliendo, tenga dos lienzos disponibles para que pueda cambiar de una pintura a la otra a medida que cambia la luz.
AA: Dices que deseas utilizar el color para crear formas y no depender de fórmulas. ¿En qué trampas formulales caen a menudo los pintores de paisajes?
CP: He visto pintores usar la misma fórmula para todos sus árboles. Ponen un lavado de color y pintan sobre esto cada vez. Intento responder a un tema cada vez como si fuera la primera vez que lo pinto.
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Shark Harbour Surf por Camille Przewodek, 2000, aceite, 12 x 16. Colección privada. |
AA: Usted es residente de California, pero pinta al aire libre en todo el país y en el extranjero. ¿Qué lugares admiras más por su calidad de luz?
CP: Me encanta la diferencia de cada lugar geográfico. Por ejemplo, no pinto mucho en el desierto, así que trato de pasar un tiempo allí para comprender mejor cómo las partículas de arena afectan el color de la luz. Una ubicación como esa es muy diferente a un lugar como Laguna Beach, por ejemplo, que tiene una luz muy azul debido a toda la humedad en el aire. Me gusta pintar en California porque puedes estar al aire libre durante todo el año con el clima maravilloso, pero también viajo mucho a otras áreas. Provincetown, Massachusetts, es uno de mis destinos de viaje favoritos para pintar al aire libre.
AA: ¿Cuál es tu hora y tipo de día favorito para pintar?
CP: Pinto todas las luces. Cuando estuve en Laguna Beach un año haciendo el evento por invitación plein air, tuvimos muchos días grises. Muchos artistas nunca habían pintado un día gris. Estaba en el cielo porque amo los días grises y encuentro mucho color en ellos. No creo que debas limitarte. Incluso trabajo a mitad del día para tratar de pintar la diferencia entre la luz de la mañana, del mediodía y de la tarde.
AA: ¿Puedes recordar una experiencia de pintura al aire libre en la que te encontraste con una situación de iluminación extraordinaria? ¿Cómo lo manejaste?
CP: Pintar las colinas de La Quinta, California. Normalmente, la luz de la mañana es muy rosada, pero esas colinas eran de color naranja en la mañana. Si hubiera seguido una teoría, no habría obtenido el color correcto. La gente miraba mis pinturas de montaña y comentaba que podían decir que eran colinas de La Quinta.
