En el nuevo taller que abrió en Roma, Andrea J. Smith enseña a los estudiantes a usar una paleta de colores limitada al pintar exactamente lo que ven desde una distancia medida del sujeto y el caballete.
por M. Stephen Doherty
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| Andrea J. Smith hizo correcciones en un
dibujo a la vista del estudiante en el Atelier Canova, en Roma. |
La revista Workshop ha informado sobre varios maestros que enfatizan un enfoque académico para dibujar y pintar. Se les pide a los estudiantes que asisten a sus talleres y clases que hagan dibujos exactos de moldes de yeso de esculturas clásicas, pasen horas dibujando modelos planteados y usen el método del tamaño de la vista al dibujar o pintar. Aunque hay varios métodos comunes enseñados por instructores como Jacob Collins, Ryan S. Brown, Michael Chelich y otros, también hay distinciones importantes entre los materiales y las técnicas que recomiendan.
Andrea J. Smith ha presentado su propia versión de este programa educativo en la Academia de Arte de Florencia en Italia; El Harlem Studio of Art y la New York Academy of Art, en la ciudad de Nueva York; y el Atelier Canova, en Roma. En cada uno de sus talleres y sesiones de clase regulares, ella ofrece un equilibrio saludable entre las habilidades exigentes y la interpretación personal. Además, ha desarrollado una forma específica de enseñar a los estudiantes a trabajar con colores al óleo que va mucho más allá de lo que generalmente se ofrece en los Estados Unidos y Europa.
Para comprender la visión independiente de Smith de la educación artística clásica, es útil conocer la vida peripatética que ha seguido desde que dejó la pequeña ciudad de Mildura, Australia. Después de graduarse de la Universidad de Melbourne en 1982, realizó un viaje de mochilero por Europa y ocupó puestos de camarera, niñera y restauradora de muebles antes de inscribirse en la Academia de Arte de Florencia y decidir seguir una carrera como pintora. En 1999 ganó el AME Bale Art Award, un premio de pintura australiana que le permitió visitar museos europeos en 2000, y en 2001 viajar a Nueva York. Este movimiento demostró ser un cambio crucial en la dirección de su desarrollo cuando se convirtió en parte de una comunidad de artistas representativos y fue aceptada para su representación por Forum Gallery. En noviembre de 2003, fundó The Harlem Studio of Art (con la artista Judith Pond Kudlow). "El plan de estudios principal era mi versión del programa en la Academia de Arte de Florencia", explica, "pero el ambiente en el estudio estaba más en línea con un taller que con una escuela tradicional en el sentido de que los estudiantes estaban trabajando junto a profesionales artistas practicantes. A menudo llamaba a los estudiantes a mi estudio para mostrarles en qué estaba trabajando, y eso era beneficioso para su aprendizaje, así como para su moral. Descompuso la seca formalidad de los ejercicios preliminares de copias de Bargue y dibujos emitidos, y ayudó a los estudiantes a entender por qué necesitaban adquirir habilidades al ver cuán efectivos podían ser para resolver problemas ".
Después de estudiar en la Academia de Arte de Florencia, Smith se convirtió en uno de los principales instructores de dibujo de la academia. El programa de dibujo en Florencia involucró una serie disciplinada y secuencial de pasos distintivos destinados a enseñar a los estudiantes a dibujar exactamente lo que observaron desde un punto de vista a una distancia medida de la materia y el caballete del estudiante. Este método de tamaño visual [ver recuadro], como se lo llama, primero se aplicaría para hacer copias de páginas tomadas del conjunto de 197 litografías de hojas sueltas producidas por Jean-Léon Gérôme y Charles Bargue en el siglo XIX que se denominó Cours de Dessin (curso de dibujo). Más tarde, los estudiantes podrían usar un proceso similar para dibujar figuras u objetos de naturaleza muerta.
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| Casas de vidrio
2007, aceite, 32 x 40. Colección privada. |
"Básicamente, los estudiantes aprendieron a trabajar a la vista haciendo copias de las placas Bargue", explica Smith. “Llamo a estas copias 'el piso', con los dibujos primero realizados en grafito, luego en carbón. El siguiente desafío fue aplicar este conocimiento para dibujar un objeto tridimensional simple y luego hacer una serie de dibujos de fundición al carbón. Finalmente, un dibujo se desarrollaría en carbón y tiza blanca.
"En Roma, la sección de dibujo del curso se completa y los estudiantes comienzan el curso de pintura volviendo a su dibujo en negro (carbón) y blanco (tiza) del elenco y haciendo una pintura en grisaille", dice Smith en referencia al Atelier. Canova “El curso de pintura continúa con arreglos simples de bodegones usando una paleta de colores limitada, y luego los estudiantes pasan a configuraciones de bodegones más desafiantes que consisten en objetos complejos y colores locales saturados. El método de instrucción puede parecer bastante rígido, pero está diseñado para enseñar habilidades muy específicas. Es extremadamente efectivo para equipar a los estudiantes con una amplia gama de recursos que pueden utilizarse para desarrollar pinturas más complejas y conceptuales.
"Desafortunadamente, muchas personas todavía no entienden el concepto de tamaño de la vista", señala Smith. “La idea errónea más común es que las pinturas o dibujos resultarán de tamaño real. Esto es absolutamente incorrecto porque los artistas pueden dibujar o pintar sujetos del tamaño de un sello de correos o más de tamaño real. Mucho depende de la dirección que los artistas deseen seguir, y mi curso es solo otra forma de ayudar a los artistas a llegar a donde quieren ir.
"El método equipa al artista con una forma rápida y económica de dibujar de la naturaleza", agrega Smith. “Durante las etapas iniciales, se presta atención a las proporciones más básicas y al borde del contorno. Solo las formas geométricas más simples, los cambios de plano más importantes y los patrones de sombra se colocan en las etapas preliminares. Y todos están indicados con líneas rectas. Esta etapa es muy escultórica porque es similar a comenzar con un cincel grande para tallar las grandes formas y terminar desarrollando la textura y los detalles de la superficie. Luego, el dibujo se refina redondeando el bloque con el rango más simple de formas de valor. Luego, los estudiantes continúan el proceso modelando la forma desde los valores más oscuros hasta los más claros hasta que el dibujo se vuelve más sólido y tridimensional. Los mismos principios y métodos de trabajo se aplican si uno trabaja con grafito, carbón o aceite”. Una vez que los estudiantes de Smith han copiado con éxito las placas Bargue, pasan a dibujar moldes de yeso y tienen la opción de inscribirse en las clases modelo del sábado. Aquí los estudiantes trabajan en grafito o carbón en una sola pose que un modelo puede mantener durante 12 a 24 horas.
Aunque algunas de las clases de Smith se programan regularmente con hasta seis estudiantes por sesión, ella también ofrece talleres a corto plazo. Estos se llevan a cabo en el taller (naturaleza muerta, figura y retrato), en los parques y plazas (paisajes urbanos romanos), o más lejos. El verano pasado impartió talleres de pintura de paisajes en la región costera de Puglia, Italia, y en la parte sur de la región toscana. Este otoño, ofrecerá un taller intensivo de pintura de naturaleza muerta por las mañanas combinado con un programa de pintura de paisajes urbanos por la noche, y enseñará un taller intensivo de pintura de retratos junto con paisajes urbanos en la segunda mitad de octubre.
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| Mandarinas
2007, aceite, 7 x 11. Colección privada. |
"La mayoría de mis estudiantes tienen trabajos a tiempo completo, por lo que tengo que ofrecer una variedad de opciones para acomodar sus horarios", explica Smith. “Algunas veces ofreceré clases de dibujo por la noche en los meses de invierno, otras veces una clase de modelo los fines de semana y ocasionalmente algunos talleres especiales de pintura durante las vacaciones. El horario depende de qué tan avanzado estén los estudiantes en el curso. Puede ser muy frustrante y contraproducente presentar un nuevo tema a un estudiante que aún no está preparado”. Aunque hay un buen equilibrio de nacionalidades y grupos de edad en el Atelier Canova, la mayoría de los estudiantes son italianos, por lo que Smith da sus críticas en inglés o italiano.
Smith nombró a su escuela el Atelier Canova porque el edificio en el que se encuentra fue una vez un estudio utilizado por Antonio Canova (1757-1822), el artista italiano que era famoso por sus esculturas de mármol y figuras desnudas. Fragmentos de esculturas antiguas y un busto del artista decoran el exterior del edificio, que está a una cuadra de la Accademia Di Belle Arti. Su espacio de estudio en el último piso ofrece una maravillosa luz del norte y un pequeño balcón donde los estudiantes pueden sentarse y disfrutar de sus descansos.
Smith permite que algunos estudiantes progresen más rápidamente en el curso de estudio de lo que lo harían en otras escuelas de orientación clásica. "Mi experiencia de vivir, trabajar y enseñar en Nueva York durante siete años me convenció de ser más flexible sobre la forma en que respondo a las habilidades y ambiciones de cada estudiante", explica. "Agradezco a mis compañeros pintores de Nueva York por eso".
Aunque el programa de Smith puede ser menos rígido que otros planes de estudio, todavía espera que los estudiantes dediquen una cantidad significativa de tiempo y atención a sus estudios. Por ejemplo, en los últimos talleres de naturaleza muerta de fin de semana, que se realizaron del 2 al 17 de mayo y del 6 al 21 de junio, los estudiantes pasaron un total de 36 horas dibujando, trabajando en estudios de color y finalmente pintando las piezas terminadas. Smith ayudó a los estudiantes a reducir los costos al proporcionar las pinturas, y los estudiantes trajeron consigo sus propios objetos de naturaleza muerta, pinceles y otros suministros pequeños. "Comenzamos el curso con un resumen del desarrollo del género de bodegones y terminamos con un saludo a algunos artistas contemporáneos", describe el artista. “Todos los estudiantes habían completado al menos tres dibujos del 'piso', por lo que estaban familiarizados con el método de dibujo del tamaño de una vista. Esto hizo su trabajo mucho más fácil, ya que podían centrarse en el proceso de pintar”.
Muchos de los mejores artistas con formación clásica admiten que no son tan hábiles para trabajar con el color como con el dibujo y la pintura de valor. Smith compensó esa deficiencia como estudiante al pasar mucho tiempo aprendiendo a evaluar varios colores de aceite y cómo podrían combinarse para hacer una gama completa de colores armoniosos. "Desarrollé mi propia forma de trabajar con una paleta de colores limitada, y ahora ese es uno de los aspectos distintivos de mis talleres y clases", dice Smith. “Paso mucho tiempo ayudando a las personas a comprender cómo usar algunos colores de tubo para preparar una gama completa de colores secundarios y terciarios que sean apropiados para cualquier tema que elijan. Les animo a mezclar pequeñas cantidades de colores según sea necesario antes de comenzar cada sesión de pintura. Este es el proceso que sigo cuando pinto, y es el mismo que uso para bodegones, figuras, paisajes y retratos ".
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| Toronjil
2007, aceite, 14 x 14. Colección privada. |
Los participantes en las clases de Smith son introducidos a la teoría del color a través de un bosquejo rápido para ayudarlos a comprender cómo usar una paleta de colores limitada. El instructor también trabaja junto a ellos y se mantiene un paso adelante dando una demostración formal cada mañana. "Algunas de las técnicas más básicas se explican durante estas demostraciones, como las diferencias entre los colores opacos y transparentes", explica Smith.
La paleta limitada específica que Smith recomienda incluye plomo blanco, ocre amarillo, rojo inglés o rojo indio, azul cobalto, alizarina carmesí y negro marfil. "Estos colores se pueden mezclar para crear versiones cálidas y frescas de los colores necesarios", explica. “Por ejemplo, los estudiantes pueden hacer un hermoso verde combinando amarillo ocre con negro marfil o azul cobalto. Una paleta de colores extendida que podría usarse para un bodegón complicado o una pintura de paisajes incluiría el amarillo cadmio, el amarillo indio, el bermellón, el cerúleo o el viridian”. Las marcas de pintura que Smith usa incluyen Michael Harding, Old Holland y Robert Doak El medio que recomienda es producido por Robert Doak en Brooklyn y es una combinación de trementina, aceite de nuez espesado por el sol y bálsamo.
