El artista de Michigan Jim Johnson ofrece valiosos consejos para una exitosa pintura de acuarela al aire libre.
por Collin Fry
| SS Kewatin
2000, acuarela, 9 x 12. Todos obra de arte esta colección del artículo artista a menos que se indique lo contrario. |
A Jim Johnson le encanta pintar al aire libre. "Hay tanta belleza que se puede ver en las mezclas aleatorias de luz, color, textura y patrón en la naturaleza", dice. “Para mí, la acuarela es el medio perfecto para explorar estas maravillas. Observar, pintar y divertirme es mi filosofía, en todo tipo de clima. A veces siento que no estoy pintando cosas, sino los colores y las cualidades de la luz cambiante, ya que toca varios temas naturales y artificiales ".
El estudio de la luz y sus efectos tiene una larga historia con pintores, particularmente los impresionistas franceses y estadounidenses. Cada artista encuentra problemas que involucran la luz siempre cambiante cuando pinta al aire libre. Johnson ha estudiado el tema a lo largo de una larga carrera como ilustrador y acuarelista, y como resultado, sus pinturas muestran un manejo magistral de los efectos de luz y el valor. Los espectadores a menudo comentan que sus acuarelas "brillan", un efecto que obtiene a través de su práctica de dejar trozos de papel blanco que se muestran entre grandes y pequeñas áreas de color. El fuerte dibujo y los contrastes de valores nítidos crean un efecto fresco que de hecho parece brillar. Para completar el efecto general de sus pinturas, Johnson varía el tamaño y la dirección de sus pinceladas, agregando textura y un aspecto impresionista a su obra de arte.
"Para mí, una pintura al aire libre registra un evento, un recuerdo atesorado y un momento particular en el tiempo con su luz, estado de ánimo y color únicos", dice. “Para lograr esto, siempre trato de capturar mi primera impresión de una escena. Estos primeros trazos pueden ser la parte más emocionante del proceso de pintura, y mi objetivo es tener esa emoción claramente visible en la pieza terminada”. Pintar una representación fotográfica detallada de un sujeto no es importante para Johnson. Más bien, siente que ser creativo -interpretar libremente una escena con una visión y estilo personal- debería ser el objetivo de la pintura al aire libre. "Uno no debe ser demasiado seguro o predecible o dudar en exagerar lo que uno ve", insta. "Sé espontáneo. Cada pintura debe ser una aventura ".
La mayoría de las veces Johnson usa una paleta primaria de tres colores. La alizarina carmesí, la luz amarilla de cadmio y el azul cobalto son sus opciones favoritas, y estos colores básicos se pueden mezclar para crear casi cualquier tono deseado, cálido o frío. En ocasiones agregará otros colores si es necesario.
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| El viejo Chris-Craft
2008, acuarela, 8 x 11. |
El artista limita sus composiciones a los elementos principales de una escena, a veces mejora ciertas áreas mientras omite detalles menos importantes. A partir de sus años de experiencia, Johnson ha desarrollado tres pasos preliminares para una pintura exitosa en plein air. Primero, elabora bocetos de valor para establecer el patrón claro-oscuro e investigar las formas básicas de la escena. Luego, desarrolla las formas en patrones que crean una composición sólida. Luego ejecuta un estudio de color, prestando especial atención a la temperatura del color.
Una vez que el artista ha completado estos pasos simples pero importantes, está listo para comenzar a pintar. Johnson generalmente usa papel Strathmore 400 Series de 130 lb, que tiene dientes suficientes para su estilo de pintura. Continúa experimentando con otros papeles pero sigue regresando al Strathmore. "Mantiene el color por más tiempo, dándome tiempo para trabajar los pigmentos húmedos sin manchar el papel", dice Johnson. El artista prefiere los pinceles sintéticos modernos, sintiendo que conservan su forma original mejor que los pinceles de sable tradicionales. Generalmente usa solo las mejores acuarelas de tubo debido a sus tonos intensos, pero Johnson a veces experimenta con pinturas de grado estudiantil.
Con bocetos preliminares a la mano, comienza apretando toques de alizarina carmesí, azul cobalto y amarillo cadmio en puntos equidistantes en su bandeja de carnicero recubierta de porcelana. En el centro de la bandeja, Johnson forma un charco de agua clara y crea un "río" de agua con su pincel que conecta el charco con el toque rojo. Luego hace otros dos ríos que conectan los toques azules y amarillos con el charco. Los colores pueden girar y correr juntos al azar. Luego mezcla versiones más oscuras de las mezclas. "En ese momento emocionante uno sabe si él o ella está destinado a ser un pintor de acuarelas", dice. "Cuando veo la infinita variedad de posibilidades de color que se forman en la bandeja, estoy listo para pintar".
Como sugerencia final, Johnson recomienda el uso cuidadoso de una combinación de bordes duros y blandos. Esto evitará que las diversas formas se vuelvan demasiado afiladas y tengan la apariencia de estar cortadas y pegadas en un fondo. Los bordes suaves conectarán una forma grande a un fondo, haciendo que retroceda. Los bordes, duros y blandos, perdidos y encontrados, pueden controlar el movimiento ocular del espectador y dar a una pintura una sensación de misterio y estado de ánimo.
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| South Haven Skiff
2000, acuarela, 11 x 14. |
Tres pasos preliminares para garantizar un buen comienzo en una pintura
1. Analice los valores primero
Al pintar al aire libre, el tiempo se vuelve crucial. La luz cambia constantemente, por lo que es importante identificar rápidamente la fuente de luz, analizar sombras y establecer un patrón de valores. Esto se convierte en la estructura básica de la pieza. Las formas y los valores son los elementos más importantes de una pintura.
Traduzca los objetos que ve en áreas principales de tres valores grises: claro, medio y oscuro. Entrecerrar los ojos ayuda a simplificar las formas y eliminar detalles extraños, lo que le permite visualizar la escena reducida a patrones simples de formas en estos tres valores. Ejecute un estudio de valor pequeño, utilizando el blanco del papel para representar un cuarto valor si lo desea.
2. Desarrollar patrones de forma en una composición
Conecte las diversas formas para formar patrones simples y complejos. Elige un centro de interés. Luego, dirija el ojo del espectador a través de la pintura, según lo desee, agrupando formas. Recuerde, tener una variedad de formas agrega interés y equilibrio a una composición. No tenga miedo de cambiar o eliminar objetos o detalles.
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| Festival del Agua
2007, acuarela, 12 x 16. Colección privada. |
3. Elaborar un plan de color
Un pequeño estudio de color puede ser muy útil, especialmente para sujetos complejos. Asigne colores al patrón de formas, teniendo en cuenta la estructura de valores que estableció. La elección del color puede ser fiel a la escena o interpretarse de manera más libre y creativa. Tenga en cuenta el efecto que los colores cálidos y fríos tienen entre sí: recuerde que los colores cálidos tienden a aparecer, mientras que los colores fríos retroceden. Además, la luz cálida crea sombras frías; La luz fría puede dar lugar a sombras cálidas.
