Bodegón con nueve peras (acuarela, 27 × 38)
Gnott divide su trabajo en tres áreas: bodegones formales con muchos encajes y jarrones; bodegones de cocina que incluyen antigüedades, tarros de bolas y balanzas; y bodegones florales, particularmente peonías. Encuentra su tema en las ventas de bienes, tiendas de antigüedades y su jardín botánico favorito, tomando fotos de frutas y flores y recogiendo artículos que darán detalles intrincados a sus pinturas. "Mis temas favoritos son probablemente ollas viejas de esmalte, encajes y peras", dice ella. “Creo que cuanto más detalles puedas obtener de un sujeto, más realistas serán tus pinturas. Cuando pinto esmaltes, cuanto más muescas y rasguños tienen las piezas, más realistas se vuelven mis pinturas. El encaje es muy complejo y me encantan las peras porque cada una tiene una personalidad ".
Debido a que sus pinturas tardan tanto en completarse, Gnott pinta solo en su estudio, donde puede controlar la iluminación y dejar la naturaleza muerta. Cuando se trata de su proceso, dice, no hay flexibilidad, todo tiene que estar muy bien planificado desde el principio. "La gente piensa que creas esto de tu cabeza, pero no puedes ser libre con este tipo de pintura", explica Gnott. "Tienes que realizar ciertos pasos de cierta manera".
Para ella, eso significa comenzar con un dibujo muy ajustado en Arches 140-lb. papel de acuarela prensado en frío, estirado sobre madera contrachapada sellada de ½ pulgada o Gatorboard. Para tantas capas como se ponga, dice Gnott, las 140 libras. el papel se seca herméticamente y se puede pintar varias veces. Luego, hace un dibujo muy detallado, lo transfiere a papel de acuarela con papel de grafito y enmascara los objetos en primer plano con el líquido de enmascarado Winsor & Newton. Entonces es hora de abordar el fondo.
A Gnott le encanta el drama, por lo que sus pinturas siempre tienen objetos claros que parecen sobresalir de sus fondos oscuros. Para lograr este tipo de impacto, ella trabaja desde el color más claro hasta el más oscuro. Ella comienza pintando el fondo y la tela, formando capas hasta lograr un color rico. Luego, elimina el líquido de enmascarar de los objetos en primer plano y los pinta, comenzando con esmaltes claros y acumulando colores más ricos, permitiendo que la pintura se seque entre cada aplicación. Esta técnica de acristalamiento le permite crear un efecto realista y tridimensional. Comienza cada pintura con pinceles grandes y trazos sueltos, y luego trabaja con pinceles más pequeños a medida que su pieza se vuelve más apretada, usando pinceles No. 00 para los detalles más finos. Cuando la pintura está casi terminada, agrega los reflejos. "Ese pequeño toque de blanco realmente hace que el vidrio brille", dice Gnott.
Manteniéndolo real: demostración de 7 pasos para lograr el realismo
1. Preparando la pieza
Tengo mucho cuidado de no dañar la superficie de mi papel de acuarela, por lo que todos mis dibujos se completan en una hoja de papel separada. Usando papel de grafito, transfirí mi dibujo a estirado, 140 libras. Arches prensó en frío el papel de acuarela y luego lo roció con fijador, de modo que cuando elimino el líquido de enmascarar más tarde, no levanta mi dibujo con él.
2. Conseguir glaseado
En esta etapa, apliqué el líquido de enmascaramiento de Winsor & Newton a todos los objetos y los elementos del patrón en el fondo de pantalla. Después de que el líquido de enmascaramiento se secó, comencé a poner color. Decidí mi paleta de colores antes de comenzar a mezclar los colores, y apliqué muestras a un cuadrado de papel de acuarela en caso de que tuviera que mezclar más tarde. Luego comencé a ponerme en mi fondo con pinceles de merluza. Puede tomar de 6 a 10 esmaltes finos de color para lograr el aspecto que quiero. Sequé cada aplicación de color con un secador de pelo antes de aplicar la siguiente capa. Como el papel se estira, se volverá a apretar cuando se seque. Si tengo problemas con el levantamiento del color después de varias capas, dejaré que la pieza se seque durante la noche. Por la mañana puedo dejar con éxito el último esmalte.
3. Sombras de color
Luego, creé lavados en la mesa. Después de dejar la primera serie de esmaltes, la superficie aceptaba más las manipulaciones sutiles, por lo que trabajé húmedo sobre húmedo para definir las áreas más oscuras. Algunas sombras proyectadas reflejaban el color del objeto más cercano, por lo que en esos casos agregué una cantidad sutil de ese color al área de sombra. Después de que todas las sombras y las sombras proyectadas estuvieran en su lugar, terminé la mesa agregando el grano de madera. Esto se hizo en papel seco, con más pigmento que agua en el pincel.
4. Limpieza y secado
Mi técnica general es construir todo lentamente con finos esmaltes de color. Paso mucho tiempo secando mi trabajo; cada capa tiene que secarse completamente para que la superficie vuelva a tensarse antes de aplicar más color. Después de que todo esté completamente seco, elimino el líquido de enmascarar. Debido a que pongo el líquido en bastante grueso, hay que limpiar bastante. Lleva mucho tiempo, pero es la única forma de aplicar lavados de fondo de manera uniforme sin pintar alrededor de todos los objetos.
5. Mantenerse consistente
Quería hacer todas las peras al mismo tiempo para lograr un aspecto equilibrado en mi pintura. Primero puse los esmaltes de color iniciales, unas tres o cuatro capas, luego comencé a aplicar todas las pequeñas motas y rasguños ocasionales que hacen que una pera sea una pera. Cuantos más detalles como este puedas aplicar a tu pintura, más realismo lograrás.
6. El arte de los detalles finos
Una de las preguntas principales que recibo de las personas que ven mis pinturas es "¿Cómo lograr que el vidrio se vea como el vidrio?". El pequeño truco que uso es agregar el blanco a prueba de sangrado del Dr. Ph. Martin a la acuarela terminada. Lo aplico con un pincel redondo pequeño y un bastoncillo de algodón. Compare los tarros de bola en el último paso con los tarros de bola en este paso. ¿Ves lo planos y poco interesantes que parecen antes de que el blanco continúe? Comencé la bolsa de azúcar agregando sombras para crear todos los pliegues y arrugas. Luego apliqué los tonos amarillos, manteniéndolos muy claros en el frente de la bolsa y más intensos a medida que el color seguía a los lados. Para la continuidad en mi pintura, utilicé una licencia artística para cambiar las letras azul oscuro de la bolsa de azúcar Domino a negro.
7. Haciéndolo pop
La olla de esmalte fue probablemente el objeto más difícil para pintar en esta naturaleza muerta. Había una gran extensión de papel blanco donde las arandelas debían aplicarse de manera muy uniforme para sostenerse por sí mismas. Además, hay sombras muy suaves en la tapa que ayudan a que se vea como una superficie brillante. Esto puede ser complicado. (Esa puede ser la razón por la que esperé hacerlo por última vez). Apliqué las sombras, las sequé y luego apliqué un lavado simple con agua para suavizarlas. Luego, apliqué el borde rojo y el brillo blanco en los bordes de la tapa y en los mangos. Fue entonces cuando todo salió de la página. El resultado es Naturaleza muerta con nueve peras (acuarela, 27 × 38).
Jacqueline Gnott vive en South Bend, Indiana, con sus dos pastores alemanes, Thorn y Brier. Recibió una licenciatura en bellas artes de la Universidad de Indiana, y su trabajo ha sido presentado en muchas exposiciones individuales y grupales en todo Estados Unidos. Para ver más de su trabajo u obtener más información sobre sus talleres, visite el sitio web de Gnott en www.jacquelinegnott.com.
Mira otro gran recurso sobre el realismo de la acuarela, aquí.
Lea el resto de "Su mejor pintura hasta la fecha" en la edición de mayo de 2006 de la revista The Artist's Magazine.
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