Este artículo sobre Julio Reyes y sus retratos y figuras de bellas artes apareció por primera vez en la edición de mayo de 2011 de The Artist's Magazine.
El artista del sur de California, Julio Reyes, fue una vez un contendiente de un tipo diferente. Su talento como jugador de fútbol de la escuela secundaria había llevado a reclutadores llamando con ofertas de becas. Reyes había jugado en campeonatos de todo el mundo, pero en un viaje en equipo a Francia, mientras estaba entre sus compañeros en las galerías del Louvre, Reyes tuvo una revelación. "Mientras miraba a mi alrededor, me sentí abrumado por esta tremenda sensación de anhelo", dice Reyes. "Parecía que yo era el único que sabía que estábamos rodeados de esplendor". Esa misma noche fue a su cuaderno de dibujo y dibujó todo lo que podía recordar de las obras de arte. La intensidad que había reservado para el fútbol se redirigió rápidamente a su nueva vocación.
Mirando hacia atrás, Reyes no lamenta esta decisión de dejar una prometedora carrera deportiva. Hacer deporte habría sido una profesión de corta duración, pero hacer arte es algo que puede hacer para toda la vida, y le da una sensación de catarsis y calma. Pintar retratos y figuras de bellas artes es para él comparable a la elaboración de poesía, y a menudo una sensación o impresión al azar lo insta a crear. “Recibiré un destello o notaré algún detalle: la forma en que el viento atrapa el cabello de alguien o la forma en que la luz cae sobre una chaqueta de pana. Entonces estoy enganchado”, dice. “Un trabajo fuerte es el fruto de una experiencia poderosa e impresiones profundas. Cada recuerdo, sonido y olor se escribe en el corazón .
Reyes describe sus obras terminadas como una "mezcolanza" o "reconciliación" de muchos dibujos y pinturas. A veces cambia de medios mientras explora las ventajas de uno sobre el otro para un trabajo en particular. Le encanta la calidad instantánea de la acuarela. El aceite ofrece más peso y una variedad de texturas y acabados. Cuando comienza a dibujar, gran parte del trabajo pesado se realiza con un lápiz mecánico acompañado de una gran cantidad de moderación, ya que se resiste a saltar entusiasmado con marcas llamativas en lugar de trabajar pacientemente en el proceso de estratificación.
Muchas de las obras de Reyes transmiten la sensación de anhelo que experimentó en el Louvre. Su esposa, Candice Bohannon, también artista, actúa como modelo, a menudo representada como una figura solitaria ante un fondo desolado. "Los entornos no están allí para llenar el espacio", dice. Están embarazadas de significado. Tienen tanto potencial, si no más, para comunicarse como una figura”. Los vastos y sombríos paisajes grisaille evocan weltschmerz, o el cansancio mundial. En gran parte vacías, excepto por los restos industriales, las pinturas narran la tendencia de la humanidad a construir y abandonar.
"Hay una melancolía oculta en nuestro tiempo, de alguna manera vinculada al vacío cultural que queda tras el ethos posmoderno", dice. “Vivimos en una especie de nueva frontera donde todas las viejas verdades han sido derribadas y ninguna reemplazada. Eso es parte de por qué represento cosas como torres eléctricas, líneas eléctricas y los paisajes áridos de la manera que lo hago, yuxtaponer un momento muy privado contra la inmensidad de un mundo cansado”. Sin embargo, en la tristeza, Reyes tiene una belleza. se esfuerza por transmitir, lo que presta momentos sublimes a la vida.
Una característica atractiva y poderosa en las pinturas de Reyes es su sutil uso del color en obras de arte predominantemente monocromáticas. "Me mantengo alejado de las mezclas de colores drásticos", explica. El color audaz puede distraer la transmisión de una cierta experiencia al espectador, y Reyes no es alguien que golpee al espectador sobre la cabeza.
Pero hay otra razón detrás de la paleta de colores apagados. En la escuela primaria, durante un conjunto de pruebas de rutina, Reyes descubrió que era parcialmente daltónico. Le resulta difícil distinguir entre rojo y verde, así como azul y púrpura. "Los verdes y azules de ftalo son difíciles para alguien como yo", dice. Si bien el color puede no ser su fuerza, el valor y la temperatura sí lo son.
Independientemente de esta fuerza compensatoria, ¿cómo se las arregla con tal desafío? Con mucha investigación y confianza en otros ojos, incluidos los de su esposa. Reyes señala la ironía de su fuerte sentido del color y su debilidad del color. Ha habido momentos en los que completó un retrato, solo para sentirse desconsolado cuando se enteró de que había pintado una cara de verde. No se rinde fácilmente, Reyes simplemente raspó la pintura y comenzó de nuevo.
Para preparar sus médiums, Reyes deja que el aceite de linaza y el aceite de nuez se espese a la luz del sol, a veces hasta un año, por lo que se vuelven "más llamativos" en el lienzo. Descubrió este enfoque de bricolaje para hacer aceites con cuerpo de calor a través de la serie de libros Art in the Making, publicada por la Galería Nacional de Arte de Londres. También construye sus propios caballetes, fijando los paneles y las barras de camilla a mano. (Haga clic aquí para ver la demostración paso a paso de Reyes: Cómo preparar y preparar su lienzo).
Si bien su formación es académica y emplea ciertas técnicas históricas, Reyes desprecia las pinturas que siguen a los viejos maestros hasta la falla. Siente que sin tomar de la propia experiencia, un pintor realmente está hablando con un acento afectado: un "lenguaje visual prestado". Explica: "Si su experiencia ha sido profunda, un nuevo lenguaje nace de ella".
La parte anterior del artículo es de Lisa Wurster. A continuación se muestra una breve demostración de retratos de bellas artes de Julio Reyes.
La fabricación de un imperio
1. Antes de pintar Empire, creé un estudio de carbón de 9 × 12 (arriba). El carbón vegetal me permitió describir con audacia y rapidez las formas básicas de las masas claras y oscuras, cualidades formales que valoro más en el calor de las cosas cuando surge la idea y estoy tratando de descifrarla. Me llamó la atención la forma blanca de la chaqueta contra la masa oscura de las torres y las líneas eléctricas, así como la complejidad del patrón que la masa oscura proyectaba en el horizonte. Con el carbón, pude extraer esa yuxtaposición vital, tanto conceptual como pictóricamente.
La pintura inferior (arriba) de Empire es lo que yo llamo una etapa de color muerto. Las formas están más o menos bloqueadas con colores neutros, y las luces más claras y las sombras más oscuras todavía están cerca del centro de la escala de valores. Pero cada pintura es diferente. A veces comenzaré con colores locales fuertes y casi extremos y otras con solo una grisaille. Elegí un bloqueo neutral con Empire porque sabía que estaría lidiando con una paleta limitada en la pieza terminada. Desde esta etapa, completar la pintura fue una cuestión de refinar las formas, fortalecer los valores y enriquecer el color.
Todo en Empire (arriba), desde torres eléctricas hasta cercas de alambre y esa maravillosa chaqueta, fue pintado con fidelidad a la forma en que la luz del aftergow iluminaba los objetos reales. Gran parte de la riqueza variada proviene de colocar pasajes audaces alla prima junto a pasajes sutiles en capas.
APRENDE MÁS
- Vea una vista previa gratuita del taller digital de Costa Vavagiakis "Dibujando un retrato de la vida".
- Echa un vistazo a la revista electrónica descargable "Cómo dibujar personas: Dibujo de retratos en grafito y carbón".
- Lea el artículo en línea “Cómo David Jon Kassan pinta retratos al óleo.
- Vea una vista previa gratuita del taller de DVD del Artists Daily Mastering Portrait Drawing con Susan Lyon.
- Lea la demostración paso a paso de Candace Bohannon, “Cómo pintar flores en una pintura al óleo de bodegones.
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