Llevar un cuaderno de bocetos a la naturaleza para crear un dibujo de flores puede ser tan útil como cualquier sesión de estudio. Estudiar las formas orgánicas de una flor a medida que ocurren en la naturaleza permite a los artistas agudizar sus habilidades con gestos, colores, luces y sombras. Y, posiblemente, la forma y el "diseño" de una flor o planta en ciernes puede desafiar al artista tal como lo hace la figura porque ambos son complejos y tienen un ojo agudo para discernir sus proporciones y estructura.
Transportar una flor cortada en el interior y organizarla en un florero siempre es una buena manera de aprender a dibujar flores, porque empuja a los artistas a organizar composiciones fuertes y descubrir un punto focal o centro de interés para un arreglo de naturaleza muerta o floral. pintura.
No hay una sola forma de dibujar flores. Los artistas toman esta búsqueda en muchas direcciones diferentes, desde crear obras impresionistas que enfatizan el color y el gesto hasta piezas más naturalistas que enfatizan la apariencia y los detalles de la flor específica.
Debido a que los dibujos de flores y las pinturas florales a menudo son experimentos en línea y color, los artistas trabajarán con grafito, lápiz y tinta, pastel o acuarela al profundizar en este género, pero realmente no hay un medio que esté fuera de los límites de este tema. importar. Depende del artista decidir cómo puede crear un dibujo de rosa, por ejemplo, y ser fiel a su propia visión.
Cómo dibujar flores con una semejanza naturalista
El dibujo de flores para Susan Van Campen no se trata de organizar una configuración estéticamente agradable ni de concebir la composición más llamativa. En cambio, se trata de dibujar la vida de una flor, los detalles naturalistas que dan a cada uno su propia semejanza. "Mi objetivo no es crear una imagen bonita", enfatiza el artista. "Más bien, estoy tratando de capturar el carácter de la flor, casi como si estuviera pintando un retrato".
Van Campen emplea el medio versátil y directo de la acuarela, y ha llegado a amar el proceso. "En la pintura al óleo, cada pincelada cuenta", explica el artista. “Pero, con la acuarela, a menudo pueden suceder grandes cosas sin que el artista gaste demasiado esfuerzo. Al principio, cuando estaba aprendiendo acuarela por primera vez, era difícil adaptarme al medio, pero cuanto más trabajaba con él, más me daba cuenta de que el agua realmente hace mucho trabajo. Es una de esas cosas que no puedes enseñar, como cualquier otra cosa en la vida, cuanto más lo hagas, mejor te convertirás en eso ".
Van Campen siempre crea su arte de dibujo de flores a partir de la vida, a veces sentada en el suelo de su jardín directamente del sujeto, mientras que otras veces corta un montón de ramas y las trae adentro, colocándolas en superficies blancas y frente a ellas. paredes blancas.
Una vez dentro, Van Campen organiza su configuración para brindar la mayor claridad y enfoque al tema. "Trabajo en un gran mostrador blanco con una pared lisa detrás", describe. "Todo está despejado para que pueda concentrarme solo en la fruta, las flores y los jarrones que quiero dibujar o pintar". La artista siempre se para cuando trabaja en interiores, manteniendo su papel en el mostrador y sus pinturas en la silla al lado su. Ella usa las acuarelas Winsor & Newton y el papel Arches de 300 lb prensado en frío y observa el giro dramático que tomó su trabajo cuando cambió la calidad de sus materiales. "Cuando comencé a pintar en acuarela, usé pinceles y papel baratos", admite Van Campen. "Cuando cambié a un papel de mayor calidad, me sorprendió lo mucho que mejoró mi trabajo: el agua y el pigmento golpearon el papel de una manera completamente diferente".
Además de la calidad de su papel, Van Campen cuenta con preservar el blanco de su fondo como una gran contribución a la frescura y espontaneidad de su trabajo. "Para mí, es importante tener ese fondo blanco espaciando las flores", dice ella. “Es como pintar un retrato: no me gustaría que pasara mucho en el fondo distrayendo la cara de la persona. Lo mismo es cierto al dibujar o pintar flores: tener un fondo blanco y una superficie simplifica todo para mí y para el espectador. No hay desorden, y la atención se centra solo en los detalles característicos de la flor ".
Una vez satisfecha con su disposición, Van Campen comienza a componer, comenzando dibujando solo los jarrones o cuencos. "Nunca dibujo las flores, solo los contenedores que las sostienen", explica el artista. “En cierto sentido, dibujo flores todo el tiempo, solo que dibujo con mi pincel. No trabajo en absoluto con un pincel seco, ni trabajo en lavados. Soy muy directo con la pintura y básicamente solo estoy jugando con charcos de agua durante todo el proceso: un charco aquí para la forma de una flor, un charco allí para un tallo o una hoja, y, a medida que agrego el pigmento al charco, Miro cómo va a reaccionar. En cualquier momento, puedo tener cuatro o cinco áreas húmedas de pintura, así que tengo que estar al tanto de lo que sucede alrededor del papel. Debido a que he estado haciendo esto durante tanto tiempo, sé cómo el agua va a tratar el pigmento y utilizo ese conocimiento para describir la forma de lo que estoy pintando ".
Fuente: de un artículo de Allison Malafronte, 2008
Aprende a dibujar flores: su decadencia y regeneración
"Creo que la razón por la que a la gente le encanta dibujar es porque es muy básico", dice Joan Wadleigh Curran de manera casual. "Así es como primero aprendemos a interpretar nuestro mundo de una manera visual". Para Curran, el dibujo es una habilidad fundamental y un medio para traducir imágenes y conceptos que la inspiran. La artista trabaja en una variedad de medios, incluyendo carbón, aceite y gouache, prefiriendo uno sobre otro en varios momentos dependiendo de la fuente de su inspiración.
Independientemente de cómo se etiquete su trabajo, el enfoque de la artista siempre es claro: la relación simbiótica, y a veces antagónica, entre las personas y el paisaje. "Durante un tiempo estuve interesada en el tema de los jardines", dice ella, "porque era un ejemplo perfecto de que el hombre controla y altera la naturaleza. En muchos sentidos, un jardín muestra tanto sobre el creador como cualquier otra cosa ".
A Curran siempre le ha gustado pintar el mundo natural, pero al mudarse a Filadelfia, se sintió atraída por otra faceta de su entorno. Un día, mientras reunía referencias fotográficas, se topó con un árbol que estaba en proceso de poda y se sintió obligada a registrar cómo dibujar un árbol como este en la condición en que lo encontró. "Se había torcido por la poda", recuerda. "Fue entonces cuando me interesé en la relación entre el hombre y la naturaleza, especialmente los organismos naturales que viven en un contexto urbano".
Con esto en mente, la exploración de Curran la condujo a temas que los transeúntes rara vez notan: las malezas, ramas y raíces que rompen el pavimento y la cerca para sobrevivir. Los bocetos de la vida vegetal y los dibujos de flores resultantes del carbón son íntimos y detallados, a la vez que son representativos. Sin duda, la imagen en blanco y negro connota una sensación de reportaje, pero a través de su uso del blanco del papel y la composición dinámica, estos objetos se elevan.
La vegetación, normalmente la ruina de cada jardinero o paisajista, recibe la atención de una fina ilustración de dibujo de flores. "Siempre me ha interesado la singularidad de los objetos y su poder", dice el artista, "y porque estoy extrayendo el objeto del paisaje una vez que estoy de vuelta en mi estudio, tiendo a pensar que está aislado.. Pero adopto este enfoque porque hacerlo me permite analizar y decodificar realmente qué fue lo que me encendió la imagen en primer lugar.
"Construyo la imagen lentamente a través de la eclosión", dice, y señala que puede llevarle dos semanas o más completar un dibujo. “Usaré algunas manchas y borrado para obtener las luces que quiero. Me gusta tener toda la gama de valores para poder transmitir una sensación de drama”. Trabaja en el papel Stonehenge porque su superficie de vitela puede resistir el borrado repetido sin difuminarse.
Fuente: de un artículo de Naomi Ekperigin, 2012
Consejos sobre cómo dibujar una rosa, cómo dibujar flores y más
Trabajar desde la naturaleza puede dar al artista una mayor sensación de textura, delicadas gradaciones de luces y sombras, gestos y movimientos, y colores. Pero lo más útil de aprender a dibujar flores es que este tema se puede dibujar y dibujar de acuerdo con su propia comodidad y ritmo. Sabiendo eso, y con los consejos a continuación, estarás en camino de aprovechar al máximo cada momento que pases con el lápiz en la mano.
Elimina fragmentos de información. Salir a un parque o prado cercano y tomar nota de diferentes datos visuales es una excelente manera de prepararse para una sesión de dibujo de dibujo de flores. Estas anotaciones pueden permanecer como están en su cuaderno de bocetos o convertirse en la base de un dibujo más terminado más adelante.
Cómo dibujar una rosa Un dibujo de rosas es icónico, pero a veces es difícil de crear. El truco está en el gesto de cada golpe. Arrastre su implemento, por ejemplo, carbón, en un gesto que capture la forma y la posición de los pétalos de la flor. Puede tomar más de un intento, pero trabajar para crear el capullo de la flor con menos trazos hará que se vea más realista, lo creas o no.
Comience con un esquema. Esbozar las formas en negrita de una hoja o flor es una excelente manera de comenzar un dibujo de flores o una pintura floral porque te da una idea de cómo las formas crean un patrón o un ritmo visual. También puede comenzar a ver la flor como un todo en lugar de sus muchas partes, lo que puede ser útil al intentar crear una fuerte cohesión en un dibujo de flores.
Recursos
Libro electrónico gratuito: Pintar flores con artista diariamente: cómo pintar flores y crear una acción dinámica en la pintura floral